De 50 beste coming-of-age-films ooit

Opgroeien: we doen het allemaal. Geen twee mensen hebben precies hetzelfde coming-of-age-verhaal, maar toch worden we vaak aangetrokken door veel van dezelfde jeugdverhalen op het scherm, beschouwen we ze als klassiekers en kijken we ze keer op keer opnieuw. Jongeren krijgen zelden de kans om hun eigen verhaal te vertellen, dus een coming-of-age-film die een specifieke generatie, cultuur of subcultuur vangt, voelt als iets zeldzaams en speciaals voor degenen die op het scherm worden weerspiegeld, vooral wanneer de film zelf een kijker vindt in hun meest vormende fase. Een goede coming-of-age-film kan een soort embleem worden, een toetssteen die tegelijkertijd diep persoonlijk is in zijn beschrijving van een vluchtig, emotioneel tijdperk van het leven, en universeel in zijn aantrekkingskracht op iedereen die het heeft meegemaakt.

De beste coming-of-age-films zijn een mix van nostalgische vertrouwdheid, impressionistische ervaringen, en een flinke scheut brutale eerlijkheid die gepaard gaat met het schokkende, vaak onwelkome inzicht in de wereld van de volwassenen die met de adolescentie gepaard gaat. Dat laatste deel wordt meestal door de meer ervaren filmmaker doorgegeven aan de jongere protagonist, een retrospectieve techniek die uniek is voor het subgenre en die de grootste coming-of-age-verhalen een soort prismatische mix van naïviteit en wijsheid verleent.

Hoewel de items op deze lijst acht decennia omspannen, zult u een aanzienlijk aantal recente films opmerken. Zijn coming-of-age films in de loop der tijd beter geworden? Misschien niet, maar Amerikaanse films zijn zeker de afgelopen decennia meer dan ooit de diverse realiteiten van de wereld buiten het scherm gaan weerspiegelen, dus het is geen wonder dat de beste nieuwe tienerverhalen stuk voor stuk eerlijk, uniek en tijdloos aanvoelen. Het is vermeldenswaard dat we de redactionele beslissing hebben genomen om alle would-be klassiekers weg te laten die te nieuw zijn om met enige afstand te bekijken, wat betekent dat personeel-geliefde 2019-films zoals Booksmart en Little Women zijn uitgesloten van de ranglijst.

Lees verder voor onze lijst met de beste coming-of-age-verhalen aller tijden, en sluit je dan aan bij onze dankbaarheid dat we aan de andere kant van de adolescentie zijn uitgekomen.

Ginger Snaps

Ongesteld worden is een veelbesproken onderwerp in het horrorgenre. Het lichaam bloedt en het lichaam verandert, waardoor het een perfect vehikel is voor lichaamshorror. De transformatie van het vrouwelijk lichaam leent zich ook voor creature features, want wat cultuurcritica Barbara Creed “het monsterlijk-vrouwelijke” noemt, kan onmogelijk worden waargenomen in het menselijk lichaam. Zo ook Ginger Snaps, een weerwolffilm over Brigitte (Emily Perkins) een verstoten meisje dat moet uitzoeken hoe ze de lycantropie van haar zus Ginger (Katharine Isabel) kan genezen. Dit is niet alleen een film over het weerbarstige vrouwenlichaam, maar het gaat ook over zusterschap en proberen je idealen hoog te houden als je opgroeit. Je menstruatie is niet het enige vreemde waar je als tiener mee te maken krijgt; het gaat ook over herkennen waar je in gelooft en wat het waard is om voor te vechten.

Isabel is de weerwolfzus die het soort seksualiteit uitstraalt waarvan we allemaal zouden willen dat we die hadden op de middelbare school. Haar transformatie van goth outcast tot de heetste meid van de school is een verhaal dat velen van ons weirdo’s wensten te bereiken, al is er natuurlijk een enorme prijs. Plus, Ginger Snaps heeft een van de beste weerwolf ontwerpen van het horrorgenre. (Mary Beth McAndrews)

Daisies

Soms betekent opgroeien dat je inziet hoe egoïstisch de wereld kan zijn. Dat is het geval voor Marie I (Jitka Cerhová) en Marie II (Ivana Karbanová) in Vera Chytilová’s film Daisies uit 1966. Chytilova was een van de belangrijkste regisseurs van de Tsjechische New Wave, een experimentele filmbeweging waarbij filmmakers uit Tsjecho-Slowakije experimenteerden met het narratieve, vooral in naam van de politiek. Chytilova deed precies dat met Daisies. Deze twee jonge meisjes zien in dat de wereld verwend is, dus besluiten ze zelf ook verwend te willen worden. Ze proppen hun gezichten vol, plagen mannen en verwerpen de gangbare ideeën over vrouwelijkheid. Ze willen niet zijn zoals alle anderen. De Maries willen zichzelf zijn en ontdekken hoe ze door de wereld willen navigeren.

Gebruik makend van de absurdistische filmtechnieken die kenmerkend zijn voor de Tsjechische New Wave, creëert Chytilova een niet-lineair coming of age-verhaal dat weigert enige narratieve bevrediging te geven. De voldoening en vreugde zitten in twee jonge vrouwen die beseffen dat ze niet hoeven te zijn wat de maatschappij wil dat ze zijn. (Mary Beth McAndrews)

The Perks of Being a Wallflower

Het gevoel van de lucht op je gezicht tijdens een nachtelijke autorit, je rijbewijs nog nieuw genoeg om een greep in je zak te doen. De magie van het horen van een liedje op de radio dat maar heel even aanvoelt alsof het voor jou alleen gemaakt is. De steen-voor-steen-vorming van jezelf en de gemeenschap die op de middelbare school plaatsvindt: een geheel eigen dagboek daar, een spontane Rocky Horror Picture Show-voorstelling hier, een eerste kus en een brownie om het af te maken.

Dit zijn de jeugdige ervaringen waaruit The Perks of Being A Wallflower bestaat, maar er is ook een onderstroom van donkerdere thema’s: verstikkende angst, verlammende onhandigheid, de acute pijn van een gerealiseerd trauma. Elk van de drie hoofdrolspelers in Stephen Chbosky’s tot boek omgevormde film is verwikkeld in een persoonlijke strijd en elk van hen gaat daar anders mee om. Sam (Emma Watson) achtervolgt mannen die haar slecht behandelen omdat ze vindt dat ze geen liefde verdient, Patrick (de scènestelende Ezra Miller) begraaft de pijn van homofobie onder een flamboyant uiterlijk en Charlie (Logan Lerman) wordt geplaagd door depressies en opdringerige gedachten die hem ervan weerhouden het typische tienerleven volledig te ervaren. Perks

doet het harde werk om het tienerleven van dichtbij en serieus te bekijken, niet alleen de triomfantelijke hoogtepunten maar ook de dieptepunten die moedig overwonnen moeten worden. “We kunnen helden zijn,” zoals het liedje van Bowie zegt, “maar voor één dag.” (Valerie Ettenhofer)

Boy

Als kind ben je bijna standaard idolaat van minstens een van je ouders. Dat geldt zeker voor Boy (James Rolleston), een Maori-kleuter die zijn afwezige vader tot mythische proporties verheft. Als zijn vader Alamein (schrijver-regisseur Taika Waititi) eindelijk terugkeert, moeten Boy en zijn stille jongere broer Rocky (Te Aho Aho Eketone-Whitu) de Shogun-krijger/koning van de pop/superheld die ze zich inbeeldden zien te verenigen met de overduidelijke tekortkomingen van de impulsieve, egoïstische, meedogenloos menselijke man die voor hen staat.

Boy is Waititi’s meest serieuze film, en ook zijn meest persoonlijke. De film is opgenomen in Waihau Bay, Nieuw-Zeeland, de plek waar de filmmaker opgroeide, en hoewel de film een fantasierijke onderstroom heeft, heeft Boy ook een waarheidsgetrouwheid die indrukwekkend samengaat met de meer creatieve elementen. Boy is voor iedereen die zich ooit heeft moeten realiseren dat zijn vader ook maar een mens was, maar ook voor iedereen die is opgegroeid in een buurt met massa’s kinderen en schijnbaar geen ouders, met kapotte auto’s in de achtertuin en stokken als speelgoed. Boy en zijn vrienden staan op het punt te ontdekken wat ze allemaal niet hebben, en het is duidelijk dat de speelsheid van de hoofdpersoon elk moment kan omslaan in woede of verdriet. Uiteindelijk is het niet zijn vader maar hijzelf met wie Boy een versie moet bedenken waarmee hij kan leven. (Valerie Ettenhofer)

Picnic at Hanging Rock

Een bovennatuurlijk mysterie, een verkenning van puberale macht en gehoorzaamheid, en een onbeantwoord queer liefdesverhaal verpakt in één onuitsprekelijk verhaal, Picnic at Hanging Rock leeft in zijn eigen genre. Er zijn tal van personages waarmee een jonge kijker zich kan verbinden: de mooie, commandante Miranda (Anne-Louise Lambert); de onhandige Edith (Christine Schuler); de getraumatiseerde Irma (Karen Robson); of de verstoten Sara (Margaret Nelson).

Hoewel Sara de meeste screentime krijgt, gaat de film van Peter Weir over hen allemaal en hun groei door en na de raadselachtige verdwijning van vier mensen. De stijl is ongelooflijk elegant, maar er zit meer inhoud verborgen in de blikken en gebaren van deze meisjes dan je op het eerste gezicht zou denken. Het is een ongelooflijke, huiveringwekkende film die veel minder geïnvesteerd is in het bevredigen van een publiek, terwijl hij in plaats daarvan onder je huid kan kruipen en daar blijven. (Cyrus Cohen)

Aparajito

De Apu-trilogie van de Indiase meesterfilmmaker Satyajit Ray vormt samen een van de grootste cinematografische coming-of-age-verhalen aller tijden. Maar we kunnen ze niet alle drie op één lijst zetten, en helaas zijn ze ook niet populair genoeg om drie plaatsen op deze lijst in te nemen. De grootste en beroemdste van de drie, Pather Panchali, is op zichzelf iets te jong om als coming-of-age-film te gelden en de enige vertegenwoordiger van de serie te zijn, dus Aparajito neemt de plaats in.

In de middelste aflevering, die is gebaseerd op het einde van Bibhutibhushan Bannerjee’s roman Pather Panchali en het begin derde van het vervolg, Aparajito, verliest Apu (Smaran Ghosal) meer van zijn familieleden en begint te leren om op zichzelf te wonen. Eerst krijgt hij als tiener een studiebeurs om in de grote stad Kolkata te gaan studeren, daarna gaat hij ook werken om zich daar staande te houden. Om zijn overgang uit de kindertijd te voltooien, sterft zijn moeder aan het eind, wat leidt tot deel drie, De wereld van Apu, om hem als volwassene te volgen. (Christopher Thompson)

Dirty Dancing

Dirty Dancing doet zijn intrede in de coming-of-age canon met de beroemde regel van Johnny Castle: “Nobody puts Baby in a corner.” In de film groeit Francis “Baby” Houseman (Jennifer Grey) op tijdens een zomerse familie-uitstap naar de Catskills. Wanneer ze dansleraar Johnny ontmoet, iconisch gespeeld door Patrick Swayze, realiseert Baby zich hoe klein haar wereld is geweest. Johnny introduceert haar in een wereld van dans, seks en ingewikkelde volwassen beslissingen. In Dirty Dancing wordt veel vies gedanst en er wordt goed gebruik gemaakt van de jaren ’60 setting om de film te soundtracken met mambo en Motown in overvloed.

Het meesterwerk van deze film is dat het geen dynamiek is waarin Castle een naïeve, onervaren jonge vrouw neemt en haar uitsluitend voor zijn doeleinden seksiseert (kijk naar jou, Grease). In plaats daarvan helpt Castle Baby inzien dat ze tot veel meer in staat is dan iedereen van haar verwacht. Baby is in staat om haar seksualiteit te omarmen, samen met haar intelligentie en bekwaamheid. Wat betreft de romantische coming-of-age-verhalen blijft Dirty Dancing een relatief vroeg voorbeeld van een relatie die is gebaseerd op wederzijds vertrouwen, gelijke rechten en een persoonlijke verandering ten goede. (Margaret Pereira)

Boyhood

Boyhood is een van de weinige films op deze lijst waarin je de personages letterlijk ziet opgroeien en volwassen ziet worden. Gefilmd over een periode van 12 jaar door maestro Richard Linklater – een regisseur die bekend staat om zijn warme, nostalgische voorstellingen van het verstrijken van de tijd – is de film een verbluffende documentatie van de verstreken jaren in het leven van Mason Evans (Ellar Coltrane), met name de wassende en afnemende van zijn relaties met moeder Olivia (Patricia Arquette) en vader Mason Sr. (Ethan Hawke). Het succes van de film is geworteld in de aandacht voor de kleinere momenten in het leven; we krijgen de diploma-uitreiking of de echtscheidingsprocedure niet te zien, maar dat is ook niet nodig. Boyhood

is een ode aan de hoekjes en kantjes van een gewoon leven – en soms is dat alles wat je nodig hebt voor een buitengewone film. (Jenna Benchetrit)

Marie Antoinette

Het is misschien geen opgroei-ervaring die wij ooit zullen meemaken, maar de speelse historische fictie voelt uitermate relatable in de handen van schrijfster-regisseuse Sofia Coppola. Ze kan Kirsten Dunst, haar carrièremuze, in extravagante jurken steken, haar overladen met onvoorstelbare hoeveelheden aandacht en haar verdrinken in luxe, terwijl ze de welbekende oorverdovende stilte van een eerste romantische ontmoeting behoudt, of een terughoudendheid tegenover volwassenen, of een schattige onschuld die op een bepaalde leeftijd vervalt. Antoinette is tenslotte 14 als we haar ontmoeten, zwijmelend bij de mogelijkheid van liefde (Jason Schwartzman perfect gecast als de onhandige vriend/opvolger van de Franse troon) en een weelderig leven voor de rest van haar leven, voordat ze kinderen krijgt en de tragedie begint in te zetten. Het is door coming-of-age verhalen als deze dat we een glimp opvangen van de draden van universaliteit die groeipijnen en ongemakken in de adolescentie naaien. (Luke Hicks)

Rauw

Het Franse subgenre New Extremity draait om, nou ja, extreem zijn. De films zijn bloederig, bloederig en nihilistisch, terwijl het menselijk lichaam uit zijn voegen lijkt te barsten. Ze richten zich vaak op de marteling van het vrouwenlichaam en het kijken naar een vrouwelijk personage dat kronkelt in verwarring. Julia Ducournau’s Raw is dat allemaal, maar meer. Ze neemt een op het randje van uitbuitend subgenre en maakt er een kannibalistisch feministisch coming-of-age-verhaal van waarin vrouwelijke woede serieus wordt genomen.

Justine (Garance Marillier) is zestien jaar oud en op weg naar de dierenartsschool. Daar wordt ze gedwongen rauw vlees te eten, wat iets dierlijks in haar wakker maakt. Plotseling omarmt ze de woede die altijd al in haar heeft geborreld. Ze begint mensenvlees te eten in steeds grotere hoeveelheden. Raw is heerlijk smerig, een film die haar vrouwelijke personages grof laat zijn zonder ze af te schilderen als monsters. Op volwassen leeftijd komen is rommelig en vol woede, dus waarom zouden we het niet op die manier in beeld brengen? (Mary Beth McAndrews)