Romeo + Julia mit 20: Baz Luhrmanns Verfilmung weigert sich zu altern
Die Millennial-Abteilung des Internets lebt von einem ziemlich seichten Pool an Nostalgie: endlose Posts, die verschiedene unscheinbare Jahrestage feiern, alle mit dem Ziel, dass sich halbwegs junge Leute halbwegs alt fühlen. „Kannst du glauben, dass es ein Jahrzehnt her ist, dass Justin Timberlakes „SexyBack“ herauskam?“ Nun, ja, ich kann es. „Ihr werdet nicht glauben, wie die Besetzung von Dawson’s Creek jetzt aussieht!“ Nicht so sehr anders als früher, wie sich herausstellt – ist das eine Fangfrage?
Doch die Ankündigung, dass William Shakespeares Romeo + Julia heute offiziell 20 Jahre alt ist, hat mich kurz aus dem Konzept gebracht. Natürlich spreche ich nicht von William Shakespeares Romeo und Julia (das nächstes Jahr seinen 420. Geburtstag feiert, also spart euch die Kerzen), sondern von Baz Luhrmanns William Shakespeares Romeo + Julia, was eine ganz andere Sache ist – beginnend mit dem ach so ehemals hippen Pluszeichen, das kein anständiger Fan von Luhrmanns Taft-und-Polyester-Vision auch heute noch für ein kaufmännisches Zeichen halten würde. Warum bin ich dennoch überrascht? Weil sich 20 Jahre als ein völlig unangemessenes Jubiläum für Luhrmanns Glitzerbombe aus Sound und Wut und Neo-Disco und unechter Sehnsucht anfühlt. William Shakespeares Romeo + Julia war nie für dieses Alter gedacht: Es ist der vielleicht jugendlichste Film, der je gedreht wurde.
Ich sage das zu gleichen Teilen mit kritischer Bewunderung und Bewunderung von Gleichaltrigen. Ich war 13 Jahre alt, als der Film seinen Weg auf die Kinoleinwände in meiner Nachbarschaft bahnte (zugegebenermaßen am Valentinstag 1997 und nicht am 1. November 1996 – man kann den südafrikanischen Verleihern nicht vorwerfen, dass sie sich den Zeitpunkt nicht ausgesucht hätten), und er fühlte sich so neu, so schwindelerregend und so überwältigend an wie das Aufkommen der Pubertät selbst.
Romeo + Julia schickte eine sofortige Neon-Schockwelle durch meine High School. Innerhalb weniger Tage, so schien es, waren die Englischmappen der Mädchen mit Fotos von Leonardo DiCaprio aus dem Film zugekleistert, mit seiner perfekt geschwungenen Stirnlocke und seiner glitzernden Rave-Rüstung – ein klassenraumtaugliches Bild des aufkeimenden erotischen Begehrens. (Ich würde gerne sagen, dass es bei einigen Jungs auch so war, aber zumindest in dieser Hinsicht ist 1997 schon sehr lange her.) Der immer noch makellose, von allen Seiten bedeckte Soundtrack – Radiohead! The Cardigans! Äh, Butthole Surfers! – lief auf jeder zögerlichen Coed-House-Party auf Dauerrotation, auch wenn der geschmeidige Des’ree-Slow-Dance in neun von zehn Fällen unbeholfen übersprungen wurde. Abnehmbare Engelsflügel wurden zum Standard-Accessoire beim Abschlussball; blau getönte Lichterketten wurden einfallsreich über Haushalts-Fischbecken drapiert.
Ich hatte in meiner Kindheit natürlich schon den Nachhall von Blockbustern erlebt – allgegenwärtige „Jurassic Park“-T-Shirts, „Forrest Gump“-Sprüche – aber das hier war neu: mein erster greifbarer Punkt des Bewusstseins, dass Kino und Sex im Wesentlichen miteinander verwoben waren. Heterosexueller Sex, vor allem, aber ich kann nicht die einzige Person in meinem Alter sein, für die Luhrmanns MTV-Fantasie frühe Anzeichen eines alternativen sexuellen Bewusstseins weckte: Das Bild von Harold Perrineaus athletischem, exquisit androgynem Mercutio, der in einem Pailletten-BH, Strapsen und einer Zuckerwatte-Perücke zu Young Hearts Run Free tanzt (und stößt), war mit Sicherheit das Seltsamste, was ich bis dahin im Kino gesehen hatte. Doch auch er wurde von Film und Publikum gleichermaßen als akzeptabel, als wünschenswert cool behandelt.
Nichts von alledem wäre älteren Zuschauern, die längst an den kommodifizierten Hedonismus der Adoleszenz gewöhnt sind, besonders revolutionär vorgekommen, und auch nicht, dass Shakespeare für die heutige Zeit umfunktioniert und umgestylt wird. Für einen 13-Jährigen jedoch wirkte Luhrmanns Vision wie eine aufregende Erweiterung von Möglichkeiten und Vergnügen: Das kürzeste, berauschendste Stück auf dem mit Juwelen gespickten Soundtrack, Quindon Tarvers Cover von Everybody’s Free (to Feel Good), wurde sehr wörtlich genommen.
So, ja, zwei Jahrzehnte später, sind verirrte Klänge und Bilder aus Luhrmanns Film immer noch völlig lebendig, wenn auch nicht völlig undatiert. (Es ist schwer, an viele Symbole zu denken, die viel mehr aus dem Jahr 1996 stammen als das riesige, irgendwie keltisch-gotische Kruzifix-Tattoo, das den Rücken von Pete Postlethwaites Father Lawrence ziert – was für ein Glück, dass meine Klassenkameraden und ich zu jung waren, um das zu kopieren). Aber was ist mit dem Film selbst? Ist er mehr als ein wirbelndes Moodboard aus generationsübergreifender Ikonografie? Hat er das jemals? Ich habe fast Angst, ihn mir noch einmal anzusehen, aber schon nach wenigen Minuten in Luhrmanns kopfüberem, ausgeklügeltem Tauchgang in die verfallene Boheme des schönen Verona Beach – wo er und die zu Recht Oscar-nominierte Art Directorin Catherine Martin ihre Szene nicht nur auslegen, sondern mit Farbe vollsprengen – greift der überraschend elegante, elementare Sog seiner Erzählung.
Es ist das A und O für Puristen, sich darüber zu beschweren, dass zeitgenössische Shakespeare-Adaptionen seine Sprache bis auf den Grund abbauen, aber die kinetischen visuellen Übersetzungen, die der Film für den fehlenden Text macht, bleiben ziemlich verblüffend. Wir neigen dazu, uns vor allem an die Hyperaktivität eines jeden Luhrmann-Films zu erinnern, doch so viel Erzählung wird hier durch Gesichter und Blicke artikuliert: Mir fällt keine Romeo-und-Julia-Inszenierung ein, die ich je gesehen habe, weder auf der Bühne noch auf der Leinwand, in der die Anziehung zwischen den gleichnamigen Liebenden so unmittelbar und obsessiv ist. Franco Zeffirellis Version von 1968 mag mit seiner hinreißenden jugendlichen Besetzung so etwas wie ein Jugendbeben ausgelöst haben, aber sie ist bestenfalls vorsichtig fleischlich: Hier treffen sich die Augen der 17-jährigen Claire Danes und des 21-jährigen DiCaprio in einem elektrisierenden blauen Blitz aus schierem, rasendem Verlangen.
DiCaprios Karriere sollte ein Jahr später mit Titanic zur Supernova werden, aber ich bin mir nicht sicher, ob er seine abwechselnd spröde und kindliche Star-Qualität jemals so leicht und geschmeidig getragen hat, oder – ungeachtet seines kürzlich erhaltenen Oscars für das schmerzhafte Kieferklappen in The Revenant – mit solch offenem, unangestrengtem Schmerz dargestellt hat. Danes‘ Filmkarriere würde hier natürlich ihren Höhepunkt erreichen, aber was für ein Gipfel: Als Ersatz für Natalie Portman (die mit 14 Jahren als zu jung für DiCaprio galt) bringt sie die sehr moderne hormonelle Neugier einer Rolle in der Fernsehserie My So-Called Life auf eine Weise in Shakespeares Vision einer aufgewühlten Jugend ein, die sich sehr passend anfühlt. (An diesem Punkt fühlt sich Shakespeares Besitzanspruch auf den vollständigen Titel nicht mehr wie ein ironischer Scherz an: mit oder ohne Lametta und einem Swimmingpool ist dies immer noch sein Romeo und Julia.)
Keiner der beiden Schauspieler liefert den schönsten jambischen Pentameter, den man je gehört hat, und das sollten sie auch nicht: Die Zeilen rollen eifrig, ernsthaft und errötend von ihren Zungen, als würden Achtklässler zum ersten Mal Gedichte lesen und schreiben. (Vergleichen Sie das mit dem missglückten Douglas Booth-Hailee Steinfeld-Update, das Julian Fellowes vor drei Jahren versuchte: Die Hauptdarsteller dieses Films klingen so, als würde man sie dazu bringen, das Stück in der Klasse mit mürrischem Widerwillen laut vorzulesen.) Der zuckersüße Rausch von Luhrmanns Filmemachen – nicht, dass wir es damals geglaubt hätten, aber eine positiv zurückhaltende Trockenübung für den ekstatischen Exzess von Moulin Rouge! aus dem Jahr 2001 – wirkte, um den gleichen Hauch von rücksichtslosem, unberechenbarem Gefühl zu beschwören. Wenn man sich die jüngsten Arbeiten der pfirsichhäutigen Liebesnarren ansieht – DiCaprio, der grimmig rohe Bisonleber im Fegefeuer Alaskas mampft, Danes, die entschlossen in der Fernsehserie Homeland vor sich hinbrütet -, weiß man, dass William Shakespeares Romeo + Julia tatsächlich 20 Jahre alt ist. Wie sein zum Tode verurteiltes, kugelsicheres Liebespaar weigert sich der Film jedoch, mit uns zu altern.
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