Las 50 mejores películas sobre la mayoría de edad

Crecer: todos lo hacemos. No hay dos personas que tengan exactamente la misma historia de llegada a la edad adulta, sin embargo, la mayoría de las veces nos sentimos atraídos por muchas de las mismas historias centradas en la juventud en la pantalla, considerándolas clásicas y volviéndolas a ver una y otra vez. A los jóvenes rara vez se les da el poder de contar sus propias historias, por lo que una película sobre la mayoría de edad que captura una generación, cultura o subcultura específica se siente como algo raro y especial para aquellos que se ven reflejados en la pantalla, especialmente cuando la propia película encuentra a un espectador durante su fase más formativa. Una buena película sobre la mayoría de edad puede convertirse en una especie de emblema, una piedra de toque que es a la vez profundamente personal en su descripción de una época fugaz y emocional de la vida, y universal en su atractivo para cualquiera que la haya vivido.

Las mejores películas sobre la mayoría de edad mezclan la familiaridad nostálgica, las experiencias impresionistas, y una cucharada de honestidad brutal que viene con la sorprendente y a menudo inoportuna comprensión del mundo de los adultos que acompaña a la adolescencia. Esta última parte suele ser transmitida a través del tiempo por el cineasta más experimentado al protagonista más joven, una técnica retrospectiva que es única en el subgénero y que confiere a las mejores historias de madurez una especie de mezcla prismática de ingenuidad y sabiduría.

Aunque las entradas de esta lista abarcan ocho décadas, es posible que note una cantidad significativa de películas recientes. Han mejorado las películas de madurez con el paso del tiempo? Tal vez no, pero las películas estadounidenses han comenzado a reflejar las diversas realidades del mundo fuera de la pantalla más que nunca en las últimas décadas, por lo que no es de extrañar que las mejores nuevas historias de adolescentes se sientan cada una honesta, única y atemporal. Merece la pena señalar que hemos tomado la decisión editorial de dejar fuera cualquier aspirante a clásico que sea demasiado nuevo para mirarlo con cierta distancia, lo que significa que películas de 2019 queridas por el personal como Booksmart y Mujercitas están excluidas del ranking.

Sigue leyendo nuestra lista de las mejores historias de madurez de todos los tiempos, y luego acompáñanos en el agradecimiento por haber salido del otro lado de la adolescencia.

Ginger Snaps

Tener la menstruación es un tema frecuentemente analizado en el género de terror. El cuerpo sangra y el cuerpo cambia, lo que lo convierte en el vehículo perfecto para el body horror. La transformación del cuerpo femenino también se ha prestado a las películas de criaturas, ya que lo que la crítica cultural Barbara Creed llama «lo monstruoso-femenino» no puede percibirse en el cuerpo humano. En Ginger Snaps, una película de hombres lobo sobre Brigitte (Emily Perkins), una chica marginada que debe averiguar cómo curar la licantropía de su hermana Ginger (Katharine Isabel). No sólo es una película sobre el cuerpo femenino rebelde, sino también sobre la hermandad y el intento de mantener tus ideales a medida que creces. La regla no es la única cosa rara con la que tienes que lidiar en la adolescencia; también se trata de reconocer en qué crees y por qué merece la pena luchar.

Isabel es la hermana lobo que rezuma el tipo de sexualidad que todos desearíamos tener en el instituto. Su transformación de marginada gótica a la chica más sexy del instituto es una narración que muchos de nosotros, los bichos raros, desearíamos poder conseguir, aunque obviamente tiene un coste enorme. Además, Ginger Snaps cuenta con uno de los mejores diseños de hombres lobo del género de terror. (Mary Beth McAndrews)

Daisies

A veces crecer significa reconocer lo egoísta que puede ser el mundo. Tal es el caso de Marie I (Jitka Cerhová) y Marie II (Ivana Karbanová) en la película de Vera Chytilová de 1966, Daisies. Chytilova fue una directora fundamental en la Nueva Ola Checa, un movimiento cinematográfico experimental en el que los cineastas de Checoslovaquia experimentaron con la narrativa, especialmente en nombre de la política. Chytilova hizo precisamente eso con Daisies. Estas dos jóvenes reconocen que el mundo está mimado, así que deciden que ellas también quieren serlo. Se llenan la boca, se burlan de los hombres y rechazan las ideas comunes de feminidad. No desean ser como los demás. Las Marías quieren ser ellas mismas y descubrir cómo quieren desenvolverse en el mundo. En el proceso, se complican un poco, pero se divierten mucho haciéndolo.

Utilizando las técnicas de cine absurdo que caracterizan a la Nueva Ola Checa, Chytilova crea una historia de mayoría de edad no lineal que se niega a dar ningún tipo de satisfacción narrativa. La satisfacción y la alegría residen en dos mujeres jóvenes que se dan cuenta de que no tienen que ser lo que la sociedad quiere que sean. (Mary Beth McAndrews)

Las ventajas de ser un alhelí

La sensación del aire en la cara durante un viaje nocturno en coche, con el carnet todavía nuevo para quemar un hueco en el bolsillo. La magia de escuchar una canción en la radio que, por un momento, parece hecha para ti solo. La formación ladrillo a ladrillo de uno mismo y de la comunidad que tiene lugar en el instituto: un diario propio allí, una actuación espontánea de Rocky Horror Picture Show aquí, un primer beso y un brownie de marihuana para rematar.

Estas son las experiencias juveniles que componen Las ventajas de ser un alhelí, pero también hay un trasfondo de temas más oscuros: la ansiedad sofocante, la torpeza paralizante, el dolor agudo del trauma realizado. Cada uno de los tres protagonistas del libro convertido en película de Stephen Chbosky está envuelto en una lucha personal y cada uno la afronta de forma diferente. Sam (Emma Watson) persigue a los hombres que la tratan mal porque no cree que merezca el amor, Patrick (Ezra Miller, que roba escenas) entierra el dolor de la homofobia bajo un exterior extravagante, y Charlie (Logan Lerman) está plagado de depresión y pensamientos intrusivos que le impiden experimentar plenamente la típica vida adolescente. Perks

hace el duro trabajo de mirar de cerca y con seriedad la vida de los adolescentes, no sólo los altos triunfantes sino también los bajos que deben ser superados con valentía. «Podríamos ser héroes», como dice la canción de Bowie, «sólo por un día». (Valerie Ettenhofer)

Boy

Cuando eres un niño, idolatrar al menos a uno de tus padres es prácticamente la norma. Esto es especialmente cierto para Boy (James Rolleston), un preadolescente maorí que eleva a su padre ausente a proporciones míticas. Cuando su padre Alamein (el guionista y director Taika Waititi) finalmente regresa, Boy y su silencioso hermano menor Rocky (Te Aho Aho Eketone-Whitu) tienen que reconciliar al guerrero Shogun/rey del pop/superhéroe que imaginaron con los evidentes defectos del hombre impulsivo, egoísta e implacablemente humano que tienen delante.

Boy es la película más seria de Waititi, y también la más personal. Fue rodada en Waihau Bay, Nueva Zelanda, el lugar donde creció el cineasta, y aunque tiene un trasfondo imaginativo, Boy también tiene una verosimilitud que se mezcla de forma impresionante con sus elementos más creativos. Boy es para cualquiera que haya tenido que darse cuenta alguna vez de que su padre era una persona más, pero también para cualquiera que haya crecido en un barrio con montones de niños y aparentemente sin padres, con coches rotos en el patio trasero y palos como juguetes. Boy y sus amigos están a punto de descubrir todo lo que no tienen, y está claro que la alegría del protagonista podría convertirse en rabia o pena en cualquier momento. Al final, no es su padre, sino él mismo, a quien Boy debe imaginar una versión con la que pueda vivir. (Valerie Ettenhofer)

Picnic en Hanging Rock

Un misterio sobrenatural, una exploración del poder y la obediencia de los adolescentes y una historia de amor queer no correspondido envueltos en una historia inefable, Picnic en Hanging Rock vive en su propio género. Hay numerosos personajes con los que un joven espectador puede conectar: la bella y dominante Miranda (Anne-Louise Lambert); la torpe Edith (Christine Schuler); la traumatizada Irma (Karen Robson); o la marginada Sara (Margaret Nelson).

Aunque Sara se lleva la mayor parte del tiempo en pantalla, la película de Peter Weir trata de todos ellos y de su crecimiento a través y después de la enigmática desaparición de cuatro personas. Es increíblemente elegante en su estilo, pero hay más sustancia escondida en las miradas y gestos de estas chicas de lo que inicialmente parece. Es una película increíble y espeluznante que se empeña mucho menos en satisfacer al público cuando, en cambio, podría meterse bajo tu piel y quedarse ahí. (Cyrus Cohen)

Aparajito

La trilogía de películas de Apu, del maestro indio Satyajit Ray, forma, en conjunto, una de las mejores narrativas cinematográficas sobre la llegada a la edad adulta de todos los tiempos. Pero no podemos nombrar las tres en un solo espacio y, por desgracia, tampoco son lo suficientemente populares como para ocupar tres puestos en esta lista. La mayor y más famosa de las tres, Pather Panchali, se inclina un poco demasiado hacia los jóvenes por sí sola para contar como una película de madurez y ocupar el único representante de la serie, así que Aparajito ocupa su lugar.

En la entrega intermedia, que se basa en el final de la novela Pather Panchali de Bibhutibhushan Bannerjee y en el tercio inicial de la continuación, Aparajito, Apu (Smaran Ghosal) pierde a más miembros de su familia y empieza a aprender a vivir por su cuenta. Primero, una vez que se convierte en adolescente, recibe una beca para estudiar en la gran ciudad de Calcuta, y luego también empieza a trabajar para mantenerse a flote allí. Para completar su transición desde la infancia, su madre muere al final, lo que lleva a la tercera parte, El mundo de Apu, a seguirlo como adulto. (Christopher Thompson)

Dirty Dancing

Dirty Dancing se inscribe en el canon del coming-of-age con la famosa frase de Johnny Castle «Nadie pone a Baby en una esquina». La película ve crecer a Francis «Baby» Houseman (Jennifer Grey) en el transcurso de un viaje familiar de verano a las Catskills. Cuando conoce al profesor de baile Johnny, interpretado icónicamente por Patrick Swayze, Baby se da cuenta de lo pequeño que ha sido su mundo. Johnny la introduce en un mundo de baile, sexo y complicadas decisiones adultas. Dirty Dancing tiene muchos bailes sucios y hace un gran uso de su ambientación de los años 60 para ponerle banda sonora a la película con mambo y Motown en abundancia.

El golpe maestro de esta película es que no se trata de una dinámica en la que Castle coge a una joven ingenua e inexperta y la sexualiza exclusivamente para sus fines (mirándote a ti, Grease). Por el contrario, Castle ayuda a Baby a darse cuenta de que es capaz de mucho más de lo que se espera de ella. Baby es capaz de abrazar su sexualidad junto con su inteligencia y habilidad. En lo que respecta a las historias románticas de madurez, Dirty Dancing sigue siendo un ejemplo relativamente temprano de una relación construida sobre la confianza mutua, la igualdad de acción y el cambio personal a mejor. (Margaret Pereira)

Boyhood

Boyhood es una de las pocas películas de esta lista en la que literalmente se ve a sus personajes crecer y alcanzar la mayoría de edad. Rodada a lo largo de 12 años por el maestro Richard Linklater -director reputado por sus cálidas y nostálgicas representaciones del paso del tiempo-, la película es una asombrosa documentación de los años transcurridos en la vida de Mason Evans (Ellar Coltrane), especialmente de los altibajos en su relación con su madre Olivia (Patricia Arquette) y su padre Mason Sr. (Ethan Hawke). El éxito de la película radica en su atención a los momentos más pequeños de la vida; no llegamos a ver la ceremonia de graduación ni el proceso de divorcio, pero no lo necesitamos. Boyhood

es una oda a los recovecos de una vida ordinaria – y a veces eso es todo lo que se necesita para una película extraordinaria. (Jenna Benchetrit)

Marie Antoinette

Puede que no sea una experiencia de crecimiento por la que vayamos a pasar, pero la juguetona ficción histórica se siente supremamente relatable en manos de la guionista y directora Sofia Coppola. Puede vestir a Kirsten Dunst, la musa de su carrera, con vestidos extravagantes, colmarla de atenciones y ahogarla en el lujo, al tiempo que preserva el silencio ensordecedor de un primer encuentro romántico, o una reticencia ante los adultos, o una bonita inocencia que caduca a cierta edad. Al fin y al cabo, Antoinette tiene 14 años cuando la conocemos, y se desmaya ante la posibilidad del amor (Jason Schwartzman perfectamente elegido como el torpe novio/heredero al trono francés) y de la vida fastuosa durante el resto de su vida, antes de tener hijos y de que la tragedia empiece a asentarse. Es a través de historias de madurez como ésta que podemos vislumbrar los hilos de universalidad que cosen los dolores y malestares del crecimiento en la adolescencia. (Luke Hicks)

Delirante

El Nuevo Extremo francés, como subgénero, consiste en, bueno, ser extremo. Sus películas son sangrientas, sangrientas y nihilistas, ya que el cuerpo humano parece deshacerse en las costuras. A menudo se centran en la tortura del cuerpo femenino y en ver cómo un personaje femenino se retuerce en la confusión. Raw, de Julia Ducournau, es todo eso y más. Coge un subgénero que roza la explotación y lo convierte en una historia de madurez feminista caníbal en la que la rabia femenina se toma en serio.

Justine (Garance Marillier) tiene dieciséis años y se dirige a la facultad de veterinaria. Allí se ve obligada a consumir carne cruda, lo que despierta algo animal en ella. De repente, se siente atraída por la rabia que siempre ha estado en su interior. Comienza a consumir carne humana en cantidades cada vez mayores. Raw es deliciosamente asquerosa, una película que deja que sus personajes femeninos sean asquerosos sin pintarlos como monstruos. La mayoría de edad es un proceso desordenado y lleno de ira, así que ¿por qué no retratarlo así? (Mary Beth McAndrews)