Théorie musicale de base pour les débutants – Le guide complet

Ce guide de théorie musicale de base examine les concepts fondamentaux que les musiciens utilisent pour comprendre, analyser et créer de la musique.

Qu’est-ce que la théorie musicale?

La théorie musicale est une pratique que les musiciens utilisent pour comprendre et communiquer le langage de la musique. La théorie musicale examine les principes fondamentaux de la musique. Elle fournit également un système pour interpréter les compositions musicales.

Par exemple, la théorie musicale de base définit les éléments qui forment l’harmonie, la mélodie et le rythme. Elle identifie les éléments de composition tels que la forme de la chanson, le tempo, les notes, les accords, les signatures de clé, les intervalles, les gammes, et plus encore. Elle reconnaît également les qualités musicales telles que la hauteur, le ton, le timbre, la texture, la dynamique, et autres.

Comment apprendre la théorie musicale?

La théorie musicale est un sujet complexe et étendu. Il existe plusieurs pratiques, disciplines et concepts.

Il est préférable d’apprendre d’abord les bases de la musique avant d’explorer la théorie musicale avancée. Les éléments constitutifs qui forment les compositions musicales comprennent :

• Harmonie
• Mélodie
• Rythme

Solidement comprendre ces trois éléments de base vous aidera à apprendre la théorie musicale de base.

Qu’est-ce que l’harmonie en musique ?

On parle d’harmonie lorsque plusieurs notes ou voix jouent simultanément pour produire un nouveau son. Les sons combinés dans les harmonies se complètent et sonnent agréablement.

Les accords et les progressions d’accords sont des exemples d’harmonie. Un accord comporte trois notes ou plus qui jouent en même temps. Les accords et les progressions d’accords dans un morceau de musique soutiennent ou complètent la mélodie.

La combinaison des parties vocales crée également une harmonie. Les voix combinées d’un chœur en sont un parfait exemple. Les multiples voix qui composent un chœur se mêlent pour produire un son harmonieux.

Cependant, toutes les harmonies ne sont pas agréables à notre oreille. Il existe deux principaux types d’harmonie : dissonante et consonante.

• L’harmonie dissonante ajoute des notes qui ne sonnent pas agréablement lorsqu’elles sont jouées ensemble. Le résultat ajoute une tension et fait sonner l’accord de manière instable. Cette tension se relâche en se résolvant en accords consonants. Les exemples d’intervalles dissonants sont les secondes, les septièmes et les neuvièmes.
• L’harmonie consonante sonne stable et agréable. Toutes les notes d’un accord consonant ont des intervalles qui jouent agréablement ensemble. Les accords constants font également une transition fluide les uns avec les autres dans une progression. Les exemples d’intervalles consonants sont l’unisson, les tierces, les quintes et les octaves.

Les musiciens combinent des harmonies consonantes et dissonantes pour rendre la musique plus excitante et intrigante.

Qu’est-ce que la mélodie en musique ?

La mélodie est une succession de notes ou de voix arrangées en une phrase musicale. La mélodie d’une chanson est souvent la partie la plus mémorable et reconnaissable.

Les mélodies peuvent être créées avec des instruments ou des voix. Elles comportent deux notes ou plus dans une séquence qui sonne musicalement agréable. La plupart des compositions se composent de plusieurs mélodies qui se répètent.

Les deux principaux éléments d’une mélodie sont la hauteur et le rythme :

• La hauteur est la vibration audio produite par un instrument ou une voix. C’est la hauteur ou la profondeur du son d’une note. L’agencement de ces hauteurs dans une série crée une mélodie.
• Le rythme ou la durée est la durée pendant laquelle chaque hauteur va sonner. Ces durées sont divisées en divisions de temps comme les notes entières, les demi-notes, les quarts de note, les triolets, etc.

Les mélodies ont également deux types de mouvement mélodique : conjonctif ou disjonctif.

• Le mouvement conjonctif est lorsque les notes se déplacent par pas entiers ou demi-pas. Le mouvement conjonctif est aussi le plus naturel et le plus confortable à jouer et à chanter. Il y a des sauts plus courts entre les notes.
• Le mouvement disjoint a des sauts plus importants entre les notes. Les grands sauts d’intervalle entre les notes peuvent rendre la mélodie difficile à jouer ou à chanter. Le mouvement disjoint est également moins mémorable et moins lisse.

Les musiciens combinent le mouvement conjoncteur et le mouvement disjoint pour donner aux mélodies plus de variation et d’intérêt.

Qu’est-ce que le rythme en musique ?

Le rythme est un élément essentiel de la musique avec plus d’une signification. Par exemple :

• Le rythme est un mouvement récurrent de notes et de repos (silences) dans le temps. C’est la perception humaine du temps.
• Le rythme décrit également un motif de notes ou de voix fortes et faibles qui se répètent tout au long d’une chanson. Ces motifs peuvent être créés avec des tambours, des percussions, des instruments et des voix.

Les éléments de base qui composent le rythme musical comprennent :

• Battement – Une impulsion répétée qui sous-tend un motif musical
• Mètre – Un motif spécifique d’impulsions fortes et faibles
• Signature temporelle – Le nombre de battements par mesure
• Tempo (BPM) – Indique à quelle vitesse ou à quel rythme un morceau de musique joue
• Battements forts et faibles – Les battements forts sont les temps faibles, et les battements faibles
  sont les contretemps entre les battements descendants
• Syncopation – Rythmes qui accentuent ou soulignent les contretemps
• Accents – Fait référence à l’intensité ou aux emphases placées sur les notes

Comprendre le rythme vous aidera à créer de grandes harmonies et mélodies.

En outre, la section rythmique ou la pulsation propulse un morceau de musique. Elle sert de colonne vertébrale rythmique aux autres éléments musicaux.

Les avantages de la théorie musicale : Pourquoi étudier la théorie musicale ?

L’apprentissage de la théorie musicale de base est essentiel pour améliorer la créativité et développer la conscience musicale. C’est un ensemble de compétences difficiles mais enrichissantes à apprendre.

Connaître le fonctionnement de la musique facilitera le processus de production musicale et vous aidera à devenir un producteur de musique efficace.

L’apprentissage de la théorie musicale est-il obligatoire ? Non. Cependant, vous pouvez bénéficier de l’apprentissage de certains aspects de la théorie musicale.

Par exemple, l’apprentissage de la théorie musicale de base vous permettra :

• Améliorer votre développement musical
• Vous aider à comprendre comment fonctionne la musique
• Vous aider à surmonter les blocages créatifs
• Faciliter la construction de progressions d’accords et de mélodies
• Vous aider à prendre des décisions de composition éclairées
• Vous aider à atteindre l’expression et à évoquer l’émotion
• Améliorer votre sens critique. d’écoute critique
• Accélérer votre flux de travail
• Améliorer vos compétences en matière de forme musicale
• Faciliter la communication avec d’autres musiciens
• Approfondir votre appréciation de la musique
• Améliorer vos compétences en matière d’improvisation
• Améliorer vos compétences en matière d’arrangement de chansons
• Vous aider à découvrir de nouvelles possibilités créatives

Note : La théorie musicale n’est pas un ensemble de règles ou de directives que vous devez suivre. C’est seulement un outil pour vous aider à comprendre et à expliquer le fonctionnement de la musique.

Les fondements de la théorie musicale (Théorie musicale pour les nuls)

Ce guide de base de la théorie musicale pour les débutants examine les principes fondamentaux de la musique. Il fournit également un aperçu des éléments de base de la musique qui forment l’harmonie, la mélodie et le rythme.

Notes et intervalles musicaux

Débutons ce guide de théorie musicale pour débutants en passant en revue l’harmonie et la mélodie. Cette section décrit toutes les notes disponibles et les relations spécifiques entre elles.

L’alphabet musical

Les notes sont les éléments constitutifs de toute musique. L’alphabet musical se compose de sept lettres : A, B, C, D, E, F, G. Chaque note a une hauteur unique.

Les 12 touches de la musique

Il y a 12 notes sur le clavier du piano : A, A#/B♭, B, C, C#/D♭, D, D#/E♭, E, F, F#/G♭, G, G#/A♭.

Les mêmes 12 notes se répètent vers le haut et vers le bas en octaves.

Les touches blanches

Les touches blanches d’un piano jouent les notes « naturelles » d’une gamme : La, si, do, ré, mi, fa, sol.

Placer uniquement les touches blanches vous place dans la tonalité de do majeur ou de la mineur.

Touches noires

Les touches noires d’un piano jouent les notes « bémol » et « dièse » d’une gamme : A#/B♭, C#/D♭, D#/E♭, F#/G♭, G#/A♭.

Chaque note a un symbole : ♭ pour bémol et # pour dièse. Jouer une combinaison de touches blanches et noires permet d’écrire dans toutes les tonalités disponibles.

Intervalles

Un intervalle est une distance entre deux notes. Il existe plusieurs intervalles. Mesurez ces intervalles par le nombre de demi-pas, de pas entiers et leur position dans la gamme.

• Un intervalle de demi-pas est un demi-ton
• Un intervalle de pas entier est deux demi-tons
• Deux demi-pas font un pas entier

Les intervalles sont également la base de l’harmonie et de la mélodie. Jouer deux ou plusieurs notes en même temps crée des intervalles harmoniques (accords). Jouer des notes uniques dans une séquence crée des intervalles mélodiques (mélodies).

De plus, nous décrivons les intervalles par leur nombre (distance) et leur préfixe (qualité). Le numéro de l’intervalle représente le nombre de demi-pas entre deux notes. Ces numéros sont le 1er (unisson), le 2e, le 3e, le 4e, le 5e, le 6e, le 7e et le 8e (octave).

Enfin, les intervalles ont à l’aide d’un préfixe pour décrire leur qualité. Les cinq qualités d’intervalles sont majeure (M), mineure (m), parfaite (P), augmentée (A) et diminuée (d).

Octaves

Les octaves sont la hauteur immédiatement supérieure ou inférieure d’une même note. L’intervalle entre une note et une note double de sa fréquence est une octave. Par exemple, une octave supérieure à C1 sur un piano est C2. Une octave vers le bas serait C0.

Il y a 12 demi-tons dans l’octave. Ces hauteurs se répètent dans le même ordre sur toute l’étendue de l’audition humaine.

Signatures de clé

Les signatures de clé vous indiquent quelles notes d’une gamme sont aiguës (♯) ou plates (♭). Il existe douze signatures de clé, chacune dérivée des douze notes disponibles.

Les signatures de clé aident également à identifier la clé d’une chanson, qui est le centre tonal. Par exemple, une chanson dans la tonalité de la mineur utilise les notes de la gamme de la mineur.

Les gammes musicales et les modes

Les gammes musicales constituent les éléments constitutifs de la musique. Comprendre les gammes musicales et leurs fonctions est essentiel lors de l’apprentissage de la théorie musicale de base.

Cette section examine les deux gammes les plus courantes, leurs degrés de gamme et les sept modes musicaux.

Échelles musicales

Une échelle musicale est un ensemble de notes d’une octave classées selon leur hauteur. Les relations d’intervalle ascendant ou descendant entre les hauteurs des notes définissent chaque gamme. De plus, les notes d’une gamme forment des mélodies et des harmonies.

Il existe plusieurs types de gammes. Cependant, les deux principaux types sont la gamme majeure et la gamme mineure. Vous pouvez construire des gammes majeures et mineures à partir de n’importe quelle note. La façon dont vous les utilisez dépend du modèle d’intervalles que vous utilisez.

Major Scales

Il existe douze gammes majeures naturelles possibles. Les gammes majeures naturelles ont une sonorité lumineuse, entraînante et heureuse.

Les sept notes de toutes les gammes majeures suivent le même schéma d’intervalles : W-W-H-W-W-H (entier-entier-moitié-entier-entier-moitié).

Minor Scales

Les gammes mineures naturelles ont une sonorité sombre, triste et émotionnelle. Les sept notes de toutes les gammes mineures suivent le même schéma d’intervalles : W-H-W-W-H-W-W (entier-moitié-entier-entier-moitié-entier-entier).

Il existe douze gammes mineures naturelles possibles. En outre, il existe trois variations de la gamme mineure : naturelle, harmonique et mélodique.

Degrés de gamme

Chaque note d’une gamme a un nom spécifique lié à sa fonction, appelé degré de gamme. Le nom correspond à la fonction, et un nombre indique sa position sur la gamme.

Il existe sept degrés de gamme. Ces noms s’appliquent à toutes les gammes majeures et mineures. En apprendre davantage sur ces fonctions nous amène à la théorie musicale avancée. Pour l’instant, il est bon de connaître les noms :

• 1er – Tonique
• 2e – Supertonique
• 3e – Médiante
• 4e – Sous-dominante
• 5e – Dominante
• 6e – Sous-médiante
• 7e – Tonalité principale

La musique peut créer et relâcher des tensions. La fonction d’un degré de la gamme se rapporte à la quantité de tension créée. Il vous aide également à décider quelle(s) note(s) doit suivre pour résoudre la tension.

De plus, se souvenir des différentes hauteurs dans les gammes majeures et mineures est difficile. Se référer aux étapes de la gamme par des chiffres plutôt que par des notes permet de s’en souvenir plus facilement.

Modes musicaux

Les modes musicaux sont des gammes dérivées d’une gamme mère. Il existe sept modes musicaux.

Chaque mode est une légère variation d’une gamme. Ils utilisent toutes les mêmes notes et modèles d’intervalles que la gamme mère.

La principale différence est la note fondamentale utilisée pour construire la gamme. Commencer une gamme sur une note différente définit le centre tonal, lui donnant des caractéristiques mélodiques distinctes.

Les sept modes musicaux sont :

• I – Ionien (échelle majeure)
• ii – Dorien (échelle majeure commençant au 2e degré)
• ii – Phrygien (échelle majeure commençant au 3e degré)
• IV – Lydien (échelle majeure commençant au 4e degré)
• V – Mixolydien (échelle majeure scale starting on the 5th degree)
• vi – Aeolian (natural minor scale or major scale starting on the 6th degree)
• vii – Locrian (major scale starting on the 7th degree)

L’apprentissage des modes musicaux va au-delà de la théorie musicale de base et est plus avancé. Cependant, se familiariser avec ces termes et les fonctions de base est utile.

Contrepoint

Le contrepoint est la relation entre deux ou plusieurs lignes mélodiques jouées en même temps. Ces mélodies ou voix travaillent ensemble pour créer des harmonies au son agréable.

Les mélodies qui créent le contrepoint dépendent les unes des autres pour créer l’harmonie. Cependant, elles sont indépendantes en termes de rythme et de contour.

Accords et extensions d’accords

Les accords sont les blocs de construction harmonieux de la musique. Ils évoquent l’émotion et constituent la base de la création de mélodies.

Savoir comment construire des accords et comment ils interagissent entre eux est essentiel lors de l’apprentissage du solfège. Cette section aborde les types d’accords de base, les extensions d’accords et les renversements.

Accords musicaux

Un accord est une combinaison de deux notes ou plus jouées en même temps. Ils sont construits à partir d’une seule note de départ appelée la fondamentale.

Vous pouvez créer des accords à partir des douze notes. Il existe également quatre types d’accords de base en musique :

• majeur – A une tierce majeure et une quinte parfaite au-dessus de la fondamentale
• mineur – A une tierce mineure et une quinte parfaite au-dessus de la fondamentale
• diminué – A une tierce mineure et une quinte diminuée au-dessus de la fondamentale
• augmenté – A une tierce majeure et une quinte augmentée au-dessus de la fondamentale

Les accords et les progressions d’accords dans un morceau de musique soutiennent ou complètent la mélodie.

Triades d’accords

Les accords les plus fondamentaux sont les triades. Une triade est un accord composé de trois notes. Les triades ont une note fondamentale, une tierce (quatre demi-tons au-dessus de la fondamentale) et une quinte parfaite (sept demi-tons au-dessus de la fondamentale).

Les triades sont également la base d’accords plus complexes. Par exemple, vous pouvez créer des accords de septième et de neuvième en ajoutant des notes au-dessus d’une triade.

Accords de septième

Un accord de septième ajoute une note au-dessus de la triade de base. Les accords de septième ont une note fondamentale, une tierce, une quinte parfaite et une septième.

Par exemple, une septième en do majeur a les notes : C-E-G-B. Il existe également cinq types principaux d’accords de septième : majeur, mineur, dominant, diminué et demi-diminué.

Accords majeurs

Les accords majeurs ont une note fondamentale, une tierce majeure et une quinte parfaite. Un accord comportant ces trois notes seules est une triade majeure.

Par exemple, une triade de do majeur comporte les notes : C-E-G. Vous pouvez également ajouter des notes pour construire des accords plus complexes.

Accords mineurs

Les accords mineurs ont une note fondamentale, une tierce mineure et une quinte parfaite. Un accord avec ces trois notes seules est une triade mineure.

Par exemple, une triade de do mineur a les notes C-E♭-G. Vous pouvez également ajouter des notes pour construire des accords plus complexes.

Accords diminués

Les accords diminués ont un son tendu, dissonant et dramatique. Ils ont une note fondamentale, une tierce mineure et une quinte diminuée (six demi-tons au-dessus de la fondamentale).

Par exemple, une triade diminuée en do a les notes : C-E♭-G♭.

Accords altérés

Les accords altérés ont un son dissonant, troublant et mystérieux. Ils ont une note fondamentale, une tierce majeure et une quinte augmentée (huit demi-tons au-dessus de la fondamentale).

Par exemple, une triade augmentée C a les notes : C-E-G#.

Extensions d’accords

Les extensions d’accords sont des notes ajoutées à la triade de base au-delà de la septième. Ces notes se prolongent dans l’octave suivante. Il existe quatre extensions d’accords : la 9e, la 11e et la 13e.

Les accords étendus créent un son plus riche et plus complexe sur le plan harmonique que les triades majeures et mineures de base. Ils offrent également des possibilités supplémentaires de conduite de voix, ce qui rend les progressions d’accords plus intéressantes.

Inversions d’accords

Les inversions d’accords sont des variations d’un même accord. Transposer la note fondamentale d’un accord à l’octave suivante crée une inversion.

Il existe deux inversions d’accords principales : la première inversion et la deuxième inversion.

• Première inversion – Transpose la note fondamentale vers le haut d’une octave. La tierce de la triade devient la note de basse.
• Deuxième inversion – Transpose à nouveau la triade inversée. La quinte de la triade devient la note de basse.

Les renversements d’accords ajoutent de la variation, de l’excitation et des transitions plus douces dans les progressions d’accords. Plus un accord a de notes, plus il y a de renversements possibles.

Progression d’accords

Une progression d’accords ou une progression harmonique est une série ordonnée d’accords. Les progressions d’accords soutiennent à la fois la mélodie et le rythme. Elles fournissent également la base pour créer l’harmonie et la mélodie.

De plus, la tonalité détermine les accords utilisés dans une progression. Une progression peut également être composée d’accords majeurs et mineurs.

Analyse des chiffres romains

Les chiffres romains indiquent les accords dans une progression. Ils identifient la clé musicale et la note fondamentale de chaque accord. Par exemple, « IV » signifie que l’accord est construit sur le quatrième degré d’une gamme.

Les chiffres romains en majuscules représentent les accords majeurs, tandis que les chiffres en minuscules représentent les accords mineurs. Par exemple, une progression d’accords dans la tonalité de do majeur ressemblerait à I-vi-IV-V (C-Am-F-G).

Développer plus profondément ce sujet va au-delà de la théorie musicale de base. Cependant, il est utile de présenter ce système numérique.

La direction de voix

La direction de voix est le mouvement linéaire entre les lignes mélodiques ou les voix pour créer une seule idée musicale. Cette technique se concentre sur le mouvement fluide des notes d’un accord à l’autre en utilisant des sonorités communes.

La conduite de voix minimise également les transitions verticales et horizontales entre les notes dans une progression d’accords ou une mélodie. Ces mouvements plus petits sonnent plus naturels et agréables.

Lors de la création d’une progression d’accords, utilisez des accords harmoniquement liés. Ils peuvent partager des notes similaires ou avoir des renversements pour rendre le mouvement par étapes plus doux. Par exemple, un accord de do majeur et un accord de la mineur ont tous deux les notes mi et do.

Conclusion

La théorie musicale vous permettra de mieux comprendre la musique. Mais il est également essentiel de se rappeler que la théorie musicale n’est pas des règles dures. C’est un outil qui vous aide à créer, comprendre et communiquer la musique.

Il existe plusieurs façons de pratiquer la théorie musicale. Essayez d’appliquer les concepts de ce guide à votre flux de travail.

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