I 50 migliori film sul raggiungimento dell’età

Crescere: lo facciamo tutti. Non ci sono due persone che hanno esattamente la stessa storia di coming-of-age, eppure il più delle volte siamo attratti da molte delle stesse storie incentrate sui giovani sullo schermo, ritenendole dei classici e guardandole ancora e ancora. Raramente ai giovani viene dato il potere di raccontare le proprie storie, quindi un film di coming-of-age che cattura una specifica generazione, cultura o sottocultura sembra una cosa rara e speciale per coloro che si riflettono sullo schermo, specialmente quando il film stesso trova uno spettatore durante la sua fase più formativa. Un buon film sul coming-of-age può diventare una specie di emblema, una pietra di paragone che è allo stesso tempo profondamente personale nella sua descrizione di un’epoca fugace ed emotiva della vita, e universale nel suo appello a chiunque l’abbia vissuta.

I migliori film sul coming-of-age mescolano familiarità nostalgica, esperienze impressionistiche, e un pizzico di brutale onestà che arriva con la stridente, spesso sgradita comprensione del mondo adulto che accompagna l’adolescenza. Quest’ultima parte viene solitamente trasmessa nel tempo dal regista più esperto al protagonista più giovane, una tecnica retrospettiva che è unica per il sottogenere e che conferisce alle più grandi storie di coming of age una sorta di miscela prismatica di ingenuità e saggezza.

Anche se le voci di questa lista abbracciano otto decenni, si può notare una quantità significativa di film recenti. I film sul coming-of-age sono migliorati nel tempo? Forse no, ma i film americani hanno certamente iniziato a riflettere le diverse realtà del mondo fuori dallo schermo più che mai negli ultimi decenni, quindi non c’è da meravigliarsi che le migliori nuove storie adolescenziali si sentano oneste, uniche e senza tempo. Vale la pena notare che abbiamo preso la decisione editoriale di lasciare fuori tutti gli aspiranti classici che sono troppo nuovi per essere guardati con una certa distanza, il che significa che i film del 2019 amati dallo staff come Booksmart e Little Women sono esclusi dalla classifica.

Continuate a leggere la nostra lista delle migliori storie di coming-of-age di tutti i tempi, poi unitevi a noi nell’essere grati di essere usciti dall’altra parte dell’adolescenza.

Ginger Snaps

Avere il ciclo è un argomento spesso esaminato nel genere horror. Il corpo sanguina e il corpo cambia, rendendolo il veicolo perfetto per il body horror. La trasformazione del corpo femminile si è anche prestata ai film di creature, poiché ciò che la critica culturale Barbara Creed chiama “il mostruoso-femminile” non può essere percepito nel corpo umano. Ecco Ginger Snaps, un film sui licantropi che parla di Brigitte (Emily Perkins), una ragazza emarginata che deve capire come curare la licantropia di sua sorella Ginger (Katharine Isabel). Non è solo un film sul corpo femminile indisciplinato, ma anche sulla sorellanza e sul cercare di sostenere i propri ideali mentre si cresce. Le mestruazioni non sono l’unica cosa strana che devi affrontare da adolescente; si tratta anche di riconoscere ciò in cui credi e ciò per cui vale la pena lottare.

Isabel è la sorella licantropa che trasuda il tipo di sessualità che tutti vorremmo avere al liceo. La sua trasformazione da emarginata goth a ragazza più sexy della scuola è una narrazione che molti di noi strambi vorremmo poter realizzare, anche se ovviamente c’è un costo enorme. Inoltre, Ginger Snaps presenta uno dei migliori disegni di licantropi del genere horror. (Mary Beth McAndrews)

Daisies

A volte crescere significa riconoscere quanto il mondo possa essere egoista. È il caso di Marie I (Jitka Cerhová) e Marie II (Ivana Karbanová) nel film di Vera Chytilová del 1966, Daisies. Chytilova è stata una regista seminale della Nouvelle Vague ceca, un movimento cinematografico sperimentale in cui i cineasti cecoslovacchi sperimentavano con la narrazione, in particolare in nome della politica. Chytilova ha fatto proprio questo con Daisies. Queste due giovani ragazze riconoscono che il mondo è viziato, quindi decidono di voler essere viziate anche loro. Si riempiono la faccia, prendono in giro gli uomini e rifiutano le idee comuni di femminilità. Non vogliono essere come tutti gli altri. Le Marie vogliono essere se stesse e scoprire come vogliono navigare nel mondo. Nel processo, si incasinano un po’, ma si divertono molto nel farlo.

Utilizzando le tecniche cinematografiche assurde che caratterizzano la Nouvelle Vague ceca, Chytilova crea una storia di formazione non lineare che rifiuta di dare qualsiasi tipo di soddisfazione narrativa. La soddisfazione e la gioia risiedono in due giovani donne che si rendono conto che non devono essere ciò che la società vuole che siano. (Mary Beth McAndrews)

The Perks of Being a Wallflower

La sensazione dell’aria sul tuo viso durante un viaggio notturno in auto, la tua patente ancora nuova abbastanza da bruciare una presa nella tua tasca. La magia di sentire alla radio una canzone che per un momento sembra fatta apposta per te. La formazione mattone per mattone di sé e della comunità che avviene al liceo: un diario tutto tuo lì, una performance spontanea del Rocky Horror Picture Show qui, un primo bacio e un brownie alla marijuana per finire.

Queste sono le esperienze giovanili che compongono The Perks of Being A Wallflower, ma c’è anche un sottofondo di temi più oscuri: ansia soffocante, imbarazzo paralizzante, il dolore acuto del trauma realizzato. Ognuno dei tre protagonisti del libro-trasformato in film di Stephen Chbosky è avvolto da una lotta personale e ognuno la affronta in modo diverso. Sam (Emma Watson) insegue uomini che la trattano male perché non crede di meritare l’amore, Patrick (Ezra Miller, che ruba la scena) nasconde il dolore dell’omofobia sotto un’apparenza ostentata, e Charlie (Logan Lerman) è tormentato dalla depressione e da pensieri intrusivi che gli impediscono di vivere pienamente la tipica vita da adolescente. Perks

fa il duro lavoro di guardare da vicino e con serietà alla vita degli adolescenti, non solo gli alti trionfi ma anche i bassi che devono essere coraggiosamente superati. “Potremmo essere eroi”, come dice la canzone di Bowie, “solo per un giorno”. (Valerie Ettenhofer)

Boy

Quando sei un ragazzino, idolatrare almeno uno dei tuoi genitori è praticamente la norma. Questo è particolarmente vero per Boy (James Rolleston), un preadolescente Maori che eleva il suo padre assente a proporzioni mitiche. Quando suo padre Alamein (lo scrittore-regista Taika Waititi) finalmente ritorna, Boy e il suo silenzioso fratello minore Rocky (Te Aho Aho Eketone-Whitu) devono conciliare il guerriero Shogun/re del pop/supereroe che hanno immaginato con gli ovvi difetti dell’uomo impulsivo, egoista e inesorabilmente umano che hanno di fronte.

Boy è il film più serio di Waititi, e anche il più personale. È stato girato a Waihau Bay, in Nuova Zelanda, il luogo in cui il regista è cresciuto, e sebbene abbia un sottofondo fantasioso, Boy ha anche una verosimiglianza che si fonde in modo impressionante con i suoi elementi più creativi. Boy è per tutti coloro che hanno dovuto rendersi conto che il loro padre era solo un’altra persona, ma è anche per tutti coloro che sono cresciuti in un quartiere con tonnellate di bambini e apparentemente senza genitori, con macchine rotte nel cortile e bastoni come giocattoli. Boy e i suoi amici sono sul punto di scoprire tutto ciò che non hanno, ed è chiaro che la giocosità del protagonista potrebbe trasformarsi in rabbia o dolore in qualsiasi momento. Alla fine, non è suo padre ma se stesso che Boy deve immaginare una versione di cui possa vivere. (Valerie Ettenhofer)

Picnic at Hanging Rock

Un mistero soprannaturale, un’esplorazione del potere e dell’obbedienza adolescenziale, e una storia d’amore queer non corrisposta racchiusi in una storia ineffabile, Picnic at Hanging Rock vive in un genere tutto suo. Ci sono numerosi personaggi ai quali un giovane spettatore può collegarsi: la bella e imponente Miranda (Anne-Louise Lambert); l’impacciata Edith (Christine Schuler); la traumatizzata Irma (Karen Robson); o l’emarginata Sara (Margaret Nelson).

Mentre Sara occupa la maggior parte dello schermo, il film di Peter Weir riguarda tutti loro e la loro crescita attraverso e dopo l’enigmatica scomparsa di quattro persone. È incredibilmente elegante nello stile, ma c’è più sostanza nascosta negli sguardi e nei gesti di queste ragazze di quanto non appaia inizialmente. È un film incredibile e terrificante che è molto meno investito nel soddisfare il pubblico quando, invece, potrebbe indugiare sotto la pelle e rimanerci. (Cyrus Cohen)

Aparajito

Raggruppata insieme, la trilogia dei film Apu del maestro indiano Satyajit Ray forma una delle più grandi narrazioni cinematografiche di coming-of-age di tutti i tempi. Ma non possiamo nominarli tutti e tre per uno spazio, e sfortunatamente, non sono nemmeno abbastanza popolari per occupare tre posti in questa lista. Il più grande e famoso dei tre, Pather Panchali, è un po’ troppo giovane di per sé per contare come un film di coming-of-age e prendere il singolo rappresentante della serie, così Aparajito sta in piedi.

Nella puntata centrale, che si basa sulla fine del romanzo Pather Panchali di Bibhutibhushan Bannerjee e sul terzo iniziale del seguito, Aparajito, Apu (Smaran Ghosal) perde altri membri della sua famiglia e comincia a imparare a vivere da solo. Prima, una volta diventato adolescente, riceve una borsa di studio per studiare nella grande città di Kolkata, poi comincia anche a lavorare per mantenersi a galla lì. Per completare la sua transizione dall’infanzia, sua madre muore alla fine, portando alla terza parte, The World of Apu, che lo seguirà da adulto. (Christopher Thompson)

Dirty Dancing

Dirty Dancing si inserisce nel canone del coming-of-age con la famosa battuta di Johnny Castle “Nessuno mette Baby in un angolo”. Il film vede Francis “Baby” Houseman (Jennifer Grey) crescere nel corso di un viaggio estivo di famiglia sulle Catskill. Quando incontra l’istruttore di danza Johnny, interpretato iconicamente da Patrick Swayze, Baby si rende conto di quanto sia stato piccolo il suo mondo. Johnny la introduce in un mondo di danza, sesso e complicate decisioni da adulti. Dirty Dancing ha un sacco di balli sporchi e fa grande uso della sua ambientazione anni ’60 per la colonna sonora del film con mambo e Motown a bizzeffe.

Il colpo da maestro di questo film è che non è una dinamica in cui Castle prende una giovane donna ingenua e inesperta e la sessualizza esclusivamente per i suoi scopi (guardandoti, Grease). Invece, Castle aiuta Baby a rendersi conto che è capace di molto più di quanto chiunque si aspetti da lei. Baby è in grado di abbracciare la sua sessualità insieme alla sua intelligenza e capacità. Per quanto riguarda le storie d’amore del coming-of-age, Dirty Dancing rimane un esempio relativamente precoce di una relazione costruita sulla fiducia reciproca, sulla parità di azione e sul cambiamento personale in meglio. (Margaret Pereira)

Boyhood

Boyhood è uno dei pochi film di questa lista in cui si vede letteralmente crescere e maturare i suoi personaggi. Girato nell’arco di 12 anni dal maestro Richard Linklater – un regista rinomato per le sue calde e nostalgiche rappresentazioni dello scorrere del tempo – il film è una stupefacente documentazione degli anni che passano nella vita di Mason Evans (Ellar Coltrane), specialmente l’alternarsi delle sue relazioni con mamma Olivia (Patricia Arquette) e papà Mason Senior (Ethan Hawke). Il successo del film è radicato nella sua attenzione ai momenti più piccoli della vita; non vediamo la cerimonia di laurea o il processo di divorzio, ma non ne abbiamo bisogno. Boyhood

è un’ode agli angoli e alle fessure di una vita ordinaria – e a volte è tutto ciò che serve per un film straordinario. (Jenna Benchetrit)

Marie Antoinette

Potrebbe non essere un’esperienza di crescita che vivremo mai, ma la giocosa finzione storica sembra supremamente relazionabile nelle mani della scrittrice e regista Sofia Coppola. Può vestire Kirsten Dunst, la sua musa della carriera, con abiti stravaganti, riempirla di una quantità spropositata di attenzioni e affogarla nel lusso, pur conservando l’assordante silenzio di un primo incontro romantico, o una reticenza nei confronti degli adulti, o una graziosa innocenza che scade ad una certa età. Dopo tutto, Antoinette ha 14 anni quando la incontriamo, in estasi per la possibilità dell’amore (Jason Schwartzman perfettamente nel ruolo del fidanzato goffo/erede al trono di Francia) e della vita sontuosa per il resto della sua vita, prima che abbia dei figli e la tragedia cominci ad arrivare. È attraverso le storie di coming-of-age come questa che si intravedono i fili dell’universalità che cuciono i dolori e i disagi della crescita nell’adolescenza. (Luke Hicks)

Raw

Il sottogenere francese New Extremity è tutto incentrato sull’essere estremo. I suoi film sono sanguinosi, cruenti e nichilisti, mentre il corpo umano sembra cadere a pezzi. Spesso si concentrano sulla tortura del corpo femminile e sul guardare un personaggio femminile contorcersi in preda alle turbolenze. Raw di Julia Ducournau è tutto questo ma anche di più. Prende un sottogenere al limite dello sfruttamento e lo trasforma in una storia cannibale femminista di coming-of-age in cui la rabbia femminile viene presa sul serio.

Justine (Garance Marillier) ha sedici anni e sta andando alla scuola di veterinaria. Lì è costretta a consumare carne cruda che risveglia in lei qualcosa di animalesco. Improvvisamente, sta abbracciando la rabbia che ha sempre ribollito dentro di lei. Inizia a consumare carne umana in quantità sempre maggiori. Raw è deliziosamente disgustoso, un film che lascia che i suoi personaggi femminili siano disgustosi e li dipinge come mostri. Il raggiungimento dell’età è disordinato e pieno di rabbia, quindi perché non ritrarlo così? (Mary Beth McAndrews)