Alexander McQueen'Nachfolgerin Sarah Burton über die Zukunft der Marke jenseits ihrer dunklen Vergangenheit

Die Kreativdirektorin von Alexander McQueen hat ihren unauslöschlichen Stempel auf pragmatisch-poetische Kollektionen gesetzt, die auf Großbritanniens Geschichte und Handwerkserbe zurückgreifen. Hamish Bowles reist mit Burton und ihrem Team für einen inspirierenden Rundgang ins mystische Cornwall.

Sarah Burton wuchs im nüchternen Norden Englands auf, als eines von fünf Künstlerkindern, das, wie sie sich erinnert, „mit den abgelegten Sachen meines Bruders gekleidet war – daher die Sehnsucht nach schönen Kleidern!“

Diese Sehnsucht führte sie schließlich an die Saint Martins Kunstschule, um Modedruckdesign zu studieren. Zu dieser Zeit, so erinnert sich Burton, sprach jeder über das provokative Talent eines frischgebackenen Absolventen, Alexander McQueen, der sich schnell einen Ruf als Designer von ikonoklastischer Brillanz sicherte. Burtons Tutor, Simon Ungless, war mit McQueen befreundet und schlug ihr, beeindruckt von der Forschungsleidenschaft seiner Studentin, ein Praktikum bei ihm vor. „Ich war ein bisschen ängstlich“, gibt die sanftmütige Burton zu, „weil ich nicht sehr ‚modebewusst‘ war. Aber ihn zu treffen, war völlig umwerfend: Er war so liebenswert und sehr, sehr warmherzig.“

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Sie war auch von McQueens intuitivem Talent beeindruckt. An ihrem ersten Tag im unordentlichen Atelier des Designers am Hoxton Square „nahm er etwas Spitze und steckte dieses wunderschöne Kleid in einer Stunde auf den Ständer und tanzte um die Schaufensterpuppe herum“, erinnert sich Burton. „Es war wie eine Skulptur – so etwas habe ich noch nie gesehen.“ In diesen frühen Jahren fertigte McQueen viele der Stücke selbst an. „In so kurzer Zeit hat er alles gemacht“, erinnert sich Burton. „Schneiderei, Abendgarderobe, Kleider, Stickereien, Leder, Strick – alles!“

Als Ergebnis lernte McQueens Team, niemals nein zu einer technischen Herausforderung zu sagen – denn oft kamen sie morgens ins Atelier und fanden ein fertiges Kleidungsstück auf dem Ständer, das McQueen die Nacht über selbst gelöst hatte. Am Anfang, so gibt Burton zu, „konnte sie nicht wirklich nähen oder Schnittmuster schneiden – ich musste wirklich schnell lernen“, und da das Geld knapp war, gab es keinen Spielraum für Fehler, denn, wie sie sagt, „man konnte es sich nicht leisten, es neu zu machen!“Als die Marke im Jahr 2000 von François Pinaults Gucci-Gruppe (jetzt Kering) übernommen wurde und die Ressourcen und Produktionsmöglichkeiten exponentiell erweitert wurden, verbrachte Burton einige Zeit in den neuen italienischen Fabriken, um sich deren Spezialkenntnisse anzueignen. Sie erkannte, dass, wenn sie zeigte, „dass man sich die Hände schmutzig machen kann“, die Handwerker im Gegenzug Ergebnisse erzielen konnten, die oft ihre Erwartungen übertrafen.

Nachdem sich der brillante, problembehaftete McQueen 2010 das Leben nahm, war Burton, die bis dahin vierzehn Jahre lang die unschätzbare rechte Hand des Designers war, seine natürliche Nachfolgerin – vor allem war sie für die Fertigstellung der Kollektion Angels and Demons verantwortlich, die McQueen begonnen hatte, aber nicht vollenden konnte. Nach dieser feierlichen, elegischen Präsentation trat Burton endlich aus dem Hintergrund hervor, obwohl der Übergang ins Rampenlicht für diese bescheidene, sich selbst zurückhaltende Frau offensichtlich nicht leicht war. „Ich war immer im Chor – ich war nie eine Solistin“, erklärt sie. Aber sie erklärte ehrfürchtig McQueens Ansatz in dieser Kollektion, in der er nach den technologischen Innovationen seiner letzten Arbeiten zur Idee des Handwerks zurückkehrte, zu „Dingen, die bei der Herstellung von Mode verloren gehen. Er sah sich die Kunst des dunklen Mittelalters an, fand aber Licht und Schönheit darin“, sagte Burton damals der Vogue. „

Alexander „Lee“ McQueen war zugegebenermaßen ein harter Brocken, dem es zu folgen galt, und Burtons Arbeit wurde gnadenlos und nervtötend unter die Lupe genommen, aber die Wahrheit ist, dass sie ihre eigene Identität mit dem allerersten Look definierte, den sie in ihrer Debütkollektion in der folgenden Saison über den Laufsteg schickte. Nach dem Trauma von McQueens frühem Tod suchte sie nach Inspiration in der heilenden Kraft der Natur und den ländlichen englischen Traditionen, mit denen sie aufgewachsen war. Look Nummer eins des Frühjahrs 2011 war ein Gehrock im Stil des 18. Jahrhunderts, wie ihn McQueen selbst liebte, aber Burton fertigte ihn aus zehn Lagen blassem, ausfransendem Chiffon: eine Metapher für die neue, feminine Weichheit, die sie einläutete. Von Anfang an hat Burtons Geschlecht in vielerlei Hinsicht ihren Unterschied zu McQueen selbst definiert. Auf ihre stille Art trug sie dazu bei, sowohl Katharsis für das trauernde Team als auch ästhetische Kontinuität und Kohärenz für das Haus zu schaffen, dessen Erbe sie schätzte – und dessen Geheimnisse und Mysterien sie allein in ihrem Kopf und ihrem Herzen trug.

„Mit Lee war jede Show so komplett autobiografisch“, sagt Burton. „Die Kleider konnten ihre eigenen Geschichten erzählen, weil die Mode wirklich ein Avatar seiner persönlichen Reise war.“

Aber wo McQueen auf Geschichte und Technologie zurückgriff, um seine inneren Dämonen zu erforschen und seine oft beunruhigende Vision einer dystopischen Welt zu reflektieren, nutzt Burton dieselben Themen und Ressourcen, um ihre Leidenschaft für Traditionen und Handwerkskunst zu zelebrieren und die Art und Weise, wie sie genutzt werden können, um einer Frau zu schmeicheln.

„Für mich geht es nicht nur um eine Show oder eine Kritik“, sagt Burton. „Es geht darum, Frauen zu kleiden und wie ein Stück sie fühlen lässt. Sobald man eine McQueen-Jacke anzieht, steht man anders, weil sie eine Taille und eine Schulter hat und man sich dadurch ermächtigt fühlt. Es ist toll, wenn man das für Frauen tun kann.“

Die Früchte von Burtons Training an der Seite von McQueen sind überdeutlich: Ihr bei einer Anprobe zuzusehen, ist eine Lehrstunde in Sachen Perfektionismus. Obwohl Burton ein eigenes Büro in McQueens Stahl-und-Glas-Hauptquartier im einst düsteren Londoner East End hat, gibt sie zu, dass sie es nur selten nutzt. „Letztes Jahr habe ich dort meine Weihnachtsgeschenke eingepackt“, verrät sie, „und das war’s.“ Stattdessen möchte sie die Kollektion, an der sie arbeitet, in einem lichtdurchfluteten Studio im obersten Stockwerk erleben, umgeben von einem, wie sie es nennt, „guten Chaos“, zusammen mit ihrem begabten Team von Design-Mitarbeitern. Der hoch aufragende Raum ähnelt dem mit Schätzen gefüllten Dachboden eines stattlichen Hauses. An den Wänden stapeln sich sorgfältig beschriftete Behälter mit Textil- und Stickereimustern, daneben eine ständig wechselnde Anordnung von Tafeln mit inspirierenden Bildern. (Die Firma steht kurz vor dem Umzug in neue, größere Räumlichkeiten in der gleichen Nachbarschaft. „Es wäre nicht McQueen, wenn es nicht chaotisch wäre!“, sagt Burton.)

Burton trägt gewohnheitsmäßig ein pralles Satinkissen mit fein säuberlich angeordneten Stecknadeln am Handgelenk; damit glättet sie geschickt die Linie eines Mieders, so dass er sich an den amazonenhaften Körper der russischstämmigen Polina Kasina anschmiegt, dem Passformmodel, das seit zwölf Jahren für das Haus arbeitet und das, wie Burton selbst, ein vitales Gedächtnis für Hunderte von Entwürfen sowohl von McQueen als auch von Burton mitbringt.

Perfektionismus liegt schließlich in der DNA des Hauses. „Als Lee hier war“, erinnert sich Burton, „haben wir die Nadeln farblich codiert – wir haben die Enden in der gleichen Farbe wie die Stoffe gestrichen“, um die visuelle Wirkung des jeweiligen Stücks nicht zu beeinträchtigen.

„Viele Kleider sehen heute so aus, als wären sie von keiner menschlichen Hand berührt worden, also passen sie nicht richtig“, fügt sie hinzu. „Ich denke, es ist wirklich wichtig, dass Kleidung für den Körper einer Frau gemacht ist.“

Burtons kreativer Prozess ist ein gemeinschaftlicher. „In jeder Saison finden wir entweder ein Kleid oder eine Geschichte oder einen Ort“, erklärt sie ihre Arbeit mit ihrem Designteam, „und dann wächst es einfach von dort aus. Es ist eine erstaunliche Atmosphäre hier – eine ständige Konversation. Es ist eine sehr organische Art zu arbeiten, und es kommt alles in einer Collage zusammen.“

Das Musteratelier im Stockwerk unter Burtons Atelier ist die Domäne der formidablen Judy Halil, Leiterin des Ateliers, die beim Schneider der Königin, Sir Hardy Amies, ausgebildet wurde und seit 20 Jahren ein Mitglied der McQueen-Familie ist. Halil steht einem technischen Team vor, das genauso engagiert und leidenschaftlich ist wie die Designer in den oberen Etagen. Ein Bataillon von Schaufensterpuppen steht wachend in einer Ecke, jede gepolstert, um die Figur einer von McQueens gefeierten Couture-Kundinnen zu spiegeln, zu denen jetzt Nicole Kidman, Cate Blanchett, Michelle Obama und die Herzogin von Cambridge gehören, deren Kleid für ihre Hochzeit mit Prinz William im Jahr 2011 – das Romantik, Geschichte, hohen Stil und Zeremonie in einem Kleid für die Ewigkeit geschickt kombinierte – Burton zum globalen Modestar machte. Neu hinzugekommen sind Elizabeth und Cecilia, die vierjährigen Zwillinge von Burton und ihrem Mann, dem skurrilen Fotografen David Burton (das Paar hat auch eine einjährige Tochter, Romilly). Für das Krippenspiel der Zwillinge in der Schule entwarf Halil ein pummeliges Rotkehlchen und ein Schwalbenkostüm mit perfekt gekreuzten Schwanzfedern, beides aus einzelnen Federn aus Seidentaft, die über Organza gelegt wurden – ein Haute-Couture-Wunder, das jedem unglücklichen Elternteil, der sich mit einer Klebepistole und etwas klebrigem Filz herumschlägt, den Magen umdrehen würde, das aber auch zu einer Reihe von Kleidern für Burtons Laufstegshow im Herbst 2017 entwickelt wurde.

Bei McQueen fand die Recherche größtenteils in der Bibliothek seiner und Burtons Alma Mater Saint Martins statt, zusammen mit dem Kellerarchiv der britischen Vogue, obwohl die Inspiration, wie sie sich erinnert, „durch etwas ausgelöst wurde, das er gelesen oder im Fernsehen gesehen hatte.“ Oder am Boden seines Gartens: Eine alte Ulme neben seinem Landhaus inspirierte ihn zu seiner Herbstkollektion 2008. Es gab auch gelegentliche Exkursionen, darunter ein gespenstischer Besuch in Salem, Massachusetts, wo McQueens Vorfahrin Elizabeth Howe im siebzehnten Jahrhundert als Hexe gehängt wurde.

Als Burton über ihre mitreißend poetische und hochgelobte Frühjahrskollektion 2017 nachdachte, nahm sie ihr Designteam auf eine erste Exkursion mit – zu den schottischen Shetland-Inseln. „Wenn man Kollektionen anhand von Büchern oder Bildern entwirft, hat man nicht das Gefühl, worum es an dem Ort eigentlich geht“, erklärt sie. „Und wenn man nur Google benutzt, bekommt man die gleichen Bilder wie alle anderen auch.“

Burton und Co. kehrten von den Inseln mit einer Fülle von Inspirationen zurück, darunter Fair-Isle-Pullover, Wollknäuel, Handschuhe, fein wie Spitze gestrickte Schals, handgewebte Tweeds und lebendige Erinnerungen an eine nordische, windgepeitschte Landschaft und Inselbewohner, deren Handwerk ihren Stolz auf das, was sie tun, offenbart.

„Der Brexit war auch gerade erst passiert“, fügt Burton hinzu, und nach der beunruhigenden Spaltung, die dies ihrer Meinung nach darstellte, bekräftigten die Inseln „ein Gefühl der Gemeinschaft und ein familiäres Gefühl der Zugehörigkeit, des Zusammenseins, wieder echte Werte, Dinge, die etwas bedeuten – Dinge, die man an seine Kinder weitergeben möchte.“ (Vielleicht auch mit dem Gedanken an ein Vermächtnis, denn sie und ihr Mann sind gerade dabei, ein weitläufiges frühviktorianisches Haus im Norden Londons zu renovieren, das Burton wegen seiner harmonischen Proportionen und unberührten Details aus der Zeit angezogen hat. „Wir platzen aus allen Nähten“, sagt sie über ihr jetziges Haus, ein charmant unprätentiöser und kinderfreundlicher Ort in der Nähe.)

Burton, die zugibt, dass sie zum Hamstern neigt, schätzt auch heute noch historische McQueen-Stücke in ihrem eigenen Kleiderschrank, und auf Trunk-Shows auf der ganzen Welt hat sie gerührt festgestellt, dass viele der Kunden der Marke ebenfalls an ihren alten Lieblingsstücken festhalten. Diese Kunden, so bemerkt sie, „sind wirklich leidenschaftlich an den Kleidern interessiert, egal ob es sich um etwas handelt, das sehr funktionell ist oder um etwas, von dem man träumen kann. Diese ganze ‚Fast Fashion …'“, sagt sie mit einem Seufzer. „Ich könnte das einfach nicht. Das ist für mich nicht möglich. Das sind Dinge, die für die Ewigkeit bestimmt sind – Dinge, die man kauft und schätzt.“ Als Zugeständnis wird sie ihre Pre-Fall-Kollektion 2017 den Kunden erst zeigen, wenn sie in den Geschäften erhältlich ist.

Burton lässt sich für ihre McQueen-Inspirationen fast immer von der Geschichte und der Natur Großbritanniens inspirieren, und für diese Kollektion dachte sie an Cornwall, die mystische Grafschaft an Englands westlichstem Zipfel, wo sie viele Kindheitsferien verbrachte. Es ist ein Land der Artus-Legende, der Schmugglerbuchten und des berühmten Diamantenlichts, das seit mehr als einem Jahrhundert Künstler anzieht.

Da die 250 Teile starke Pre-Fall-Kollektion länger im Handel ist als jede andere Kollektion, erklärt Burton, „muss sie alles repräsentieren, was das Haus ausmacht.“ Sie hat daher beschlossen, dass die nachfolgende Herbstkollektion, die in diesem Monat in Paris gezeigt wird – was sie als „das Sahnehäubchen“ bezeichnet – auf dieser anfänglichen Inspiration aufbauen und die Erfahrungen im Einzelhandel und auf dem Laufsteg weiter integrieren soll (die McQueen-Herrenkollektionen werden ebenfalls einige dieser Ideen aufgreifen).

Mit diesem Gedanken im Hinterkopf hat Burton ein intensives zweitägiges Abenteuer in Cornwall für die wichtigsten Mitglieder ihres Kreativteams geplant. Wir kommen an einem frischen späten Novembermorgen in Tintagel an, dem Ort einer Burg aus dem 13. Jahrhundert, die lange Zeit mit der Legende von König Artus in Verbindung gebracht wurde, ein Ort von herzzerreißender Schönheit, der auf einem Hügel hoch über dem aufgewühlten Atlantik liegt. Burton ist beeindruckt von der „sehr unheimlichen Ruhe“. Bald geht es weiter in die weite, bewegende Wildnis von Bodmin Moor mit seinen mystischen Steinen aus der Bronzezeit und hoch aufragenden Felsformationen.

Auf der malerischen Gezeiteninsel St. Michael’s Mount in der Nähe von Marazion ist das Team am nächsten Tag kollektiv fasziniert von den wirbelnden Algen in den Felspools, die den Steinweg flankieren und nur bei Ebbe vom Meer freigelegt werden. (McQueen selbst, so erzählt mir Burton, war besessen von National Geographic und hat einmal eine Kleiderkollektion nach Bildern von Quallen entworfen, die er aus den Seiten des Magazins gerissen hatte.) Im Dorf Zennor halten wir an der Fischerkirche St. Senara aus dem zwölften Jahrhundert, deren Decke wie ein Schiffsrumpf gearbeitet ist. Die Kirchenbänke wurden von den fleißigen Stickerinnen der Gemeinde mit handgestickten Gebetskissen versehen, die das Team in Begeisterungsstürme versetzen. Im nahegelegenen Hafen von St. Ives kommt es nicht zu einer Audienz bei einer „local wisewoman“, und so schlängeln wir uns durch die verwinkelten Gassen und malerischen kleinen Dörfer außerhalb der Stadt auf der Suche nach einem Feld, auf dem ein Wunschbaum steht. Der Feldweg, der zu ihm führt, ist mit Ästen vergittert, die mit fächerförmigen Flechten überzogen sind. „Stickerei, Stoffmanipulationen, Pailletten – sortiert“, sagt Burton mit einem sanften Lächeln.

Dann, an der Wegbiegung, werden wir alle vom Anblick des Baumes selbst, der am Rande eines quellgespeisten Teiches wächst, aufgehalten. Seine weit ausladenden Äste sind mit Hunderten von bunten Stoffstreifen verschnürt, die die Wünsche und Gebete derer repräsentieren, die sie dort befestigt haben. Unter ihnen entdeckt das Team eine kunstvolle Katzenwiege aus Fäden, die wie ein modernes Spinnennetz zwischen den Ästen hängt. Burton selbst bemerkt ein Babylätzchen und dann Kindersocken.

„Es ist ziemlich erschütternd“, sagt sie und ihre Stimme bricht. „Ich weiß nicht, warum. Es fühlt sich fast … aufdringlich an.“ Bald schluchzt sie leise vor sich hin. Burton fühlt sich zerbrechlich: Durch den Brexit und die jüngsten amerikanischen Wahlen verunsichert, formuliert sie ihre kreativen Antworten.

Diese werden Anfang Januar im Londoner Studio offenbart. Burton hat die Weihnachtsferien mit ihrer großen Familie auf dem englischen Land verbracht. „Ich lebe in zwei sehr unterschiedlichen Welten!“, sagt sie. Sie gesteht, dass sie seit der Geburt der Zwillinge keinen richtigen Urlaub mehr gemacht hat. Zum Glück heiratet ihr geliebtes irisches Kindermädchen dieses Jahr in der Grafschaft Cork, und Burton ist begeistert von der Reise – und dem Versprechen weiterer Design-Inspirationen.

Sie gibt zu, dass sie in den Ferien von der Herbstkollektion geträumt hat. „Es ist sehr schön, wenn man eine Pause macht“, sagt sie, „und es ist sehr schön, wenn man zurückkommt.“

Burton ist in ein Studio zurückgekehrt, in dem thematische Tafeln mit Bildern von der Reise nach Cornwall hängen. „Teufelsfallen, Traumfänger, verwunschene, heilige Bäume im Wald … das Hexenbrett: Ich liebe es, wie heidnisch sich das alles anfühlt“, sagt Burton. Die Shetlands-Kollektion, fügt sie hinzu, „war sehr meerestypisch, aber diese ist von der Erde und den Bäumen.“ Auf dem Boden hat Kim Avella, Leiterin der Stoffabteilung, exquisite, farblich abgestufte Assemblagen von Bildern mit alten und neuen Stoffen arrangiert, darunter das Fragment eines Flapper-Kleides, das Burton vor Jahren auf einem Flohmarkt gefunden hat, Bänder aus dem achtzehnten Jahrhundert, die noch in altes Papier eingewickelt sind, auf dem mit Kupferstich geschriebene Übungen stehen, und das Federkleid eines Fasans. „Es geht hier nicht um eine Pantone-Referenz!“ sagt Burton augenzwinkernd. Die Rinnsale von wogenden Gräsern, die die steilen Hänge von Tintagel hinunterfließen, wurden von der Strickmeisterin Lucy Shaw in märchenhafte metallische Strickwaren „wie Mädchenhaar“ übersetzt, während lose gewebte Tweeds, die wahllos mit farbigen Bändern eingefädelt sind, an den mystischen Talismanbaum erinnern. Es gibt wunderschön gerenderte Aquarelle von Marazion-Seegras, und Flechten-iPhone-Knöpfe wurden aufwendig zusammengesetzt und am Computer bearbeitet, um Druckprototypen zu erstellen – chez McQueen, diese Druck- und Stickerei-Platzierungen sind so kompliziert, dass zuerst kleine Papierversionen konstruiert werden; sie sitzen im Atelier herum wie die Bewohner eines wunderschön gekleideten Puppenhauses.

„Wir haben so viel Glück“, sagt Burton und begutachtet ihr fruchtbares Reich. „Obwohl es Zeitdruck gibt, haben wir die Freiheit, kreativ zu sein und das zu tun, was wir lieben. Das Erstaunliche an McQueen ist“, fährt sie fort und lenkt das Scheinwerferlicht sanft auf ihr Team, „dass alles, was von dort kommt, komplett geliebt wird.“