The Key

Übersät mit Schutt aus staubübersäten Übungsräumen, versteckt in feuchten Kellern, wo das Schlagzeug mit alten, rostigen Waschmaschinen konkurriert, die der Vermieter nicht reparieren oder wegschmeißen will, zusammengekauert unter Brücken oder in mühsamen Sprechzimmern mit Ein-Lautsprecher-Soundsystemen – das ist Philadelphia Punkrock, eine Bewegung, die nicht nur von der DIY-Gemeinschaft als Ganzes geprägt ist – einem weitläufigen Netzwerk von Zines (die es immer noch gibt), Plattenlabels, Veranstaltungsräumen und Ressourcen, die wilde Jugendliche und griesgrämige alte Knacker seit Jahrzehnten anzapfen -, sondern auch von verrücktem Scheiß wie den wütenden „Stop-and-frisk“-Gesetzen der Stadt, der ständige Angriff der rasanten Gentrifizierung, die sich unvermeidlich anfühlt, und ein turbulentes, seltsames Hin und Her, das im Kontext der Punk-, Hardcore- und Aktivisten-/Kunstszenen in einer Stadt existiert hat, die immer noch den Nachhall des MOVE-Bombenanschlags spürt. Zu sagen, dass Phillys Punkrock-Community eine schwierige Beziehung zur Stadt hat, ist eine Übertreibung.

Aber mehr und mehr Leute, die außerhalb der Ränder existieren, nicht nur weil sie schwarz tragen oder pinke Irokesen haben, sondern weil sie sind, finden die Ressourcen, um sich zu engagieren, und die kulturelle Struktur der Stadt ist reicher dafür. Wir sind eine Stadt, die das Break Free Fest beherbergt – ein Musikereignis, das Bands hervorhebt, in denen sich schwarze und braune Musiker das Hirn aus dem Leib schreien, ein Ereignis, das diesen Samstag und Sonntag in der Rotunde stattfindet. Wir sind eine Stadt, die vor dem Break Free Fest die Heimat von Rockers war, einer wiederkehrenden Veranstaltung, die mehr als ein Jahrzehnt lang dasselbe Ziel verfolgte.

Es ist die Stadt, die den Schlagzeuger von Full Bush, Adesola Ogunleye, dazu veranlasste, eine Liste von Rock-, Punk-, Metal-, Hardcore- und Indie-Bands zusammenzustellen, in denen Schwarze und Braune mitspielen – es ist eine epische Liste. Philly ist die Heimat des Queerpunk-Labels Get Better, von Bands und Künstlern, die klanglich aus der Reihe tanzen, wie die Avant-Noise-Punk-Jazz-Supergroup Ooloi (u.a. mit Mitgliedern von Space Fuck, Static Bros, Sour Spirit, King Azaz), die Scream-Revivalisten und Afropunks Soul Glo, die Queer-Grindcore-Einheit HIRS Collective und ja, auch die Bands auf der letztjährigen Liste, von denen die meisten noch immer aktiv sind.

Wir sind eine Stadt, die mehr von ihrem Punkrock verlangt, die Fragen stellt, die gegen die Macht kämpft, die Zuflucht bietet. Hier sind sieben Bands, die diesen Geist verkörpern.

GAZ

OK, whoa, wir könnten hier zu früh aufhören. GAZ, bestehend aus vier der punkigsten Frauen auf dem Planeten, ist ein absoluter Sturzbach der Gewalt, der dem System serviert wird. Die ehemaligen Mitglieder der künstlerischen Avant-Noise-Band/Tanztruppe SWARM haben unter anderem eine Doom-eske Garstigkeit geschaffen. Auf ihrem Demo wütet die Band mit unerbittlicher Inbrunst durch fünf Grunge-Songs, besonders bei „1948“, wo ein schlammiges, bedrohliches Intro, in dem Sänger Golnar darüber klagt, dass die Zeit nicht ausreicht, um sehr reale, global katastrophale Probleme zu beheben, zum wildesten Moment des Demos wird. Auch live sind sie eine Wucht – ständige Bewegung, unmittelbare, hektische Ausbrüche von Anti-System.

DEEP TISSUE

Obwohl es keinen Abfall der Leidenschaft gibt, ist Deep Tissue eine ernsthafte Abkehr von Gaz‘ Chaos. Sie sind ein schwindelerregender Wirbel aus XTC-esker Gitarrenarbeit, emotionalen Ängsten des DC der mittleren 80er und verträumten, dunklen Rhythmen. Der Eröffnungstrack „Mood Swing“ bringt dies auf den Punkt: schwere, volle Gitarren drapieren sich perfekt über einen drahtigen Beat, während der angestrengte, an Verzweiflung grenzende Gesang Geschichten über das „sich dumm fühlen“ im Angesicht der Kleinigkeiten des Lebens erzählt, ein Gefühl, das so überwältigend und fesselnd ist, dass es sich in diesen Momenten der Enttäuschung anfühlt, als würde man einen großen Verlust erleiden. Wo zum Teufel kommt diese Band her?

PIT HAIR

Alles junge Beine und wilde Lungen, fuchtelnde Körperteile und Explosionen, Pit Hair lebt in den sich kreuzenden Nähten dessen, was knorrig ist und was als akzeptables menschliches Verhalten im Gewebe des Punkrock-Undergrounds gilt. Was einfach nur super seltsam ist, wenn man bedenkt, dass ihr ultra-knackiger, dicker Gitarrensound zu Songs wie „Aggressive Behavior“ von ihrer FUCK HARDCORE EP passt, die sich gegen die fortgesetzte Fleischköpfigkeit wenden, die oft mit dem Genre verbunden wird. Live erfreut sich die Band daran, Missverständnisse zu zerstören; ernsthaft, sie sind wie die süßesten Leute in der Stadt, aber, und besonders Sängerin Tori Roccia, ein Kobold, der über die Bühne tobt wie der verlorene Sänger von The Blood Brothers oder ein Praktikant bei His Hero Is Gone, sie reißen zweifellos und leidenschaftlich.

MANIKINETER

Hier ist etwas, das ich nie wieder sagen kann: Ich habe noch nie beim Hören eines Noise-Rap-Songs geweint. „The Trouble With Technology“ von Manikineter, alias Carl Kavorkian, ein erfahrener Rapper (er hat Tracks mit MF Doom. Aus den 00ern.) und Death-Metal-Sänger, beendete das ziemlich genau. Es war eine dunkle und stürmische Nacht, als ich aus dem 42er-Bus nach Hause stieg. Ich fühlte mich kaputt von den Mikroaggressionen des Tages und dem allgemeinen systemischen Unsinn, und irgendwie hatte ich vergessen, dass ich diese Nummer am Abend zuvor in die Spotify-Warteschlange programmiert hatte. Das scharfe, dissonante Feedback zerstörte mich; ich spritze immer noch Debrox und versuche, mein Ohrenschmalz wieder in den Griff zu bekommen. Manikineter ist keine „Punkrock-Band“ im orthodoxen Sinne, aber wenn Sie ihn live sehen, ausgebreitet in einer Gimp-Maske vor einer Wand aus Geräuschmachern, Drum-Maschinen und Beat-Boxen, werden Sie das Set mit Sicherheit in dem Bewusstsein verlassen, dass Punkrock, was auch immer das ist, in guten Händen ist.

EAT

Diese Band mag zwar von ihrer Un-Google-able-ness leben, aber nachdem sie von einigen verlässlichen Quellen (nämlich Christo von Yarrow und Ave von Sour Spirit/Ooloi) empfohlen wurde und man ihre wild herausfordernde EP Die and Dance gehört hat, kann man mit Sicherheit sagen, dass Eat es wert ist, ausgegraben zu werden. Sicherlich gibt es viele Anspielungen auf No Wave, aber ihre Musik, besonders bei der verrückten Faux-Dance-Hymne „Hunger Strike“, fühlt sich archaischer und barbarischer an als das. Angespannte, nervöse und unruhige Rhythmen wie eine keyboardlose Version der Screamers für das Jetzt-Zeitalter? Let’s Eat.

THE IRE

Ich habe es übersprungen, Protomartyr, eine lächerlich kranke Detroiter Post-Post-Punk-Band mit drei Platten auf großen Labels, bei Union Transfer zu sehen, nachdem ich ihre Platten einen Monat lang nonstop gehört hatte. Nein, The Ire spielten am selben Abend in einem mehrstöckigen Kunstraum in Gray’s Ferry, also wollte ich mir die Chance nicht entgehen lassen, von dreckigem Nebelmaschinenrauch, trüben blauen Lichtern und retro-futuristischen DJs eingehüllt zu werden und nicht Zeuge der verträumten, Cure-esken Genialität dieser Band zu werden. Diese Band ist unerbittlicher Rhythmus, ozeanische Gitarren und Siouxsie-esker Gesang mit unübertroffener Kontrolle, besonders bei dem Song „To Sleep“. „Es ist alles ein Traum!“, versichert Sängerin / Afropunk-Göttin / Barista Maya Brooks, aber ich weiß nicht. The Ire fühlt sich im Moment so nötig an, so notwendig, so real.

DEMODEX

Ew, eklig, ein Demodex ist eine verdammte Milbe! Diese Band geht unter die Haut, krabbelt und krallt sich mit ihrem Lärm in die Epidermis, exorziert rituell die verkrustete Orthodoxie des regulären Punkrocks mit jedem Akkord, mit jedem stacheligen Schlagzeugschlag und taucht alles in eine zarte, fast hauchdünne Schicht aus Gitarren-Feedback. Das Geschenk der Szene, Nicole Cosentinos Gesang, ist wütend, inspiriert und mitreißend, und verlässt sich nicht einfach auf „oh me, oh my, the pain inside“-ismen, sondern bietet ein Beispiel dafür, wo der Punkrock gewesen ist und hingehen kann. „Disconnection! From reality!“ schmettern sie wie ein smarter Jello Biafra, der den Backkatalog von Crass Records in seinem Heimbüro plündert, in dem Song „False Connections“, einem der bruststärksten Punksongs, die die Stadt je gehört hat. Live sind sie überall, krabbeln über die Bühne und um Instrumente herum, zwischen statischen Zuschauern, nicht unähnlich dem Namensvetter der Band, bereit, in Fleisch zu versinken, nicht um zu vergiften, sondern um zu nähren, um ganz zu machen.

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