Szkoła Sceniczna: Czym jest teatr absurdu?

Czym jest Teatr Absurdu i dlaczego do nas przemawia? Kiedy nowa produkcja Endgame Samuela Becketta autorstwa reżysera Citizens Theatre, Dominica Hilla, wchodzi do teatrów w 2016 roku, dowiadujemy się więcej o gatunku, który stawia nam lustro.

Dalej, co to jest?

Początki Teatru Absurdu są równie niejasne, jak kanon sztuk z nim związanych. Powstały pod koniec lat 50. Teatr Absurdu nie był ruchem świadomym, nie istniała też żadna zorganizowana szkoła dramaturgów, którzy przypisywali go sobie.

Wielu europejskich dramaturgów związanych z ruchem absurdu, takich jak Samuel Beckett, Eugène Ionesco czy Jean Genet, odrzuciło w ogóle sformułowanie, które ukuł jeden z krytyków. Postrzegali siebie raczej jako indywidualnych artystów, a nie członków kolektywu, a ich sztuki były jedynie wyrazem ich osobistej wizji świata.

Jeśli więc dramatopisarze absurdu pracowali niezależnie od siebie, jak to się stało, że tworzyli sztuki, które były tak dziwnie podobne w swoim odrzuceniu konwencji tradycyjnego teatru?

To nie przypadek; wszystko zależy od czasu.

Skąd wziął się teatr absurdalny?

Zrodzony na popiołach powojennej Europy, teatr absurdalny odzwierciedla epokę duchowej pustki, czas, w którym niepewność ludzkiej egzystencji była namacalna. Po okrucieństwach II wojny światowej dla niektórych sam świat stał się absurdalny: przerażające i nielogiczne miejsce, w którym życie straciło sens, a ludzka egzystencja wydawała się daremna.

Wpływ miała również rosnąca popularność egzystencjalizmu w Europie (zwłaszcza w Paryżu, gdzie wielu dramaturgów absurdu żyło jako wygnańcy). Filozofia Alberta Camusa, któremu przypisuje się pierwsze użycie słowa absurd w tym znaczeniu, z pewnością odegrała pewną rolę w tworzeniu tego rodzaju teatru.

Należy jednak zauważyć, że absurd w teatrze niekoniecznie był przykładem dramaturgów próbujących bezpośrednio przełożyć filozofię na dramat, ale może raczej wspólnych poglądów intelektualnych i wspólnej potrzeby komunikowania sytuacji społecznej, poprzez inną formę sztuki.

Jak działa absurdalizm?

Kiedy sztuki absurdalne po raz pierwszy pojawiły się na scenie, był to przełomowy moment w historii teatru. Choć był to ekscytujący i postępowy ruch, krytycy nie wiedzieli, co z nim zrobić, a wielu było oburzonych. Nawet jak na dzisiejsze standardy, sztuki absurdalne łamią wszelkie konwencje teatralne; wszystko, co znamy z dramatu, zostaje wywrócone do góry nogami.

Na początek, całe założenie fabuły zostaje obalone. Struktura początku, środka i końca, która leży u podstaw wszystkich konwencjonalnych narracji, zostaje porzucona na rzecz nieliniowego – i często cyklicznego – podejścia, a także celowo nie ma związku przyczynowo-skutkowego używanego do łączenia scen. Spektakle przyjmują stan podobny do snu, operują raczej obrazami niż spójnym dialogiem i akcją. Wszystkie znaczenia pozostają wieloznaczne.

A jeśli szukasz rozpoznawalnych postaci, zawiedziesz się. Dramaturgowie absurdu celowo tworzą postacie pozbawione motywacji i celu, a także możliwości rozwoju. Zamiast tego postacie pozostają w stanie zawieszenia, nie zsynchronizowane ze sobą i swoim otoczeniem.

Trzej absurdyści

Samuel Beckett: ten wielki

Jako ojciec teatru absurdalnego, żadne badanie tej formy nie może się odbyć bez spojrzenia na Samuela Becketta, irlandzkiego dramaturga znanego z Końcówki gry i jego najsłynniejszej i najbardziej udanej sztuki, Czekając na Godota.

Ogłoszone jako najbardziej znacząca anglojęzyczna sztuka XX wieku, Czekając na Godota (1952) było przełomem w europejskim teatrze. Doskonałe podsumowanie teatru absurdalnego, bohaterowie spędzają całą sztukę czekając na kogoś o imieniu Godot. Nie trzeba dodawać, że Godot nigdy nie nadchodzi.

Jedną z najbardziej godnych uwagi inscenizacji tej sztuki stworzyli Sir Patrick Stewart i Sir Ian McKellen jako Vladimir i Estragon. Dwie legendy brytyjskiego aktorstwa, duet po raz pierwszy wystąpił razem na londyńskim West Endzie w 2009 roku, a następnie spotkał się ponownie kilka lat później na Broadwayu.

Harold Pinter: adaptator

Dzieła Teatru Absurdu nadal są doceniane zarówno przez narodowe, jak i niezależne zespoły teatralne. Współczesne wznowienie Głupiego kelnera, napisanego w 1957 roku przez Harolda Pintera, wystawiane było ostatnio przez dwa kolejne lata w teatrach w Manchesterze.

Produkcja autorstwa Ransack Theatre otworzyła Lucy Davis Vaults w piwnicach King’s Arms w Salford w 2014 roku, po czym została wystawiona na festiwalu Re:play w HOME w 2015 roku.

Jak Czekając na Godota, Niemy Kelner jest dwuczęściowy, podążając za zabójcami Benem i Gusem, którzy, cóż, nie robią nic. Kłócąc się o semantykę, para czeka na kolejne zadanie, cały czas zastanawiając się nad nadchodzącymi zamówieniami na jedzenie.

Edward Albee: Amerykanin

Jeden z niewielu amerykańskich wyrazicieli Teatru Absurdu, sztuka Edwarda Albee’ego z 1962 roku Who’s Afraid of Virginia Woolf? jest doskonałym przykładem tego, jak realizm i absurd przeplatają się ze sobą.

Sztuka, najbardziej znana z filmowej adaptacji z 1966 roku, w której główne role zagrali Elizabeth Taylor i Richard Burton, zaczyna się realistycznie, przedstawiając kłócącą się parę w salonie, ale szybko popada w absurd. Poprzez niekończące się pogawędki i upokorzenia, bohaterowie ostatecznie pozbywają się iluzji, które stworzyli, włączając w to zabicie ich wyimaginowanego dziecka, i zostają uwięzieni w okrutnej i absurdalnej rzeczywistości.

Wideo: Edward Albee w wywiadzie dla Charliego Rose’a w 2008 roku: „Każdy dobry dramaturg przyzna… że ma o wiele więcej pytań niż odpowiedzi. Twoim zadaniem jest więc zadawanie interesujących pytań i oczekiwanie od publiczności dobrych odpowiedzi.”

Dlaczego Teatr Absurdu wciąż cieszy się popularnością?

Co takiego jest w Teatrze Absurdu, nielogicznym i bezsensownym, że przyciąga publiczność?

Pewnie przede wszystkim zdolność tej formy do wywoływania emocji bez wyraźnego celu.

W wyimaginowanym świecie rozmytej komunikacji i całkowitego braku sensu, widzowie szukają znaczenia w sobie.

Wyobrażony świat, w którym komunikacja jest zamazana, a sens całkowicie utracony.