Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (15 mai 1567 (baptisé) – 29 novembre 1643) est un compositeur, violoniste et chanteur italien considéré comme une figure cruciale de l’histoire de la musique. Son œuvre a jeté un pont entre l' »ancienne pratique » et la « nouvelle pratique » et a ainsi permis la transition entre la musique de la Renaissance et la musique baroque. Au cours de sa longue vie, il a produit huit livres de madrigaux et quarante opéras, que l’on peut classer dans l’ancienne et la nouvelle catégorie, et il connaissait bien les deux.

Ayant repris l’opéra de la « camerata » florentine et introduit la méthode baroque de la déclamation avec accompagnement au continuo, il l’a enrichi d’une expressivité sans précédent, et est passé de l’ensemble Renaissance d’instruments divers dans La Favola d’Orfeo, à une version précoce de l’ensemble baroque, où des catégories spécifiques d’instruments étaient utilisées pour la peinture d’ambiance.

Monteverdi a été l’un des innovateurs les plus significatifs qui ont provoqué ce changement de style. Ses madrigaux ultérieurs étaient révolutionnaires en ce qu’ils étaient arrangés en parties pour les voix ou les instruments (style concerté) ; La Favola d’Orfeo est considéré comme le premier opéra dramatiquement viable.

Ayant la chance de jouir de la célébrité de son vivant, la vie personnelle de Monteverdi a été marquée par une courte durée de bonheur amoureux, à la fois comme enfant et comme mari, par le fait d’avoir connu les tragédies de la mort de sa mère et de sa femme à des âges jeunes.

Vie personnelle

Claudio Monteverdi (« Monteverdi » signifiant « montagne verte » en italien) est né à Crémone, dans le nord de l’Italie. Sa mère, Maddalena, meurt alors qu’il a neuf ans. Son père prend alors une seconde épouse, qui meurt lorsque Monteverdi a 16 ans. L’année suivante, son père se marie pour la troisième fois. Le père de Monteverdi était un chimiste qui pratiquait en fait la médecine en secret à une époque où cette activité était considérée comme illégale (à cette époque, la médecine était un acte illégal généralement pratiqué subrepticement dans de petites boutiques ou échoppes). Peu après son troisième mariage, les autorités ont finalement avalisé son travail médical.

Enfant, il a servi comme choriste et a étudié la musique avec Marc Antonio Ingegneri, qui était maestro di cappella à la cathédrale de Crémone. Comme il n’existe aucune trace de son chant dans le chœur de la cathédrale, on suppose que les leçons de musique étaient privées.

Enfant prodige, Monteverdi a produit sa première musique destinée à être publiée – quelques motets (une composition polyphonique généralement en trois parties, chacune chantée à une vitesse différente et utilisant des mots différents) et des madrigaux sacrés – le genre majeur de la musique profane italienne au XVIe siècle – vers l’âge de quinze ans. À l’âge de vingt ans, il compose son premier livre de madrigaux profanes, et peu après, il commence à chercher du travail en dehors de sa ville natale.

Une offre d’emploi arrive en 1590 de la cour du duc Vincenzo Ier de Gonzague à Mantoue, où Monteverdi commence à travailler comme vocaliste et altiste, et en 1602, il est promu chef d’orchestre. La famille Gonzague était sous la direction musicale d’un compositeur flamand, et Monteverdi fut rapidement reconnu au point de faire partie de la cour itinérante du duc lors de ses expéditions militaires en Europe, ce qui amena le compositeur dans les régions du Danube et en Flandre.

Ouvrages

Madrigaux

Jusqu’à son quarantième anniversaire, Monteverdi se concentra sur les madrigaux, en composant neuf livres. Le Quinto Libro (cinquième livre), publié en 1605, est au cœur de la controverse entre Monteverdi et le célèbre réactionnaire de l’histoire de la musique, Giovanni Artusi, où ce dernier s’en prend aux « crudités » et à la « licence » du style de composition moderne, centrant ses attaques sur les madrigaux (dont Cruda Amarilli) du quatrième livre. Monteverdi répliqua dans l’introduction du cinquième livre, avec une proposition de division de la pratique musicale en deux courants : Ce qu’il appelle « prima pratica », et « seconda pratica ». « Prima pratica » représente l’idéal polyphonique précédent du XVIe siècle, avec un contrepoint strict et fluide, des consonances et dissonances préparées, et l’égalité des voix ; « seconda pratica » est basée sur un contrepoint beaucoup plus libre avec une hiérarchie croissante des voix, mettant l’accent sur le soprano et la basse. Cela représentait un mouvement inconscient vers le nouveau style de monodie.

L’introduction d’une partie instrumentale de continuo dans de nombreux madrigaux du cinquième livre est une autre caractéristique moderne consciente. En outre, ce livre a montré les débuts de la tonalité fonctionnelle consciente.

L’Ottavo Libro (huitième livre), publié en 1638, comprend Madrigali dei guerrieri ed amorosi que beaucoup considèrent comme la perfection de la forme madrigal. Dans leur ensemble, les huit premiers livres de madrigaux montrent l’énorme évolution de la musique polyphonique de la Renaissance vers le style monodique, avec son accent sur les lignes mélodiques claires, le texte intelligible et la musique d’accompagnement placide, qui est typique de la musique baroque, définie grossièrement comme celle écrite et popularisée entre les années 1600 et 1750.

Le neuvième livre de madrigaux, publié à titre posthume en 1651, contient des pièces plus légères, telles que des canzonettas, probablement composées tout au long de sa vie et représentant les deux styles.

Opéra

L’opéra était une transition naturelle de la monodie (chant solo), en particulier pour le compositeur enclin au drame qui aimait aussi les grands effets. En 1607, Monteverdi a composé son premier opéra, La Favola d’Orfeo (ou La Fable d’Orphée). À l’époque, il était courant que les compositeurs créent des œuvres à la demande pour des occasions spéciales, et cette pièce était destinée à donner du lustre au carnaval annuel de Mantoue. Non seulement cette œuvre a connu un grand succès, capturant avec éloquence l’esprit de l’époque, mais elle a donné naissance à un nouveau style de musique, le « dramma per musica » (drame musical). C’est la raison pour laquelle les opéras de Monteverdi sont généralement qualifiés de « pré-baroques » ou de « premiers baroques ».

La Favola d’Orfeo est marquée par sa puissance dramatique et son orchestration vivante, et constitue sans doute le premier exemple d’un compositeur assignant des instruments spécifiques à des parties. L’orchestre comptait environ quarante instruments, jamais utilisés tous en même temps. À de nombreux endroits, il a précisé quels instruments devaient jouer. C’est également l’une des premières grandes compositions dont l’instrumentation exacte de la première a été transmise au fil des ans. La partition comprend une « toccata » d’introduction (un court mouvement de type fanfare répété deux fois).

L’intrigue est décrite dans des images musicales vivantes, et les mélodies sont linéaires et claires. Le titre ne comportait pas le nom d’Eurydice, ce que la plupart des compositeurs qui lui ont succédé ont fait en respectant la légende d’Orphée. Eurydice, dans l’interprétation de Monteverdi, n’est qu’un personnage secondaire.

Son opéra suivant, L’Arianna, suivit en 1608, mais seuls quelques fragments et un numéro, la « Lamentation » (Lamento), ont été conservés. La « Lamentation », écrite dans un style récitatif, était admirée au XVIIe siècle comme un exemple éminent de monodie expressive, et lorsqu’elle était bien chantée, elle émouvait le public jusqu’aux larmes. Monteverdi l’a arrangé plus tard comme un madrigal à cinq voix et a ensuite retravaillé la version originale pour en faire un texte sacré.

Vespro della Beata Vergine 1610, (Les vêpres de la Sainte Vierge 1610) est louée comme la plus grande pièce de Monteverdi. C’était l’une de ses rares œuvres sacrées de quelque envergure, mais elle reste à ce jour l’un des meilleurs exemples de musique de dévotion, n’ayant d’égal que des œuvres telles que la Missa Papae Marcelli de Palestrina, le Messie de George Frideric Handel et la Passion selon saint Matthieu de Jean-Sébastien Bach. L’ampleur de l’œuvre dans son ensemble est à couper le souffle – chacune des 25 parties est pleinement développée tant sur le plan musical que dramatique, utilisant les textures instrumentales pour exprimer l’effet dramatique et émotionnel d’une manière sans précédent.

Les Vêpres sont également l’un des meilleurs exemples de répétition et de contraste précoces, avec de nombreuses parties comportant une ritournelle claire (une paire de lignes supplémentaires suivant la fin de la strophe). La ritournelle était quelque chose d’entièrement nouveau pour le public de l’époque et fit immédiatement sensation.

L’opéra avant Monteverdi

Durant la seconde moitié du XVIe siècle, de nombreux musiciens et poètes se réunissaient dans les maisons de deux nobles florentins, Giovanni de Bardi et Jacopo Corsi, et étaient surnommés la « camerata », qui signifie club, ou coterie.

Il n’y avait pas de maisons d’opéra à cette époque. Les artistes s’efforçaient de faire revivre les anciennes tragédies grecques et de les interpréter le plus fidèlement possible dans le style original. Ils savaient que des chœurs avaient été chantés mais pas quel type de musique les Grecs avaient employé. Ils ont été aidés par Jacopo Peri, dont le Dafne (1597) est considéré comme le premier opéra, bien qu’il n’ait pas survécu. Peri a conçu un cadre qui permettait un « discours-chanson », intermédiaire entre le changement continu de hauteur de la parole et le mouvement du chant, qui répondait aux exigences de la poésie dramatique. L’influence de la ‘camerata est perceptible dans l’œuvre de Monteverdi.

Monteverdi a repris cette approche rudimentaire et l’a bouleversée avec, sans doute, le premier véritable opéra, « L’Orfeo ». Ses débuts révolutionnaires ont défié toutes les conventions musicales existantes.

Pour mettre en valeur les émotions très variées de ses personnages, Monteverdi a atténué la structure polyphonique traditionnelle de la Renaissance, dans laquelle tous les éléments vocaux étaient projetés de manière égale. Au lieu de cela, il a placé les mots et les émotions au premier plan. En ce sens, l’approche de l’opéra de Monteverdi ressemble aussi à la chanson moderne, avec son utilisation d’une seule ligne mélodique dominante et d’un accompagnement d’accords pour la couleur et le fond. Il a exploité la dynamique et la dissonance pour transmettre l’émotion humaine d’une manière qui a ébloui le public et déconcerté les critiques conservateurs. Monteverdi a été décrit comme le premier à « créer un opéra à partir de personnages qui vivent, respirent, aiment et détestent. »

Au début du XVIIe siècle, divers styles de monodie ont fait leur chemin dans la musique profane et sacrée. La monodie a rendu possible le théâtre musical, étant un médium qui pouvait transmettre à la fois le dialogue et l’expression dramatique en musique.

Les dernières années

En 1613, Monteverdi a été nommé au poste de chef d’orchestre à San Marco à Venise (San Marco di Venezia), où il a rapidement restauré les normes musicales du chœur et des instrumentistes, qui s’étaient flétries sous la mauvaise gestion financière de son prédécesseur, Giulio Cesare Martinengo. Les gestionnaires de la basilique sont soulagés d’avoir un musicien aussi distingué pour prendre le poste, où la musique était en déclin depuis la mort de l’un de ses prédécesseurs, Giovanni Croce, en 1609.

Pendant son séjour à Venise, Monteverdi termine également ses sixième, septième et huitième livres de madrigaux. Le huitième est le plus important, contenant des œuvres écrites sur une période de trente ans, notamment la scène dramatique « Tancredi e Clorinda » (1624), dans laquelle l’orchestre et les voix forment deux entités distinctes, agissant comme des contreparties. Il est probable que Monteverdi ait eu envie d’essayer cet arrangement en raison des deux balcons opposés de San Marco, qui avaient inspiré beaucoup de musique similaire à des compositeurs locaux, par exemple Gabrieli. Cette composition marque la première utilisation du « tremolo » des cordes (répétition rapide du même ton) et du « pizzicato » (pincement des cordes avec les doigts) pour un effet spécial dans les scènes dramatiques.

Après la mort de sa femme, Monteverdi, souffrant de la pauvreté, du surmenage et de la maladie, prend les ordres et est ordonné prêtre catholique en 1632. Certaines sources attribuent cette démarche à l’épidémie de peste de l’année précédente, dont il est sorti indemne. Il se serait probablement éloigné de l’attention du public si l’ouverture à Venise du premier opéra public en 1637 n’avait pas relancé son intérêt pour ce genre. Ainsi, vers la fin de sa vie, il compose son premier opéra depuis près de dix ans, Adone.

Les deux dernières œuvres sont l’opéra Il ritorno d’Ulisse in patria (Le retour d’Ulysse), et l’opéra historique L’incoronazione di Poppea (Le couronnement de Poppée), basé sur la vie de l’empereur romain Néron. L’incoronazione, en particulier, est considéré comme le point culminant de l’œuvre de Monteverdi et comme un chef-d’œuvre de l’opéra. Il se distingue par des scènes tragiques, romantiques et comiques, ce qui était un élément nouveau dans l’opéra, une représentation plus réaliste des personnages et des passions, et une mélodie plus chaude que celle qui était caractéristique de l’époque. Il nécessitait un orchestre plus petit et le rôle du chœur était moins important. Il développait davantage les techniques utilisées dans La Favola d’Orfeo et mettait en scène des personnages reconnaissables comme humains plutôt que symboliques.

Monteverdi mourut à Venise et fut enterré dans une vaste basilique gothique, le Frari, dans une tombe au centre de l’église près du peintre vénitien Titien.

Légatrimoine

Tout au long du XVIIe siècle, deux approches distinctes, le « stile antico » (style ancien), illustré par Palestrina, et le « stile moderno » (style moderne), s’affrontent. Cependant, Monteverdi a écrit dans les deux styles avec une égale maîtrise. Il a vécu et travaillé dans une période de changement, alors que la Renaissance tardive cédait la place au Baroque, et a encouragé cette transition en développant et en transformant tous les aspects de la musique avec lesquels il était en contact.

Il fut le premier compositeur à écrire des opéras pleinement conscients du potentiel artistique de ce genre musico-dramatique, qu’un public moderne peut écouter avec appréciation. Il prit les moyens primitifs imaginés par la « camerata » et Peri et les enrichit d’imagination, de force dramatique et de richesse créative. Il a transformé le « stile rappresentative », ou récitatif, en une mélodie riche, fluide et variée, avec une ligne plus longue et plus continue. Par rapport au vocabulaire et aux méthodes archaïques de Peri, qui ne pouvaient guère être révolutionnés, ses opéras représentaient un art nouveau. Il a utilisé le rythme, les discordes, les couleurs instrumentales et les changements de tonalité pour projeter l’action dramatique, interpréter les personnages ou projeter des humeurs et des émotions d’une manière inconnue avant ou pendant son temps. Il a conçu des techniques instrumentales pour créer le type d’agitation, de passion ou d’intensité émotionnelle (« stile concitato ») dont ses drames avaient besoin, comme le pizzicato et le tremolo. Il a été le premier à comprendre le rôle de l’orchestre dans un opéra, réalisant que les instruments à vent et les percussions étaient bons pour projeter des humeurs militaires, les flûtes pour les scènes pastorales, et les altos et les luths pour les épisodes sentimentaux. Aucun compositeur avant lui n’avait utilisé ces outils pour la peinture d’ambiance et la caractérisation, c’est pourquoi il a été connu comme le  » prophète de l’opéra  » (Hale Publishing, 1966, 36).

Dans les madrigaux, Monteverdi a introduit des accompagnements instrumentaux et a exploité au maximum les possibilités dramatiques du médium. Il employa la musique comme une caractéristique intégrale de l’œuvre, plutôt que comme une simple décoration.

Monteverdi se révéla être un inventeur et un compositeur audacieux. Sa musique suivait les tendances modernes et, comme son collègue de Venise, Dario Castello, il suivait une approche inventive de la composition musicale. Si ses inventions et son traitement de l’harmonie et du contrepoint étaient acceptés et même loués par le public, il n’était pas toujours complimenté pour cela par ses collègues.

Connu comme ayant un tempérament fort et excitant, ayant « le feu dans le sang », sa musique, pleine d’excitation, d’harmonies somptueuses et de tempos exubérants reflétait cela. Considéré comme un compositeur « moderne », il savait en même temps « respecter » l’ancienne génération et ses principes traditionnels. Il a publié deux pièces complètement différentes dans le même recueil – Missa in illo tempore et Vespro della Beata Vergine – prouvant une fois de plus qu’il était le « vrai maestro » – le maître de la musique – en utilisant une combinaison de styles très différents et en faisant preuve d’une grande habileté pour les unifier, tout en conservant leurs caractéristiques individuelles. Tant d’idées combinées harmonieusement ensemble ne pouvaient être réalisées que par un génie tel que lui – une personne audacieuse et visionnaire.

Compositions

Monteverdi a composé une quarantaine d’opéras, dont seuls L’Orfeo, L’incoronazione di Poppea, Il ritorno et le célèbre air « Lamento » de son deuxième opéra L’Arianna ont survécu :

• La Favola d’Orfeo, 1607
• L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
• Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
• L’incoronazione di Poppea, 1642

Les autres œuvres comprennent des madrigaux, des compositions profanes et sacrées :

• Vespro della Beata Vergine, 1610
• Selva Morale e Spirituale, 1640
• Madrigali Guirreri et Amorosi
• Scherzi musicali, 1607
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624
• Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata
• Lamento della Ninfa « Amor »

Notes

Tous les liens ont été récupérés le 24 février 2017.

• Partitions gratuites de Claudio Monteverdi dans les archives musicales de Werner Icking.
• Courte biographie de Claudio Monteverdi.
• Jalons du millénaire National Public Radio.

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