Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (15 mei 1567 (gedoopt) – 29 november 1643) was een Italiaanse componist, violist en zanger die wordt beschouwd als een cruciale figuur in de geschiedenis van de muziek. Zijn werk sloeg een brug tussen de “oude praktijk” en de “nieuwe praktijk” en maakte zo de overgang van renaissance- naar barokmuziek mogelijk. Tijdens zijn lange leven produceerde hij acht madrigaalboeken en veertig opera’s, die zowel in de oude als in de nieuwe categorie kunnen worden ondergebracht, en hij was goed thuis in beide.

Hij nam de opera over van de Florentijnse “camerata” en introduceerde de barokke methode van declamatie met continuobegeleiding, hij verrijkte het met een ongekende expressiviteit, en ging van het Renaissance ensemble van diverse instrumenten in La Favola d’Orfeo, naar een vroege versie van het Barok ensemble, waar specifieke categorieën instrumenten werden gebruikt voor stemmingsschildering.

Monteverdi was een van de belangrijkste vernieuwers die de verandering in stijl teweegbrachten. Zijn latere madrigalen waren revolutionair omdat ze werden gearrangeerd in delen voor stemmen of instrumenten (concertante stijl); La Favola d’Orfeo wordt beschouwd als de vroegste dramatisch levensvatbare opera.

Het geluk om tijdens zijn leven roem te genieten, kenmerkte Monteverdi’s persoonlijke leven zich door een kortstondig geluk in de liefde, zowel als kind als echtgenoot, doordat hij de tragedies meemaakte van zowel zijn moeder als zijn vrouw die op jonge leeftijd stierven.

Persoonlijk leven

Claudio Monteverdi (“Monteverdi” betekent “groene berg” in het Italiaans) werd geboren in Cremona in Noord-Italië. Zijn moeder, Maddalena, stierf toen hij negen jaar oud was. Zijn vader nam toen een tweede vrouw, die stierf toen Monteverdi 16 was. Het jaar daarop trouwde zijn vader voor de derde keer. Monteverdi’s vader was een apotheker die in het geheim geneeskunde beoefende in een tijdperk waarin dit als een illegale activiteit werd beschouwd (in die tijd was geneeskunde een illegale activiteit die gewoonlijk heimelijk vanuit kleine winkeltjes of kraampjes werd ondernomen). Kort na zijn derde huwelijk keurden de autoriteiten eindelijk zijn medische werk goed.

Als kind was hij koorknaap en studeerde muziek bij Marc Antonio Ingegneri, die maestro di cappella was aan de kathedraal van Cremona. Aangezien er geen gegevens zijn over hem als zanger in het koor van de kathedraal, wordt aangenomen dat de muzieklessen privé waren.

Als wonderkind produceerde Monteverdi rond zijn vijftiende zijn eerste muziek voor publicatie – enkele motetten (een polyfone compositie meestal in drie delen, elk gezongen in een verschillende snelheid en met verschillende woorden) en gewijde madrigalen – het belangrijkste genre van de Italiaanse wereldlijke muziek in de zestiende eeuw. Op twintigjarige leeftijd componeerde hij zijn eerste boek wereldlijke madrigalen, en kort daarna begon hij werk te zoeken buiten zijn geboortestad.

In 1590 kreeg hij een baan aangeboden aan het hof van hertog Vincenzo I van Gonzaga in Mantua, waar Monteverdi begon te werken als vocalist en altviolist, en in 1602 werd hij gepromoveerd tot dirigent. De Gonzaga familie stond onder de muzikale leiding van een Vlaamse componist, en Monteverdi kreeg al snel zoveel erkenning dat hij deel uitmaakte van het reizende hof van de Hertog op diens militaire expedities in Europa, die de componist naar de streken van de Donau en naar Vlaanderen brachten.

Werken

Madrigalen

Tot zijn veertigste legde Monteverdi zich toe op madrigalen, en componeerde er negen boeken van. Het Quinto Libro (Vijfde Boek), gepubliceerd in 1605, stond centraal in de controverse tussen Monteverdi en de beroemde reactionair in de muziekgeschiedenis, Giovanni Artusi, waarin de laatste de “onbeschoftheid” en “losbandigheid” van de moderne stijl van componeren aanviel, met als zwaartepunt zijn aanvallen op madrigalen (waaronder Cruda Amarilli) uit het vierde boek. Monteverdi gaf zijn antwoord in de inleiding van het vijfde boek, met een voorstel om de muzikale praktijk in twee stromingen te verdelen: Wat hij noemde “prima pratica,” en “seconda pratica.” “Prima pratica” staat voor het vroegere polyfone ideaal van de zestiende eeuw, met vloeiend streng contrapunt, voorbereide consonantie en dissonantie, en gelijkheid van stemmen; “seconda pratica” is gebaseerd op een veel vrijer contrapunt met een toenemende hiërarchie van stemmen, met de nadruk op sopraan en bas. Dit betekende een onbewuste stap in de richting van de nieuwe stijl van monodie.

De introductie van een instrumentale continuopartij in veel van de madrigalen van het vijfde boek is een ander zelfbewust modern kenmerk. Bovendien toont dit boek het begin van een bewuste functionele tonaliteit.

Het Ottavo Libro (Achtste Boek), gepubliceerd in 1638, bevat Madrigali dei guerrieri ed amorosi die door velen worden beschouwd als de perfectie van de madrigaalvorm. Als geheel laten de eerste acht boeken madrigalen de enorme ontwikkeling zien van de polyfone muziek uit de Renaissance naar de monodische stijl, met zijn nadruk op duidelijke melodische lijnen, begrijpelijke tekst en rustige begeleidende muziek, die typerend is voor de Barokmuziek, ruwweg gedefinieerd als de muziek die is geschreven en gepopulariseerd tussen de jaren 1600 en 1750.

Het negende boek madrigalen, postuum gepubliceerd in 1651, bevat lichtere stukken, zoals canzonetto’s, waarschijnlijk gecomponeerd tijdens zijn leven en beide stijlen vertegenwoordigend.

Opera’s

Opera was een natuurlijke overgang van monodie (solozang), vooral voor de dramatisch ingestelde componist die ook van grootse effecten hield. In 1607 componeerde Monteverdi zijn eerste opera, La Favola d’Orfeo (of De fabel van Orpheus). Het was in die tijd gebruikelijk dat componisten op verzoek werken maakten voor speciale gelegenheden, en dit stuk was bedoeld om het jaarlijkse carnaval van Mantua wat luister bij te zetten. Niet alleen was het een groot succes, omdat het de geest van die tijd goed wist te treffen, maar het was ook de eerste in een nieuwe muziekstijl, de “dramma per musica” (muzikaal drama). Daarom worden Monteverdi’s opera’s meestal als “pre-barok” of “vroeg-barok” bestempeld.

La Favola d’Orfeo wordt gekenmerkt door zijn dramatische kracht en levendige orkestratie, en is misschien wel het eerste voorbeeld van een componist die specifieke instrumenten aan partijen toewijst. Het orkest telde ongeveer veertig instrumenten, die nooit allemaal tegelijk werden gebruikt. Op veel plaatsen specificeerde hij welke muziekinstrumenten moesten spelen. Dit was ook een van de eerste grote composities waarin de exacte instrumentatie van de première door de jaren heen is overgeleverd. De partituur bevat een inleidende “toccata” (een korte fanfare-achtige beweging die tweemaal wordt herhaald).

De plot wordt beschreven in levendige muzikale beelden, en de melodieën zijn lineair en duidelijk. In de titel komt de naam Eurydice niet voor, iets wat de meeste componisten die na hem kwamen wel deden in overeenstemming met de Orpheus legende. Eurydice is in Monteverdi’s vertolking slechts een secundair personage.

Zijn volgende opera, L’Arianna, volgde in 1608, maar slechts een paar fragmenten en één nummer, de “Lament” (Lamento), zijn bewaard gebleven. De “Lament”, geschreven in een recitatief stijl, werd bewonderd in de zeventiende eeuw als een voorbeeld van expressieve monodie, en als het goed gezongen werd, bracht het het publiek tot tranen toe. Monteverdi bewerkte het later als een vijfstemmig madrigaal en bewerkte daarna de oorspronkelijke versie tot een gewijde tekst.

Vespro della Beata Vergine 1610, (De Vespers van de Heilige Maagd 1610) wordt geprezen als Monteverdi’s grootste werk. Dit was een van zijn weinige gewijde werken van enige omvang, maar het blijft tot op de dag van vandaag een van de beste voorbeelden van devotionele muziek, alleen geëvenaard door werken als Palestrina’s Missa Papae Marcelli, George Frideric Händels Messiah, en Johann Sebastian Bachs Matthäus Passion. De omvang van het werk als geheel is adembenemend – elk van de 25 delen is volledig ontwikkeld in zowel muzikale als dramatische zin, waarbij instrumentale texturen worden gebruikt om dramatisch en emotioneel effect uit te drukken op een ongekende manier.

De Vespers zijn ook een van de beste voorbeelden van vroege herhaling en contrast, met veel van de delen met een duidelijk ritornello (een extra paar regels na het einde van een strofe). Het ritornello was iets geheel nieuws voor het toenmalige publiek en werd onmiddellijk een sensatie.

Opera vóór Monteverdi

Tijdens de tweede helft van de zestiende eeuw kwamen vele musici en dichters bijeen in de huizen van twee Florentijnse edelen, Giovanni de Bardi en Jacopo Corsi, en kregen de bijnaam “camerata”, wat club, of coterie betekent.

Er waren geen operahuizen in die tijd. De kunstenaars streefden ernaar de oude Griekse tragedies nieuw leven in te blazen en ze zo dicht mogelijk bij de oorspronkelijke stijl uit te voeren. Zij wisten dat er koren waren gezongen, maar niet welke soort muziek de Grieken hadden gebruikt. Zij werden bijgestaan door Jacopo Peri, wiens Dafne (1597) als de eerste opera wordt beschouwd, hoewel deze niet bewaard is gebleven. Peri ontwierp een raamwerk dat een “spraak-lied” mogelijk maakte, een tussenvorm tussen de voortdurende verandering van toonhoogte in de spraak en de beweging in het lied, die beantwoordde aan de eisen van de dramatische poëzie. De invloed van de ‘camerata’ is merkbaar in het werk van Monteverdi.

Monteverdi nam deze rudimentaire benadering en zette het op zijn kop met, waarschijnlijk, de eerste echte opera, “L’Orfeo.” Zijn revolutionaire debuut tartte alle bestaande muzikale conventies.

Om de uiteenlopende emoties van zijn personages te benadrukken, onderwierp Monteverdi zich aan de traditionele polyfone structuur van de Renaissance, waarin alle vocale elementen gelijk werden geprojecteerd. In plaats daarvan plaatste hij woorden en emoties op de voorgrond. In die zin lijkt Monteverdi’s opera-benadering ook op het moderne lied, met zijn gebruik van een prominente enkele melodielijn en akkoordenbegeleiding voor kleur en achtergrond. Hij gebruikte dynamiek en dissonantie om menselijke emoties over te brengen op een manier die het publiek verblindde en conservatieve critici op het verkeerde been zette. Monteverdi is beschreven als de eerste die “opera creëerde uit personages die leven, ademen, liefhebben en haten.”

In het begin van de zeventiende eeuw vonden verschillende stijlen van monodie hun weg naar zowel wereldlijke als geestelijke muziek. Monodie maakte muziektheater mogelijk, omdat het een medium was dat zowel dialoog als dramatische expressie in muziek kon overbrengen.

Later jaren

In 1613 werd Monteverdi benoemd tot dirigent van de San Marco in Venetië (San Marco di Venezia), waar hij al snel de muzikale standaard van zowel het koor als de instrumentalisten herstelde, die onder het financiële wanbeleid van zijn voorganger, Giulio Cesare Martinengo, was geslonken. De beheerders van de basiliek waren opgelucht dat zo’n vooraanstaand musicus de post waarnam, waar de muziek in verval was geraakt sinds de dood van een van zijn voorgangers, Giovanni Croce, in 1609.

Tijdens zijn verblijf in Venetië voltooide Monteverdi ook zijn zesde, zevende en achtste boek madrigalen. Het achtste is het grootste, met werken geschreven over een periode van dertig jaar, waaronder de dramatische scène “Tancredi e Clorinda” (1624), waarin het orkest en de stemmen twee afzonderlijke entiteiten vormen, die als tegenhangers fungeren. Waarschijnlijk werd Monteverdi tot deze opstelling geïnspireerd door de twee tegenover elkaar liggende balkons in San Marco, die veel soortgelijke muziek hadden geïnspireerd van plaatselijke componisten, bijvoorbeeld Gabrieli. Deze compositie markeerde het eerste gebruik van “tremolo” (snelle herhaling van dezelfde toon) en “pizzicato” (getokkel met de vingers aan de snaren) voor speciale effecten in dramatische scènes.

Na de dood van zijn vrouw nam Monteverdi, die gebukt ging onder armoede, overwerk en ziekte, de wijding tot katholiek priester aan in 1632. Sommige bronnen schrijven deze stap toe aan de uitbraak van de pest in het jaar daarvoor, waaraan hij ongedeerd ontsnapte. Hij zou waarschijnlijk uit de publieke belangstelling zijn verdwenen, ware het niet dat in 1637 in Venetië het eerste openbare operahuis werd geopend, waardoor zijn belangstelling voor dit genre opnieuw werd aangewakkerd. Zo componeerde hij tegen het einde van zijn leven zijn eerste opera in bijna tien jaar, Adone.

De twee laatste werken waren de opera Il ritorno d’Ulisse in patria (De terugkeer van Odysseus), en de historische opera L’incoronazione di Poppea (De kroning van Poppea), gebaseerd op het leven van de Romeinse keizer Nero. Vooral L’incoronazione wordt beschouwd als een hoogtepunt in Monteverdi’s oeuvre en als een opera-meesterwerk. Het onderscheidt zich door tragische, romantische en komische scènes, die een nieuw element in de opera waren, een realistischer uitbeelding van de personages, passies, en een warmere melodie dan kenmerkend was voor die periode. Het vereiste een kleiner orkest en een minder prominente rol voor het koor. De technieken van La Favola d’Orfeo werden verder ontwikkeld en de personages waren herkenbaar menselijk in plaats van symbolisch.

Monteverdi stierf in Venetië en werd begraven in een grote gotische basiliek, de Frari, in een graftombe in het midden van de kerk bij de Venetiaanse schilder Titiaan.

Erfenis

Tijdens de zeventiende eeuw botsten twee verschillende benaderingen, de “stile antico” (oude stijl), geïllustreerd door Palestrina, en de “stile moderno” (moderne stijl), op elkaar. Monteverdi schreef echter in beide met evenveel meesterschap. Hij leefde en werkte in een periode van verandering, toen de late Renaissance plaats maakte voor de Barok, en hij moedigde deze overgang aan door elk aspect van de muziek waarmee hij in aanraking kwam te ontwikkelen en te transformeren.

Hij was de eerste componist die opera’s schreef, zich volledig bewust van de artistieke mogelijkheden van dit musico-dramatische genre, waar een modern publiek met waardering naar kan luisteren. Hij nam de primitieve middelen bedacht door de “camerata” en Peri en verrijkte ze met verbeelding, dramatische kracht en creatieve rijkdom. Hij transformeerde de “stile rappresentative”, of het recitatief, in een rijke, vloeiende en gevarieerde melodie met een langere lijn en meer continuïteit. Vergeleken met het archaïsche vocabulaire en de methoden van Peri, die nauwelijks voor een revolutie vatbaar waren, vertegenwoordigden zijn opera’s een nieuwe kunst. Hij gebruikte ritme, akkoorden, instrumentale kleuren en sleutelveranderingen om dramatische actie te projecteren, karakters te interpreteren of stemmingen en emoties te projecteren op een manier die voor of tijdens zijn tijd onbekend was. Hij bedacht instrumentale technieken om het soort opwinding, passie of emotionele intensiteit (“stile concitato”) te creëren die zijn drama’s nodig hadden, zoals pizzicato en tremolo. Hij was de eerste die de rol van het orkest in een opera begreep, en besefte dat blaasinstrumenten en slagwerk goed waren voor het projecteren van militaire stemmingen, fluiten voor pastorale scènes, en altviolen en luiten voor sentimentele episodes. Geen enkele componist voor hem had deze instrumenten gebruikt voor het schilderen van stemmingen en karakterisering, en zo kwam hij bekend te staan als “de profeet van de opera” (Hale Publishing, 1966, 36).

In madrigalen introduceerde Monteverdi instrumentale begeleidingen en benutte hij ten volle de dramatische mogelijkheden van het medium. Hij gebruikte muziek als een integraal onderdeel van het werk, in plaats van louter als versiering.

Monteverdi bleek een uitvinder en een gedurfde componist te zijn. Zijn muziek volgde de moderne trends, en net als zijn collega in Venetië, Dario Castello, volgde hij een inventieve benadering van muziekcompositie. Terwijl zijn uitvindingen en zijn behandeling van harmonie en contrapunt door het publiek werden geaccepteerd en zelfs geprezen, kreeg hij daarvoor niet altijd complimenten van zijn collega’s.

Kend als iemand met een sterk en opwindend temperament, met “vuur in zijn bloed”, weerspiegelde zijn muziek, vol opwinding, overvloedige harmonieën, en uitbundige tempi dit. Hij werd beschouwd als een “moderne” componist, maar tegelijkertijd wist hij “respect” te tonen voor de oudere generatie en hun traditionele principes. Hij publiceerde twee totaal verschillende stukken in dezelfde bundel – Missa in illo tempore en Vespro della Beata Vergine – en bewees daarmee eens te meer de “ware maestro” – de meester van de muziek te zijn, door gebruik te maken van een combinatie van zeer verschillende stijlen en door zijn tovenarij aan te wenden om ze te verenigen, terwijl hij toch hun individuele kenmerken behield. Zoveel ideeën harmonieus met elkaar combineren kon alleen door een genie als hij worden gedaan – een persoon met durf en visie.

Composities

Monteverdi componeerde ongeveer 40 opera’s, waarvan alleen L’Orfeo, L’incoronazione di Poppea, Il ritorno, en de beroemde aria “Lamento” uit zijn tweede opera L’Arianna bewaard zijn gebleven:

• La Favola d’Orfeo, 1607
• L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
• Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
• L’incoronazione di Poppea, 1642

Overig werk omvat madrigalen, wereldlijke en geestelijke composities:

• Vespro della Beata Vergine, 1610
• Selva Morale e Spirituale, 1640
• Madrigali Guirreri et Amorosi
• Scherzi musicali, 1607
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624
• Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata
• Lamento della Ninfa “Amor”

Notes

Alle links opgehaald 24 februari 2017.

• Gratis partituren van Claudio Monteverdi in het Werner Icking Muziekarchief.
• Claudio Monteverdi Kort Bio.
• Mijlpalen van het Millennium National Public Radio.