‘The Juniper Tree’ Review: Björk’s First Movie Is an Ethereal Gem that’s Ready to Be Rediscovered

Um filme que é tão lírico e cheio como o T.S. O poema Eliot que usa para um prefácio, o pouco visto “The Juniper Tree” de Nietzchka Keene – filmado no Verão de 1986, para estrear em Sundance quatro anos mais tarde, após uma série de tristezas financeiras – há muito que é pensado como o outro filme de Björk, aquele que ela fez antes da sua performance a nível de Falconetti em “Dancer in the Dark”. Aquele que Björk fez antes mesmo de ser Björk (nessa altura, ainda não tinha sequer aderido a The Sugarcubes).

Agora, graças a uma impressionante nova restauração de 4K feita a partir da câmara original 35mm negativa, as pessoas terão finalmente a oportunidade de apreciar esta gema etérea americana como mais do que uma nota de rodapé da sua carreira de estrela em breve a sericónica. Fascinante como a presença no ecrã de Björk foi e sempre foi (entre os seus vídeos musicais, as suas filmagens de concerto, e até o seu episódio “Space Ghost”, poderia ser feito um caso de que ela é uma das actrizes mais vitais das últimas décadas), “The Juniper Tree” merece ser vista fora da sua sombra.

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Baseada na história espectacularmente macabra dos Irmãos Grimm com o mesmo nome, a característica de estreia de Keene revitaliza um conto de fadas hiper-violento ao questionar a misoginia que define a sua ordem moral. Björk (creditado aqui como Björk Guðmundsdóttir) interpreta um jovem místico medieval chamado Margit. A sua mãe acaba de ser apedrejada até à morte e o seu corpo incendiado, levando Margit e a sua irmã mais velha (Bryndis Petra Bragadóttir como Katla) a vaguear pela região rural da Islândia em busca de abrigo.

“Iremos onde ninguém nos conhece”, intons. Bragadóttir no filme, “A falta de afecto de Bergman”. “Farei um feitiço para encontrar um marido… não iremos arder, não como os outros, porque ninguém nos conhecerá”. Para estas mulheres, a bruxaria não é uma arma, mas sim um instrumento de sobrevivência. A rústica expansão a preto e branco que se estende em todas as direcções é vazia e imperdoável, como se a praga do homem já se tivesse queimado, e Margit e Katla precisarão de se enraizar com aqueles que permanecem se quiserem suportar.

Não falta muito para que as irmãs encontrem um viúvo enlutado chamado Johann (Valdimar Örn Flygenring), que foi deixado para criar o seu filho Jonas (Geirlaug Sunna Þormar) por ele próprio. Katla faz a sua magia, Johann cai literalmente sob o seu feitiço – embora ele possa sentir que há algo de anormal na sua atracção – e as duas famílias desfeitas tentam fundir-se. Não corre tão bem.

A Margit de aspecto simples não é incomodada pela sua nova situação (Björk passa grande parte do filme a vaguear pelas costas rochosas, a fazer fantoches de sombra, e a cantar rimas de berçário para si própria que ela pontua com risadinhas encantadoras), mas as coisas são um pouco mais complicadas para o pequeno Jonas, que rejeita violentamente a ideia de uma mãe substituta. Enquanto a narrativa rapsódica e ocasionalmente protagonista do filme é guiada por vozes, as suas cenas unidas como as estrofes de um poema, as emoções das suas personagens são sempre fortes e legíveis: quando a conversa se volta para a falecida mãe de Jonas, o rapaz vira-se para Katla e diz: “Ela era melhor do que tu”. E as coisas só se tornam mais tensas a partir daí.

Mas onde os irmãos Grimm viram a personagem de Katla como uma vilã devoradora de crianças, Keene prefere pensar nela como uma mulher prática no mesmo plano moral que o seu novo marido. Na pior das hipóteses, ela é uma convidada bem-vinda; na melhor das hipóteses, ela é uma nutridora. E no entanto, Katla é frequentemente tratada como uma ameaça, da mesma forma que os homens têm frequentemente medo do que não conseguem controlar. Keene morreu de cancro em 2004 com a idade de 52 anos, mas as três características elementares que deixou são construídas em torno do conflito entre as construções antigas e a feminilidade moderna – o tempo do pai e a mãe terra – como a sabedoria medieval e o pensamento bíblico são desafiados pela ideia radical de que as mulheres e o diabo não são uma e a mesma coisa.

Em “A Junípero”, essa colisão assume uma dimensão cultural. Os sotaques islandeses do elenco inflectem a língua inglesa com uma sensação de estrangeirismo, enquanto o simbolismo cristão e o mito pagão são esfregados juntamente com a mesma fricção que resulta das duas famílias do filme. Por muito que o grave espiritualismo monocromático de Keene aponte de volta para Bergman e Carl Theodor Dreyer, o seu lúdico revisionismo rompe violentamente com essas tradições, à medida que o realizador se apóia na força de vida animista de Björk para desarraigar as expectativas. Uma cena, em que uma Margit adormecida é encerrada num caixão de vidro, evoca o cineasta “Daisies” Věra Chytilová. Um momento de efeitos especiais cruciais que rasga o filme ao meio parece que poderia ter inspirado David Lynch. A certa altura, quando um cânone de vozes femininas que cantam corre para a banda sonora como água através do casco de um navio a vazar, quase parece que o filme está em conversação com “Medulla”, o álbum só vocal que Björk faria quase 20 anos mais tarde.

“The Juniper Tree” pode ser um pouco lento e redundante – as suspeitas de Johann não são suficientes para sustentar o tempo que lhe é concedido num filme que dura menos de 80 minutos – mas só se torna mais rico e mais revolucionário à medida que avança, à medida que Keene empilha cada uma das intersecções semi-hostéis acima descritas até que tombam durante um terceiro acto que redirecciona a violência insuportável da história original para um propósito muito diferente. É como se Keene amputasse a moral da parábola que a fez crescer, decapitando um conto de fadas ultrapassado para esconder uma mensagem secreta na costura, quando coseu a cabeça de novo. O resultado é um filme que é escuro e delicioso e maduro para redescobrir.

Grade: B+

“The Juniper Tree” abre no The Metrograph via Arbelos Films a 15.

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