‚The Juniper Tree‘ Review: Björks erster Film ist ein ätherisches Juwel, das zur Wiederentdeckung bereit ist

Ein Film, der genauso lyrisch und aufgewühlt ist wie das T.S. Eliot-Gedicht, das er als Vorwort verwendet. Eliot-Gedicht, das er als Vorwort verwendet. Nietzchka Keenes wenig gesehener Film „The Juniper Tree“ – gedreht im Sommer 1986, der erst vier Jahre später nach einer Reihe finanzieller Probleme in Sundance uraufgeführt wurde – wurde lange Zeit als der andere Björk-Film angesehen, derjenige, den sie vor ihrer wilden, totemistischen, Falconetti-mäßigen Performance in „Dancer in the Dark“ gemacht hat. Der Film, den Björk drehte, bevor sie überhaupt Björk war (zu diesem Zeitpunkt war sie noch nicht einmal Mitglied bei den Sugarcubes).

Nun, dank einer atemberaubenden neuen 4K-Restaurierung, die vom originalen 35mm-Kameranegativ gemacht wurde, werden die Leute endlich die Chance haben, dieses ätherische amerikanische Juwel als mehr als eine Fußnote in der Karriere ihres bald ikonischen Stars zu würdigen. So fesselnd Björks Leinwandpräsenz auch immer war und ist (zwischen ihren Musikvideos, ihren Konzertmitschnitten und sogar ihrer „Space Ghost“-Episode könnte man behaupten, dass sie eine der vitalsten Schauspielerinnen der letzten Jahrzehnte ist), „The Juniper Tree“ verdient es, außerhalb ihres Schattens gesehen zu werden.

Basierend auf der spektakulär makabren, gleichnamigen Geschichte der Gebrüder Grimm, belebt Keenes Spielfilmdebüt ein hypergewalttätiges Märchen, indem es die Misogynie hinterfragt, die dessen moralische Ordnung definiert. Björk (hier als Björk Guðmundsdóttir) spielt eine mittelalterliche junge Mystikerin namens Margit. Ihre Mutter wurde gerade gesteinigt und ihre Leiche in Brand gesteckt, was Margit und ihre ältere Schwester (Bryndis Petra Bragadóttir als Katla) dazu veranlasst, auf der Suche nach einem Unterschlupf durch die vernarbte isländische Landschaft zu wandern.

„Wir werden dorthin gehen, wo uns niemand kennt“, intoniert Bragadóttir in der Bergman-artigen Affektlosigkeit des Films. „Ich werde einen Zauber sprechen, um einen Ehemann zu finden … wir werden nicht brennen, nicht wie die anderen, denn niemand wird uns kennen.“ Für diese Frauen ist die Hexerei keine Waffe, sondern eher ein Werkzeug zum Überleben. Die rustikale schwarz-weiße Weite, die sich in alle Richtungen erstreckt, ist leer und unversöhnlich, als hätte sich die Menschenplage bereits selbst ausgebrannt, und Margit und Katla werden sich bei denen, die übrig geblieben sind, einschmeicheln müssen, wenn sie überleben wollen.

Es dauert nicht lange, bis die Schwestern auf einen trauernden Witwer namens Johann (Valdimar Örn Flygenring) treffen, der seinen minderjährigen Sohn Jonas (Geirlaug Sunna Þormar) allein aufziehen muss. Katla zaubert, Johann gerät buchstäblich in ihren Bann – obwohl er spürt, dass seine Anziehung etwas Unnatürliches an sich hat – und die beiden zerrütteten Familien versuchen, miteinander zu verschmelzen. Es läuft nicht so gut.

Die einfältig wirkende Margit stört sich nicht an ihrer neuen Situation (Björk verbringt einen Großteil des Films damit, an den felsigen Ufern umherzuwandern, Schattenpuppen zu basteln und sich selbst Kinderlieder vorzusingen, die sie mit entzückendem Gekrächze unterstreicht), aber für den kleinen Jonas sind die Dinge etwas komplizierter, der die Idee einer Ersatzmutter heftig ablehnt. Während die rhapsodische und gelegentlich bleierne Erzählung des Films von Stimmen geleitet wird und seine Szenen wie die Strophen eines Gedichts aneinandergereiht sind, sind die Emotionen seiner Charaktere immer laut und lesbar: Als das Gespräch auf Jonas‘ verstorbene Mutter kommt, wendet sich der Junge an Katla und sagt: „Sie war besser als du.“ Und von da an werden die Dinge nur noch angespannter.

Aber wo die Gebrüder Grimm Katlas Charakter als kinderfressenden Bösewicht sahen, zieht es Keene vor, sie als praktische Frau auf der gleichen moralischen Ebene zu sehen wie ihren neuen Mann. Im schlimmsten Fall ist sie ein willkommener Gast, im besten Fall ist sie eine Erzieherin. Und doch wird Katla oft wie eine Bedrohung behandelt, so wie Männer oft Angst vor dem haben, was sie nicht kontrollieren können. Keene starb 2004 im Alter von 52 Jahren an ihrem Krebsleiden, aber alle drei sparsamen, elementaren Spielfilme, die sie hinterließ, drehen sich um den Konflikt zwischen alten Konstrukten und moderner Weiblichkeit – Vater Zeit und Mutter Erde – als mittelalterliche Weisheit und biblisches Denken durch die radikale Idee herausgefordert werden, dass Frauen und der Teufel nicht ein und dasselbe sind.

In „Der Wacholderbaum“ nimmt diese Kollision eine kulturelle Dimension an. Die isländischen Akzente der Darsteller verleihen der englischen Sprache einen Hauch von Fremdheit, während christliche Symbolik und heidnischer Mythos mit der gleichen Reibung aneinander gerieben werden, die sich aus den beiden Familien des Films ergibt. So sehr Keenes strenger monochromer Spiritualismus auf Bergman und Carl Theodor Dreyer zurückweist, so heftig bricht ihr spielerischer Revisionismus mit diesen Traditionen, wenn die Regisseurin Björks animistische Lebenskraft anzapft, um Erwartungen zu entwurzeln. Eine Szene, in der die schlafende Margit in einem gläsernen Sarg eingeschlossen ist, erinnert an die „Gänseblümchen“-Filmerin Věra Chytilová. Ein entscheidender Special-Effects-Moment, der den Film in zwei Hälften reißt, fühlt sich an, als könnte er David Lynch inspiriert haben. An einer Stelle, wenn ein Kanon weiblicher Gesangsstimmen auf die Tonspur rauscht wie Wasser durch den Rumpf eines leckgeschlagenen Schiffes, fühlt es sich fast so an, als ob der Film mit „Medulla“ im Gespräch ist, dem reinen Gesangsalbum, das Björk fast 20 Jahre später aufnehmen sollte.

„The Juniper Tree“ kann etwas träge und redundant sein – Johanns Verdächtigungen reichen nicht aus, um die ihm zugestandene Leinwandzeit in einem Film zu erhalten, der weniger als 80 Minuten dauert – aber er wird nur reicher und revolutionärer, je weiter er fortschreitet, da Keene jede der oben beschriebenen halb-feindlichen Überschneidungen stapelt, bis sie während eines dritten Aktes umkippen, der die ungelenke Gewalt der ursprünglichen Geschichte auf einen ganz anderen Zweck umlenkt. Es ist, als hätte Keene die Moral aus der Parabel amputiert, die sie hervorgebracht hat, ein veraltetes Märchen enthauptet, um beim Wiederannähen des Kopfes eine geheime Botschaft in den Nähten zu verstecken. Das Ergebnis ist ein Film, der düster und reizvoll ist und reif für eine Neuentdeckung.

Bewertung: B+

„The Juniper Tree“ läuft am 15. März im Metrograph über Arbelos Films an.

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