Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (15 maggio 1567 (battezzato) – 29 novembre 1643) è stato un compositore, violinista e cantante italiano considerato una figura cruciale nella storia della musica. La sua opera fece da ponte tra la “vecchia pratica” e la “nuova pratica” e, quindi, permise il passaggio dalla musica rinascimentale a quella barocca. Durante la sua lunga vita, produsse otto libri di madrigali e quaranta opere, che possono essere classificate sia nella categoria antica che in quella nuova, ed era ben versato in entrambe.

Dopo aver rilevato l’opera dalla “camerata” fiorentina e aver introdotto il metodo barocco della declamazione con accompagnamento continuo, la arricchì di un’espressività senza precedenti, e passò dall’ensemble rinascimentale di strumenti diversi de La Favola d’Orfeo, a una prima versione dell’ensemble barocco, dove categorie specifiche di strumenti venivano usate per la pittura d’atmosfera.

Monteverdi fu uno degli innovatori più significativi che portarono al cambiamento di stile. I suoi ultimi madrigali furono rivoluzionari in quanto arrangiati in parti per voci o strumenti (stile concertato); La Favola d’Orfeo è considerata la prima opera drammaticamente praticabile.

Fortunato abbastanza da godere di fama durante la sua vita, la vita personale di Monteverdi fu segnata da una breve durata di felicità in amore, sia come figlio che come marito, avendo vissuto le tragedie di sua madre e di sua moglie che morirono in giovane età.

Vita personale

Claudio Monteverdi (“Monteverdi” significa “montagna verde” in italiano) nacque a Cremona nel nord Italia. Sua madre, Maddalena, morì quando lui aveva nove anni. Suo padre prese allora una seconda moglie, che morì quando Monteverdi aveva 16 anni. L’anno seguente suo padre si sposò per la terza volta. Il padre di Monteverdi era un chimico che in realtà praticava la medicina segretamente in un’epoca in cui era considerata un’attività illegale (a quel tempo la medicina era un atto illegale di solito intrapreso surrettiziamente da piccoli negozi o bancarelle). Poco dopo il suo terzo matrimonio, le autorità finalmente approvarono il suo lavoro medico.

Da bambino, servì come corista e studiò musica sotto Marc Antonio Ingegneri, che era maestro di cappella alla cattedrale di Cremona. Poiché non c’è traccia di lui che canti nel coro della cattedrale, si presume che le lezioni di musica fossero private.

Un bambino prodigio, Monteverdi produsse la sua prima musica per la pubblicazione – alcuni mottetti (una composizione polifonica di solito in tre parti, ognuna cantata ad una velocità diversa e usando parole diverse) e madrigali sacri – il genere principale della musica profana italiana nel XVI secolo, intorno all’età di quindici anni. A vent’anni compose il suo primo libro di madrigali profani, e poco dopo iniziò a cercare lavoro fuori dalla sua città natale.

Un’offerta di lavoro arrivò nel 1590 dalla corte del duca Vincenzo I di Gonzaga a Mantova, dove Monteverdi iniziò a lavorare come vocalista e suonatore di viola, e dal 1602, fu promosso a direttore d’orchestra. La famiglia Gonzaga era sotto la guida musicale di un compositore fiammingo, e Monteverdi divenne presto riconosciuto al punto che fu fatto parte della corte itinerante del Duca nelle sue spedizioni militari in Europa, che portarono il compositore nelle regioni del Danubio e nelle Fiandre.

Opere

Madrigali

Fino al suo quarantesimo compleanno, Monteverdi si concentrò sui madrigali, componendone nove libri. Il Quinto Libro, pubblicato nel 1605, fu al centro della polemica tra Monteverdi e il famoso reazionario della storia della musica, Giovanni Artusi, dove quest’ultimo attaccò le “rozzezze” e la “licenza” dello stile moderno di comporre, centrando i suoi attacchi sui madrigali (tra cui Cruda Amarilli) del quarto libro. Monteverdi fece la sua risposta nell’introduzione al quinto libro, con una proposta di divisione della pratica musicale in due correnti: Quella che lui chiamava “prima pratica” e “seconda pratica”. La “prima pratica” sta per il precedente ideale polifonico del XVI secolo, con un rigoroso contrappunto fluente, consonanza e dissonanza preparate, e uguaglianza delle voci; la “seconda pratica” si basa su un contrappunto molto più libero con una crescente gerarchia delle voci, enfatizzando soprano e basso. Questo rappresentava una mossa inconscia verso il nuovo stile della monodia.

L’introduzione di una parte strumentale continua in molti dei madrigali del quinto libro è un’ulteriore caratteristica consapevolmente moderna. Inoltre, questo libro mostrò gli inizi della tonalità funzionale consapevole.

L’Ottavo Libro, pubblicato nel 1638, include i Madrigali dei guerrieri ed amorosi che molti considerano la perfezione della forma madrigalistica. Nel complesso, i primi otto libri di madrigali mostrano l’enorme sviluppo dalla musica polifonica rinascimentale allo stile monodico, con la sua enfasi su chiare linee melodiche, testo comprensibile e placida musica di accompagnamento, che è tipico della musica barocca, definita approssimativamente come quella scritta e resa popolare tra gli anni 1600 e 1750.

Il nono libro di madrigali, pubblicato postumo nel 1651, contiene pezzi più leggeri, come le canzonette, probabilmente composti durante la sua vita e che rappresentano entrambi gli stili.

Opera

L’opera era una transizione naturale dalla monodia (canto solista), specialmente per il compositore di inclinazione drammatica che amava anche il grande effetto. Nel 1607, Monteverdi compose la sua prima opera, La Favola d’Orfeo (o La Favola di Orfeo). Era comune a quel tempo per i compositori creare opere su richiesta per occasioni speciali, e questo pezzo era destinato ad aggiungere un po’ di lustro al carnevale annuale di Mantova. Non solo fu un grande successo, catturando eloquentemente lo spirito dei tempi, ma coniò un nuovo stile di musica, il “dramma per musica”. Questo è il motivo per cui le opere di Monteverdi sono solitamente etichettate come “pre-barocche” o “primo-barocche”.

La Favola d’Orfeo è caratterizzata dalla sua potenza drammatica e dalla vivace orchestrazione, ed è probabilmente il primo esempio di un compositore che assegna strumenti specifici alle parti. L’orchestra contava circa quaranta strumenti, mai usati tutti insieme. In molti punti specificò quali strumenti musicali dovevano suonare. Questa fu anche una delle prime grandi composizioni in cui l’esatta strumentazione della prima è stata tramandata negli anni. La partitura include una “toccata” introduttiva (un breve movimento simile a una fanfara ripetuta due volte).

La trama è descritta in vivide immagini musicali, e le melodie sono lineari e chiare. Il titolo non include il nome di Euridice, cosa che la maggior parte dei compositori venuti dopo di lui hanno fatto in linea con la leggenda di Orfeo. Eurydice nell’interpretazione di Monteverdi è solo un personaggio secondario.

La sua opera successiva, L’Arianna, seguì nel 1608, ma solo alcuni frammenti e un numero, il “Lamento”, sono stati conservati. Il “Lamento”, scritto in stile recitativo, era ammirato nel XVII secolo come un esempio di monodia espressiva, e quando era cantato bene, commuoveva il pubblico fino alle lacrime. Monteverdi lo arrangiò più tardi come madrigale a cinque parti e successivamente rielaborò la versione originale in un testo sacro.

Vespro della Beata Vergine 1610, (I Vespri della Beata Vergine 1610) è lodato come il più grande pezzo di Monteverdi. Questa fu una delle sue poche opere sacre di qualsiasi portata, ma rimane ancora oggi uno dei migliori esempi di musica devozionale, eguagliato solo da opere come la Missa Papae Marcelli di Palestrina, il Messiah di George Frideric Handel e la Passione di San Matteo di Johann Sebastian Bach. La portata dell’opera nel suo complesso è mozzafiato – ognuna delle 25 parti è pienamente sviluppata sia in senso musicale che drammatico, usando le strutture strumentali per esprimere un effetto drammatico ed emotivo in un modo senza precedenti.

I Vespri sono anche uno dei migliori esempi di ripetizione e contrasto precoci, con molte delle parti che hanno un chiaro ritornello (una coppia di linee aggiuntive che seguono la fine della strofa). Il ritornello era qualcosa di completamente nuovo per il pubblico dell’epoca e divenne una sensazione immediata.

L’opera prima di Monteverdi

Nella seconda metà del XVI secolo, molti musicisti e poeti si incontravano nelle case di due nobili fiorentini, Giovanni de Bardi e Jacopo Corsi, ed erano soprannominati la “camerata”, che significa club, o coterie.

A quel tempo non esistevano teatri d’opera. Gli artisti si sforzavano di far rivivere le vecchie tragedie greche e di eseguirle il più vicino possibile allo stile originale. Sapevano che i cori erano stati cantati, ma non sapevano che tipo di musica i greci avevano usato. Furono assistiti da Jacopo Peri, la cui Dafne (1597) è considerata la prima opera, sebbene non sia sopravvissuta. Peri progettò una struttura che permetteva un “discorso-canzone”, un intermedio tra il continuo cambiamento di tono nel discorso e il movimento nel canto, che rispondeva alle esigenze della poesia drammatica. L’influenza della “camerata” è visibile nell’opera di Monteverdi.

Monteverdi prese questo approccio rudimentale e lo capovolse con, probabilmente, la prima vera opera, “L’Orfeo”. Il suo debutto rivoluzionario sfidò tutte le convenzioni musicali esistenti.

Per enfatizzare l’ampia gamma di emozioni dei suoi personaggi, Monteverdi sottomise la tradizionale struttura polifonica del Rinascimento, in cui tutti gli elementi vocali erano proiettati allo stesso modo. Invece, ha messo le parole e le emozioni in primo piano. In questo senso, l’approccio operistico di Monteverdi assomiglia anche alla canzone moderna, con il suo uso di una singola linea melodica prominente e un accompagnamento di accordi per il colore e lo sfondo. Egli sfruttò la dinamica e la dissonanza per trasmettere l’emozione umana in modi che abbagliarono il pubblico e sconcertarono i critici conservatori. Monteverdi è stato descritto come il primo a “creare l’opera da personaggi che vivono, respirano, amano e odiano.”

All’inizio del XVII secolo, vari stili di monodia si fecero strada nella musica sacra e profana. La monodia rese possibile il teatro musicale, essendo un mezzo che poteva trasmettere sia il dialogo che l’espressione drammatica in musica.

Gli anni successivi

Nel 1613, Monteverdi fu nominato direttore d’orchestra a San Marco a Venezia (San Marco di Venezia), dove presto ripristinò gli standard musicali sia del coro che degli strumentisti, che erano appassiti sotto la cattiva gestione finanziaria del suo predecessore, Giulio Cesare Martinengo. I dirigenti della basilica furono sollevati di avere un musicista così distinto a prendere l’incarico, dove la musica era stata in declino dalla morte di uno dei suoi predecessori, Giovanni Croce, nel 1609.

Mentre era a Venezia, Monteverdi finì anche il suo sesto, settimo e ottavo libro di madrigali. L’ottavo è il più grande, e contiene opere scritte in un periodo di trent’anni, compresa la scena drammatica “Tancredi e Clorinda” (1624), in cui l’orchestra e le voci formano due entità separate, agendo come controparti. È probabile che Monteverdi sia stato ispirato a provare questa disposizione a causa dei due balconi opposti in San Marco, che avevano ispirato molta musica simile da compositori locali, per esempio, Gabrieli. Questa composizione segnò il primo uso del “tremolo” degli archi (ripetizione veloce dello stesso tono) e del “pizzicato” (pizzicare le corde con le dita) per un effetto speciale nelle scene drammatiche.

Dopo la morte della moglie, Monteverdi, soffrendo di povertà, superlavoro e malattia, prese gli ordini sacri e fu ordinato sacerdote cattolico nel 1632. Alcune fonti attribuiscono questo passo all’epidemia di peste dell’anno precedente, dalla quale uscì illeso. Probabilmente si sarebbe allontanato dall’attenzione pubblica se non fosse stato per l’apertura a Venezia del primo teatro d’opera pubblico nel 1637, che accese nuovamente il suo interesse per questo genere. Così, verso la fine della sua vita, compose la sua prima opera dopo quasi un decennio, Adone.

Gli ultimi due lavori furono l’opera Il ritorno d’Ulisse in patria, e l’opera storica L’incoronazione di Poppea, basata sulla vita dell’imperatore romano Nerone. L’incoronazione, in particolare, è considerata un punto culminante del lavoro di Monteverdi e un capolavoro operistico. Si distingue per le scene tragiche, romantiche e comiche, che erano un elemento nuovo nell’opera, un ritratto più realistico dei personaggi, le passioni, e una melodia più calda di quella caratteristica del periodo. Richiedeva un’orchestra più piccola e aveva un ruolo meno prominente per il coro. Sviluppò ulteriormente le tecniche usate ne La Favola d’Orfeo e presentò personaggi che erano riconoscibilmente umani piuttosto che simbolici.

Monteverdi morì a Venezia e fu sepolto in una vasta basilica gotica, i Frari, in una tomba al centro della chiesa vicino al pittore veneziano Tiziano.

Legacy

Per tutto il XVII secolo si scontrarono due approcci distinti, lo “stile antico”, esemplificato da Palestrina, e lo “stile moderno”. Tuttavia, Monteverdi scrisse in entrambi con uguale maestria. Visse e lavorò in un periodo di cambiamento, mentre il tardo Rinascimento stava cedendo il passo al Barocco, e incoraggiò questa transizione sviluppando e trasformando ogni aspetto della musica con cui entrò in contatto.

Fu il primo compositore a scrivere opere pienamente consapevole del potenziale artistico di questo genere musico-drammatico, che un pubblico moderno può ascoltare con apprezzamento. Prese i mezzi primitivi ideati dalla “camerata” e da Peri e li arricchì di immaginazione, forza drammatica e ricchezza creativa. Trasformò lo “stile rappresentativo”, o recitativo, in una melodia ricca, fluida e varia con una linea più lunga e una maggiore continuità. Rispetto al vocabolario arcaico e ai metodi di Peri, che difficilmente potevano essere rivoluzionati, le sue opere rappresentarono una nuova arte. Usò il ritmo, le discordie, i colori strumentali e i cambiamenti di chiave per proiettare un’azione drammatica, interpretare personaggi o proiettare stati d’animo ed emozioni in un modo sconosciuto prima o durante il suo tempo. Inventò tecniche strumentali per creare il tipo di agitazione, passione o intensità emotiva (“stile concitato”) di cui i suoi drammi avevano bisogno, come il pizzicato e il tremolo. Fu il primo a comprendere il ruolo dell’orchestra in un’opera, rendendosi conto che gli strumenti a fiato e le percussioni erano buoni per proiettare umori militari, i flauti per le scene pastorali, e le viole e i liuti per gli episodi sentimentali. Nessun compositore prima di lui aveva usato questi strumenti per dipingere gli stati d’animo e la caratterizzazione, così, egli venne conosciuto come “il profeta dell’opera” (Hale Publishing, 1966, 36).

Nei madrigali, Monteverdi introdusse gli accompagnamenti strumentali e sfruttò al massimo le possibilità drammatiche del mezzo. Impiegò la musica come una caratteristica integrale dell’opera, piuttosto che come mera decorazione.

Monteverdi dimostrò di essere un inventore e un compositore audace. La sua musica seguiva le tendenze moderne e, come il suo collega di Venezia, Dario Castello, seguiva un approccio inventivo alla composizione musicale. Mentre le sue invenzioni e il suo trattamento dell’armonia e del contrappunto furono accettati e persino lodati dal pubblico, non sempre i suoi colleghi gli fecero i complimenti per questo.

Sapendo di avere un temperamento forte ed eccitante, di avere il “fuoco nel sangue”, la sua musica, piena di eccitazione, armonie sontuose e tempi esuberanti, rifletteva questo. Considerato un compositore “moderno”, allo stesso tempo sapeva “portare rispetto” alla vecchia generazione e ai suoi principi tradizionali. Pubblicò due pezzi completamente diversi nella stessa raccolta – Missa in illo tempore e Vespro della Beata Vergine – dimostrando ancora una volta di essere il “vero maestro” – il maestro della musica, utilizzando una combinazione di stili molto diversi e impiegando la sua magia nell’unificarli, pur mantenendo le loro caratteristiche individuali. Tante idee combinate armoniosamente insieme potevano essere fatte solo da un genio come lui – una persona di audacia e visione.

Composizioni

Monteverdi compose circa 40 opere, di cui solo L’Orfeo, L’incoronazione di Poppea, Il ritorno e la famosa aria “Lamento” dalla sua seconda opera L’Arianna sono sopravvissute:

• La Favola d’Orfeo, 1607
• L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
• Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
• L’incoronazione di Poppea, 1642

Altre opere comprendono madrigali, composizioni profane e sacre:

• Vespro della Beata Vergine, 1610
• Selva Morale e Spirituale, 1640
• Madrigali Guirreri et Amorosi
• Scherzi musicali, 1607
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624
• Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata
• Lamento della Ninfa “Amor”

Note

Tutti i link recuperati il 24 febbraio 2017.

• Spartiti gratuiti di Claudio Monteverdi nel Werner Icking Music Archive.
• Claudio Monteverdi Short Bio.
• Milestones of the Millennium National Public Radio.