Claudio Monteverdi
Retrato de Claudio Monteverdi en Venecia, 1640, por Bernardo Strozzi.
Habiendo tomado el relevo de la ópera de la «camerata» florentina e introducido el método barroco de declamación con acompañamiento de continuo, la enriqueció con una expresividad sin precedentes, y pasó del conjunto renacentista de diversos instrumentos en La Favola d’Orfeo, a una versión temprana del conjunto barroco, en el que se utilizaban categorías específicas de instrumentos para pintar el ambiente.
Monteverdi fue uno de los innovadores más significativos que propiciaron el cambio de estilo. Sus últimos madrigales fueron revolucionarios en cuanto a que se organizaron en partes para voces o instrumentos (estilo concertado); La Favola d’Orfeo se considera la primera ópera dramáticamente viable.
Afortunado por disfrutar de la fama en vida, la vida personal de Monteverdi estuvo marcada por una corta duración de la felicidad en el amor, tanto de niño como de marido, por haber vivido las tragedias de la muerte de su madre y de su esposa a edades tempranas.
Vida personal
Claudio Monteverdi («Monteverdi» significa «montaña verde» en italiano) nació en Cremona, en el norte de Italia. Su madre, Maddalena, murió cuando él tenía nueve años. Su padre tomó entonces una segunda esposa, que murió cuando Monteverdi tenía 16 años. Al año siguiente, su padre se casó por tercera vez. El padre de Monteverdi era un químico que ejercía la medicina en secreto en una época en la que se consideraba una actividad ilegal (en aquella época la medicina era un acto ilegal que se solía realizar subrepticiamente desde pequeñas tiendas o puestos). Poco después de su tercer matrimonio, las autoridades avalaron finalmente su labor médica.
De niño, fue corista y estudió música con Marc Antonio Ingegneri, que era maestro di cappella de la catedral de Cremona. Como no hay constancia de que cantara en el coro de la catedral, se supone que las clases de música eran privadas.
Niño prodigio, Monteverdi produjo su primera música para publicar -algunos motetes (una composición polifónica normalmente en tres partes, cada una de ellas cantada a una velocidad diferente y con palabras distintas)- y madrigales sagrados -el principal género de la música profana italiana en el siglo XVI- alrededor de los quince años. A los veinte años compuso su primer libro de madrigales profanos, y poco después empezó a buscar trabajo fuera de su ciudad natal.
En 1590 le llegó una oferta de trabajo de la corte del duque Vincenzo I de Gonzaga en Mantua, donde Monteverdi empezó a trabajar como vocalista y violista, y en 1602 fue ascendido a director de orquesta. La familia Gonzaga estaba bajo la dirección musical de un compositor flamenco, y Monteverdi pronto fue reconocido hasta el punto de formar parte de la corte itinerante del duque en sus expediciones militares por Europa, que llevaron al compositor a las regiones del río Danubio y a Flandes.
Obras
Madrigales
Hasta sus cuarenta años, Monteverdi se centró en los madrigales, componiendo nueve libros de ellos. El Quinto Libro, publicado en 1605, fue el centro de la polémica entre Monteverdi y el famoso reaccionario de la historia de la música, Giovanni Artusi, donde este último atacó las «crudezas» y «licencias» del estilo moderno de componer, centrando sus ataques en los madrigales (entre ellos Cruda Amarilli) del cuarto libro. Monteverdi respondió en la introducción del quinto libro, con una propuesta de división de la práctica musical en dos corrientes: Lo que él llamaba «prima pratica» y «seconda pratica». «Prima pratica» representa el ideal polifónico anterior del siglo XVI, con un contrapunto estricto y fluido, consonancia y disonancia preparadas, e igualdad de voces; «seconda pratica» se basa en un contrapunto mucho más libre con una jerarquía de voces cada vez mayor, destacando la soprano y el bajo. Esto representó un movimiento inconsciente hacia el nuevo estilo de la monodia.
La introducción de una parte instrumental continua en muchos de los madrigales del quinto libro es otra característica autoconsciente de la modernidad. Además, este libro mostró los inicios de la tonalidad funcional consciente.
El Ottavo Libro (Octavo Libro), publicado en 1638, incluye Madrigali dei guerrieri ed amorosi que muchos consideran la perfección de la forma madrigal. En su conjunto, los ocho primeros libros de madrigales muestran la enorme evolución desde la música polifónica renacentista hasta el estilo monódico, con su énfasis en las líneas melódicas claras, el texto inteligible y la plácida música de acompañamiento, que es típico de la música barroca, definida a grandes rasgos como la escrita y popularizada entre los años 1600 y 1750.
El noveno libro de madrigales, publicado póstumamente en 1651, contiene piezas más ligeras, como canzonettas, probablemente compuestas a lo largo de su vida y que representan ambos estilos.
Operas
La ópera fue una transición natural desde la monodia (canto solista), especialmente para el compositor de inclinación dramática que también amaba el gran efecto. En 1607, Monteverdi compuso su primera ópera, La Favola d’Orfeo (o La fábula de Orfeo). En aquella época, era habitual que los compositores crearan obras por encargo para ocasiones especiales, y esta pieza estaba destinada a dar más brillo al carnaval anual de Mantua. No sólo fue un gran éxito, ya que captó de forma elocuente el espíritu de la época, sino que acuñó un nuevo estilo de música, el «dramma per musica» (drama musical). Por ello, las óperas de Monteverdi se suelen calificar de «prebarrocas» o «barrocas tempranas»
La Favola d’Orfeo se caracteriza por su fuerza dramática y su animada orquestación, y podría decirse que es el primer ejemplo de compositor que asigna instrumentos específicos a las partes. La orquesta contaba con unos cuarenta instrumentos, que nunca se utilizaban todos a la vez. En muchos lugares especificó qué instrumentos musicales debían tocar. Esta fue también una de las primeras grandes composiciones en las que la instrumentación exacta del estreno se ha transmitido a lo largo de los años. La partitura incluye una «toccata» introductoria (un movimiento corto en forma de fanfarria que se repite dos veces).
La trama se describe en vívidos cuadros musicales, y las melodías son lineales y claras. El título no incluye el nombre de Eurídice, algo que la mayoría de los compositores que vinieron después hicieron en consonancia con la leyenda de Orfeo. Eurídice en la interpretación de Monteverdi es un mero personaje secundario.
Su siguiente ópera, L’Arianna, siguió en 1608, pero sólo se han conservado algunos fragmentos y un número, el «Lamento». El «Lamento», escrito en estilo recitativo, fue admirado en el siglo XVII como un ejemplo destacado de monodia expresiva, y cuando se cantaba bien, conmovía al público hasta las lágrimas. Monteverdi la arregló más tarde como un madrigal a cinco voces y posteriormente reelaboró la versión original en un texto sagrado.
Vespro della Beata Vergine 1610, (Las Vísperas de la Santísima Virgen 1610) es alabada como la mejor obra de Monteverdi. Se trata de una de sus pocas obras sacras de cierta envergadura, pero sigue siendo hasta hoy uno de los mejores ejemplos de música devocional, sólo igualado por obras como la Missa Papae Marcelli de Palestrina, el Mesías de George Frideric Handel y la Pasión de San Mateo de Johann Sebastian Bach. El alcance de la obra en su conjunto es impresionante: cada una de las 25 partes está plenamente desarrollada tanto en el sentido musical como en el dramático, utilizando las texturas instrumentales para expresar el efecto dramático y emocional de una manera sin precedentes.
Las Vísperas son también uno de los mejores ejemplos de repetición y contraste tempranos, con muchas de las partes que tienen un claro ritornello (un par de líneas adicionales que siguen al final de la estrofa). El ritornello era algo totalmente nuevo para el público de la época y se convirtió en una sensación inmediata.
La ópera antes de Monteverdi
Durante la segunda mitad del siglo XVI, muchos músicos y poetas se reunían en las casas de dos nobles florentinos, Giovanni de Bardi y Jacopo Corsi, y recibían el apodo de la «camerata», que significa club o coterie.
En aquella época no había teatros de ópera. Los artistas se esforzaban por revivir las antiguas tragedias griegas y representarlas lo más cerca posible del estilo original. Sabían que se habían cantado coros, pero no qué tipo de música habían empleado los griegos. Contaron con la ayuda de Jacopo Peri, cuya Dafne (1597) se considera la primera ópera, aunque no sobrevivió. Peri diseñó un marco que permitía un «discurso-canción», un intermedio entre el cambio continuo de tono en el discurso y el movimiento en el canto, que respondía a las exigencias de la poesía dramática. La influencia de la ‘camerata es perceptible en la obra de Monteverdi.
Monteverdi tomó este enfoque rudimentario y le dio la vuelta con, posiblemente, la primera ópera verdadera, «L’Orfeo». Su revolucionario debut desafió todas las convenciones musicales existentes.
Para enfatizar las amplias emociones de sus personajes, Monteverdi sometió la tradicional estructura polifónica del Renacimiento, en la que todos los elementos vocales se proyectaban por igual. En su lugar, colocó las palabras y las emociones en primer plano. En este sentido, el enfoque operístico de Monteverdi también se asemeja a la canción moderna, con su uso de una sola línea melódica prominente y un acompañamiento de acordes para el color y el fondo. Explotó la dinámica y la disonancia para transmitir la emoción humana de forma que deslumbró al público y desconcertó a los críticos conservadores. Monteverdi ha sido descrito como el primero en «crear ópera a partir de personajes que viven, respiran, aman y odian»
A principios del siglo XVII, varios estilos de monodia se abrieron paso tanto en la música profana como en la sacra. La monodia hizo posible el teatro musical, al ser un medio que podía transmitir tanto el diálogo como la expresión dramática en la música.
Años posteriores
En 1613, Monteverdi fue nombrado director de San Marcos de Venecia (San Marco di Venezia), donde pronto restauró el nivel musical tanto del coro como de los instrumentistas, que se había marchitado bajo la mala gestión financiera de su predecesor, Giulio Cesare Martinengo. Los gestores de la basílica se sintieron aliviados al contar con un músico tan distinguido para ocupar el puesto, donde la música había estado en declive desde la muerte de uno de sus predecesores, Giovanni Croce, en 1609.
Mientras estaba en Venecia, Monteverdi también terminó sus libros sexto, séptimo y octavo de madrigales. El octavo es el más extenso, ya que contiene obras escritas a lo largo de un período de treinta años, incluyendo la escena dramática «Tancredi e Clorinda» (1624), en la que la orquesta y las voces forman dos entidades separadas, actuando como contrapartes. Es probable que Monteverdi se inspirara en esta disposición debido a los dos balcones opuestos de San Marcos, que habían inspirado mucha música similar de compositores locales, por ejemplo, Gabrieli. Esta composición marcó el primer uso del «trémolo» de las cuerdas (repetición rápida de un mismo tono) y del «pizzicato» (pulsar las cuerdas con los dedos) para conseguir un efecto especial en las escenas dramáticas.
Tras la muerte de su esposa, Monteverdi, aquejado por la pobreza, el exceso de trabajo y la enfermedad, tomó las órdenes sagradas y se ordenó sacerdote católico en 1632. Algunas fuentes atribuyen este paso al brote de peste del año anterior, del que salió ileso. Probablemente se habría alejado de la atención del público de no ser por la apertura en Venecia del primer teatro de ópera público en 1637, que despertó de nuevo su interés por este género. Así, hacia el final de su vida, compuso su primera ópera en casi una década, Adone.
Las dos últimas obras fueron la ópera Il ritorno d’Ulisse in patria (El regreso de Ulises), y la ópera histórica L’incoronazione di Poppea (La coronación de Popea), basada en la vida del emperador romano Nerón. L’incoronazione, especialmente, se considera un punto culminante de la obra de Monteverdi y una obra maestra de la ópera. Se distingue por las escenas trágicas, románticas y cómicas, que eran un elemento novedoso en la ópera, una representación más realista de los personajes, las pasiones y una melodía más cálida que la característica de la época. Requería una orquesta más pequeña y tenía un papel menos destacado para el coro. Desarrolló aún más las técnicas utilizadas en La Favola d’Orfeo y presentó personajes reconocibles como humanos en lugar de simbólicos.
Monteverdi murió en Venecia y fue enterrado en una vasta basílica gótica, la Frari, en una tumba en el centro de la iglesia cerca del pintor veneciano Tiziano.
Legado
A lo largo del siglo XVII se enfrentaron dos enfoques distintos, el «stile antico» (estilo antiguo), ejemplificado por Palestrina, y el «stile moderno» (estilo moderno). Sin embargo, Monteverdi escribió en ambos con igual maestría. Vivió y trabajó en un periodo de cambio, cuando el Renacimiento tardío daba paso al Barroco, y fomentó esta transición desarrollando y transformando todos los aspectos de la música con los que entraba en contacto.
Fue el primer compositor que escribió óperas plenamente consciente del potencial artístico de este género músico-dramático, que un público moderno puede escuchar con aprecio. Tomó los medios primitivos ideados por la «camerata» y Peri y los enriqueció con imaginación, fuerza dramática y riqueza creativa. Transformó el «stile rappresentative», o recitativo, en una melodía rica, fluida y variada, con una línea más larga y una mayor continuidad. En comparación con el vocabulario y los métodos arcaicos de Peri, que apenas podían revolucionarse, sus óperas representaban un nuevo arte. Utilizó el ritmo, las discordias, los colores instrumentales y los cambios de tonalidad para proyectar la acción dramática, interpretar a los personajes o proyectar estados de ánimo y emociones de una manera desconocida antes o durante su época. Ideó técnicas instrumentales para crear el tipo de agitación, pasión o intensidad emocional («stile concitato») que necesitaban sus dramas, como el pizzicato y el trémolo. Fue el primero en comprender el papel de la orquesta en una ópera, al darse cuenta de que los instrumentos de viento y la percusión eran buenos para proyectar estados de ánimo militares, las flautas para las escenas pastorales y las violas y los laúdes para los episodios sentimentales. Ningún compositor antes de él había utilizado estas herramientas para pintar el ambiente y la caracterización, por lo que llegó a ser conocido como «el profeta de la ópera» (Hale Publishing, 1966, 36).
En los madrigales, Monteverdi introdujo los acompañamientos instrumentales y explotó al máximo las posibilidades dramáticas del medio. Empleó la música como una característica integral de la obra, en lugar de una mera decoración.
Monteverdi demostró ser un inventor y un compositor audaz. Su música siguió las tendencias modernas y, al igual que su colega de Venecia, Darío Castello, siguió un enfoque inventivo de la composición musical. Aunque sus invenciones y el tratamiento de la armonía y el contrapunto fueron aceptados e incluso alabados por el público, no siempre fue elogiado por ellos por sus colegas.
Conocido por tener un temperamento fuerte y excitante, por tener «fuego en la sangre», su música, llena de emoción, armonías fastuosas y tempos exuberantes lo reflejaba. Considerado un compositor «moderno», al mismo tiempo sabía «rendir respeto» a la generación anterior y a sus principios tradicionales. Publicó dos piezas completamente diferentes en la misma colección -Missa in illo tempore y Vespro della Beata Vergine-, demostrando una vez más ser el «verdadero maestro» -el maestro de la música-, al utilizar una combinación de estilos muy diferentes y emplear su magia para unificarlos, manteniendo sus características individuales. Tantas ideas combinadas armoniosamente sólo podía hacerlas un genio como él, una persona con audacia y visión.
Composiciones
Monteverdi compuso unas 40 óperas, de las que sólo se conservan L’Orfeo, L’incoronazione di Poppea, Il ritorno y la famosa aria «Lamento» de su segunda ópera L’Arianna:
- La Favola d’Orfeo, 1607
- L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
- Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
- L’incoronazione di Poppea, 1642
- Vespro della Beata Vergine, 1610
- Selva Morale e Spirituale, 1640
- Madrigali Guirreri et Amorosi
- Scherzi musicali, 1607
- Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624
- Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata
- Lamento della Ninfa «Amor»
- Stanley, Classical Music: Una introducción a la música clásica a través de los grandes compositores y sus obras maestras (1994).
- Chris Whent, Here of a Sunday Morning. Recuperado el 21 de febrero de 2008.
- Jan Swafford, National Public Radio. Recuperado el 21 de febrero de 2008.
- Predrag Gosta Gosta, Sitio de la Universidad Estatal de Georgia. Recuperado el 21 de febrero de 2008.
- Partituras gratuitas de Claudio Monteverdi en el Archivo Musical Werner Icking.
- Biografía breve de Claudio Monteverdi.
- Hitos del Milenio National Public Radio.
- Historia de Claudio Monteverdi
- Historia de «Claudio Monteverdi»
Otras obras incluyen madrigales, composiciones seculares y sacras:
Notas
Todos los enlaces recuperados el 24 de febrero de 2017.
Créditos
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