Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (15 maja 1567 r. (ochrzczony) – 29 listopada 1643 r.) był włoskim kompozytorem, skrzypkiem i śpiewakiem uważanym za kluczową postać w historii muzyki. Jego twórczość stanowiła pomost między „starą praktyką” a „nową praktyką”, umożliwiając tym samym przejście od muzyki renesansu do baroku. W ciągu swego długiego życia stworzył osiem ksiąg madrygałów i czterdzieści oper, które można zaliczyć zarówno do starych, jak i nowych kategorii, a w obu był doskonale zorientowany.

Przejąwszy operę od florenckiej „cameraty” i wprowadziwszy barokową metodę deklamacji z towarzyszeniem continuo, wzbogacił ją o niespotykaną dotąd ekspresję, a od renesansowego zespołu różnorodnych instrumentów w La Favola d’Orfeo przeszedł do wczesnej wersji zespołu barokowego, w którym poszczególne kategorie instrumentów służyły malowaniu nastroju.

Monteverdi był jednym z najważniejszych innowatorów, którzy doprowadzili do zmiany stylu. Jego późniejsze madrygały były o tyle rewolucyjne, że zostały zaaranżowane w partiach na głosy lub instrumenty (styl koncertujący); La Favola d’Orfeo uważana jest za najwcześniejszą dramatycznie wykonalną operę.

Mając szczęście cieszyć się sławą za życia, życie osobiste Monteverdiego naznaczone było krótkim okresem szczęścia w miłości, zarówno jako dziecka, jak i męża, po tym, jak doświadczył tragedii matki i żony umierających w młodym wieku.

Życie osobiste

Claudio Monteverdi („Monteverdi” znaczy po włosku „zielona góra”) urodził się w Cremonie w północnych Włoszech. Jego matka, Maddalena, zmarła, gdy miał dziewięć lat. Jego ojciec pojął wówczas drugą żonę, która zmarła, gdy Monteverdi miał 16 lat. W następnym roku jego ojciec ożenił się po raz trzeci. Ojciec Monteverdiego był aptekarzem, który praktykował potajemnie medycynę w czasach, gdy była ona uważana za działalność nielegalną (w tamtych czasach medycyna była czynnością nielegalną, zazwyczaj prowadzoną potajemnie w małych sklepikach lub kramach). Wkrótce po trzecim małżeństwie władze ostatecznie zatwierdziły jego działalność medyczną.

Jako dziecko służył jako chórzysta i studiował muzykę u Marca Antonia Ingegneriego, który był maestro di cappella w katedrze w Cremonie. Ponieważ nie ma wzmianki o tym, że śpiewał w chórze katedralnym, przyjmuje się, że lekcje muzyki były prywatne.

Monteverdi, cudowne dziecko, około piętnastego roku życia stworzył swoje pierwsze utwory muzyczne przeznaczone do publikacji – motety (kompozycje polifoniczne składające się zazwyczaj z trzech części, z których każda śpiewana jest w innym tempie i z użyciem innych słów) i madrygały sakralne – główny gatunek włoskiej muzyki świeckiej w XVI wieku. W wieku dwudziestu lat skomponował swój pierwszy zeszyt madrygałów świeckich, a wkrótce potem zaczął szukać pracy poza rodzinnym miastem.

Oferta pracy nadeszła w 1590 roku z dworu księcia Vincenza I Gonzagi w Mantui, gdzie Monteverdi rozpoczął pracę jako wokalista i altowiolista, a w 1602 roku awansował na dyrygenta. Rodzina Gonzaga znajdowała się pod muzyczną opieką flamandzkiego kompozytora, a Monteverdi szybko zyskał uznanie do tego stopnia, że stał się częścią dworu podróżującego księcia podczas jego wypraw wojennych po Europie, które zaprowadziły kompozytora w rejony Dunaju i do Flandrii.

Dzieła

Madrygały

Do czterdziestych urodzin Monteverdi skupił się na madrygałach, komponując dziewięć ich ksiąg. Quinto Libro (Piąta księga), opublikowana w 1605 roku, była w centrum kontrowersji między Monteverdim a słynnym reakcjonistą w historii muzyki, Giovannim Artusim, w której ten ostatni atakował „surowość” i „licentia poetica” nowoczesnego stylu komponowania, koncentrując swoje ataki na madrygałach (w tym Cruda Amarilli) z czwartej księgi. Monteverdi odpowiedział na to we wstępie do księgi piątej, proponując podział praktyki muzycznej na dwa nurty: To, co nazwał „prima pratica”, i „seconda pratica”. „Prima pratica” oznacza wcześniejszy ideał polifoniczny XVI wieku, z płynącym ścisłym kontrapunktem, preparowanymi konsonansami i dysonansami oraz równością głosów; „seconda pratica” opiera się na znacznie swobodniejszym kontrapunkcie z rosnącą hierarchią głosów, kładąc nacisk na sopran i bas. Stanowiło to nieświadomy krok w kierunku nowego stylu monodii.

Jeszcze jedną cechą świadomie nowoczesną jest wprowadzenie w wielu madrygałach V księgi partii instrumentalnej continuo. Ponadto w księdze tej widoczne były początki świadomej tonalności funkcyjnej.

W księdze ósmej (Ottavo Libro), wydanej w 1638 roku, znajdują się Madrigali dei guerrieri ed amorosi, przez wielu uważane za doskonałość formy madrygałowej. Całość pierwszych ośmiu ksiąg madrygałów ukazuje ogromny rozwój od renesansowej muzyki polifonicznej do stylu monodycznego, kładącego nacisk na przejrzyste linie melodyczne, zrozumiały tekst i spokojny akompaniament, charakterystycznego dla muzyki barokowej, określanej w przybliżeniu jako powstała i upowszechniona między 1600 a 1750 rokiem.

Dziewiąta księga madrygałów, wydana pośmiertnie w 1651 roku, zawiera lżejsze utwory, takie jak canzonettas, prawdopodobnie skomponowane za życia kompozytora i reprezentujące oba style.

Opery

Opera była naturalnym przejściem od monodii (śpiewu solowego), zwłaszcza dla skłonnego do dramatyzmu kompozytora, który uwielbiał również wielkie efekty. W 1607 roku Monteverdi skomponował swoją pierwszą operę, La Favola d’Orfeo (czyli Bajka o Orfeuszu). W tamtych czasach powszechne było tworzenie przez kompozytorów dzieł na zamówienie, na specjalne okazje, a ten utwór miał dodać blasku dorocznemu karnawałowi w Mantui. Dzieło to nie tylko odniosło wielki sukces, oddając wymownie ducha epoki, ale także ukształtowało nowy styl muzyczny – „dramma per musica” (dramat muzyczny). Dlatego też opery Monteverdiego określa się zwykle jako „przedbarokowe” lub „wczesnobarokowe”.

La Favola d’Orfeo odznacza się dramatyczną siłą i żywą orkiestracją, i jest prawdopodobnie pierwszym przykładem kompozytora przypisującego partiom konkretne instrumenty. Orkiestra liczyła około czterdziestu instrumentów, przy czym nigdy nie używano wszystkich naraz. W wielu miejscach kompozytor precyzował, które instrumenty muzyczne mają grać. Była to też jedna z pierwszych dużych kompozycji, w której dokładna instrumentacja premiery była przekazywana przez lata. W partyturze pojawia się wstępna „toccata” (krótki, dwukrotnie powtarzany fanfarowy ruch).

Akcja opisana jest żywymi obrazami muzycznymi, a melodie są linearne i przejrzyste. W tytule nie znalazło się imię Eurydyki, co większość późniejszych kompozytorów uczyniła w zgodzie z legendą o Orfeuszu. Eurydyka w wykonaniu Monteverdiego jest jedynie postacią drugoplanową.

Jego kolejna opera, L’Arianna, powstała w 1608 roku, ale zachowało się tylko kilka fragmentów i jeden numer, „Lament” (Lamento). Lament”, napisany w stylu recytatywnym, był w XVII wieku podziwiany jako czołowy przykład ekspresyjnej monodii, a dobrze zaśpiewany wzruszał słuchaczy do łez. Monteverdi zaaranżował go później jako pięcioczęściowy madrygał, a następnie przerobił pierwotną wersję na tekst sakralny.

Vespro della Beata Vergine 1610, (Nieszpory Najświętszej Dziewicy 1610) jest okrzyknięte największym dziełem Monteverdiego. Było to jedno z jego niewielu dzieł sakralnych o jakiejkolwiek skali, ale do dziś pozostaje jednym z najlepszych przykładów muzyki dewocyjnej, dorównując jedynie takim utworom jak Missa Papae Marcelli Palestriny, Mesjasz George’a Friderica Handla czy Pasja wg św. Mateusza Johanna Sebastiana Bacha. Zakres dzieła jako całości zapiera dech w piersiach – każda z 25 części jest w pełni rozwinięta zarówno w sensie muzycznym, jak i dramatycznym, wykorzystując faktury instrumentalne do wyrażenia efektu dramatycznego i emocjonalnego w niespotykany dotąd sposób.

Nieszpory są również jednym z najlepszych przykładów wczesnych powtórzeń i kontrastów, z wieloma częściami posiadającymi wyraźne ritornello (dodatkowa para linii po zakończeniu strofy). Ritornello było czymś zupełnie nowym dla ówczesnej publiczności i stało się natychmiastową sensacją.

Opera przed Monteverdim

W drugiej połowie XVI wieku wielu muzyków i poetów spotykało się w domach dwóch florenckich szlachciców, Giovanniego de Bardi i Jacopo Corsi, i nadano im przydomek „camerata”, co oznacza klub lub koterię.

W tamtych czasach nie było teatrów operowych. Artyści starali się ożywić stare greckie tragedie i wykonywać je w stylu jak najbardziej zbliżonym do oryginalnego. Wiedzieli, że chóry były śpiewane, ale nie wiedzieli, jaki rodzaj muzyki stosowali Grecy. Pomagał im Jacopo Peri, którego Dafne (1597) uważana jest za pierwszą operę, choć nie przetrwała. Peri zaprojektował ramę, która pozwalała na „mowę-śpiew”, pośrednią między ciągłą zmianą wysokości dźwięku w mowie a ruchem w pieśni, która odpowiadała wymaganiom poezji dramatycznej. Wpływ 'cameraty' jest widoczny w twórczości Monteverdiego.

Monteverdi wykorzystał to podstawowe podejście i postawił je na głowie, tworząc prawdopodobnie pierwszą prawdziwą operę, „L’Orfeo”. Jego rewolucyjny debiut przeciwstawił się wszelkim istniejącym konwencjom muzycznym.

Aby podkreślić szeroki wachlarz emocji swoich bohaterów, Monteverdi stonował tradycyjną polifoniczną strukturę renesansu, w której wszystkie elementy wokalne były wyświetlane jednakowo. Zamiast tego na pierwszym planie stawiał słowa i emocje. W tym sensie operowe podejście Monteverdiego przypomina także współczesną pieśń, w której dominuje pojedyncza linia melodyczna, a akordowy akompaniament służy kolorystyce i tłu. Wykorzystywał dynamikę i dysonanse, by przekazać ludzkie emocje w sposób, który olśniewał publiczność i wprawiał w zakłopotanie konserwatywnych krytyków. Monteverdi został opisany jako pierwszy, który „stworzył operę z postaci, które żyją, oddychają, kochają i nienawidzą.”

W początkach XVII wieku różne style monodii przedostały się zarówno do muzyki świeckiej, jak i sakralnej. Monodia uczyniła teatr muzyczny możliwym, będąc medium, które mogło przekazać zarówno dialog, jak i dramatyczną ekspresję w muzyce.

Późniejsze lata

W 1613 roku Monteverdi został powołany na stanowisko dyrygenta w San Marco w Wenecji (San Marco di Venezia), gdzie szybko przywrócił muzyczny poziom zarówno chórowi, jak i instrumentalistom, który podupadł pod wpływem złego zarządzania finansami przez jego poprzednika, Giulio Cesare Martinengo. Zarządcy bazyliki odetchnęli z ulgą, gdy tak wybitny muzyk objął to stanowisko, gdzie muzyka podupadała od śmierci jednego z jego poprzedników, Giovanniego Croce, w 1609 roku.

Podczas pobytu w Wenecji Monteverdi ukończył także szóstą, siódmą i ósmą księgę madrygałów. Ósma księga jest największa, zawiera utwory pisane na przestrzeni trzydziestu lat, m.in. scenę dramatyczną „Tancredi e Clorinda” (1624), w której orkiestra i głosy tworzą dwa odrębne byty, działające jako odpowiedniki. Prawdopodobnie Monteverdiego zainspirowały do tej aranżacji dwa przeciwległe balkony w San Marco, które stały się inspiracją dla podobnej muzyki miejscowych kompozytorów, np. W kompozycji tej po raz pierwszy zastosowano smyczkowe „tremolo” (szybkie powtarzanie tego samego tonu) i „pizzicato” (szarpanie strun palcami) dla uzyskania specjalnego efektu w scenach dramatycznych.

Po śmierci żony Monteverdi, cierpiąc z powodu biedy, przepracowania i choroby, przyjął święcenia kapłańskie i w 1632 roku został wyświęcony na księdza katolickiego. Niektóre źródła przypisują ten krok wybuchowi epidemii dżumy w roku poprzednim, z której wyszedł bez szwanku. Prawdopodobnie usunąłby się w cień, gdyby nie otwarcie w Wenecji pierwszej publicznej opery w 1637 r., które na nowo rozbudziło jego zainteresowanie tym gatunkiem. Pod koniec życia skomponował więc pierwszą od prawie dekady operę Adone.

Dwoma ostatnimi dziełami były opera Il ritorno d’Ulisse in patria (Powrót Ulissesa) i opera historyczna L’incoronazione di Poppea (Koronacja Poppei), oparta na życiu cesarza rzymskiego Nerona. Szczególnie L’incoronazione uważana jest za kulminacyjny punkt twórczości Monteverdiego i operowe arcydzieło. Wyróżnia się scenami tragicznymi, romantycznymi i komicznymi, co było nowością w operze, bardziej realistycznym ujęciem postaci, namiętności i cieplejszą melodią, niż było to charakterystyczne dla epoki. Wymagała mniejszej orkiestry i miała mniejszą rolę chóru. Rozwinęła techniki zastosowane w La Favola d’Orfeo i przedstawiała postacie, które były rozpoznawalnie ludzkie, a nie symboliczne.

Monteverdi zmarł w Wenecji i został pochowany w ogromnej gotyckiej bazylice Frari, w grobowcu w centrum kościoła obok weneckiego malarza Tycjana.

Legendarium

Przez cały XVII wiek ścierały się dwa odmienne podejścia, „stile antico” (styl dawny), którego przykładem był Palestrina, i „stile moderno” (styl nowoczesny). Monteverdi pisał jednak w obu tych stylach z równym mistrzostwem. Żył i tworzył w okresie przemian, gdy późny renesans ustępował miejsca barokowi, i sprzyjał tym przemianom, rozwijając i przekształcając każdy aspekt muzyki, z którym się stykał.

Był pierwszym kompozytorem, który pisał opery, w pełni świadomy artystycznego potencjału tego gatunku muzyczno-dramatycznego, którego współczesna publiczność może słuchać z uznaniem. Wykorzystał prymitywne środki wypracowane przez „cameratę” i Periego i wzbogacił je o wyobraźnię, siłę dramatyczną i bogactwo twórcze. Stile rappresentative”, czyli recytatyw, przekształcił w bogatą, płynną i zróżnicowaną melodię o dłuższej linii i większej ciągłości. W porównaniu z archaicznym słownictwem i metodami Periego, które trudno było zrewolucjonizować, jego opery reprezentowały nową sztukę. Wykorzystywał rytm, dysonanse, kolorystykę instrumentalną, zmiany tonacji, by w sposób nieznany przedtem ani w swoim czasie przedstawić akcję dramatyczną, zinterpretować postaci, pokazać nastroje i emocje. Wymyślił techniki instrumentalne, takie jak pizzicato i tremolo, aby stworzyć rodzaj wzburzenia, pasji lub intensywności emocjonalnej („stile concitato”), których wymagały jego dramaty. Jako pierwszy pojął rolę orkiestry w operze, zdając sobie sprawę, że instrumenty dęte i perkusyjne nadają się do projekcji nastrojów militarnych, flety do scen pastoralnych, a altówki i lutnie do epizodów sentymentalnych. Żaden kompozytor przed nim nie używał tych narzędzi do malowania nastroju i charakteryzacji, dlatego też zyskał miano „proroka opery” (Hale Publishing, 1966, 36).

W madrygałach Monteverdi wprowadził akompaniament instrumentalny i w pełni wykorzystał możliwości dramatyczne medium. Muzyka była dla niego integralną częścią dzieła, a nie tylko dekoracją.

Monteverdi okazał się wynalazcą i odważnym kompozytorem. Jego muzyka podążała za nowoczesnymi trendami, a on sam, podobnie jak jego kolega z Wenecji, Dario Castello, stosował pomysłowe podejście do komponowania muzyki. Podczas gdy jego wynalazki i sposób traktowania harmonii i kontrapunktu były akceptowane, a nawet chwalone przez publiczność, nie zawsze był za nie komplementowany przez swoich kolegów.

Znany jako posiadający silny i ekscytujący temperament, mający „ogień we krwi”, jego muzyka, pełna emocji, hojnych harmonii i wybujałych temp odzwierciedlała to. Uważany za kompozytora „nowoczesnego”, potrafił jednocześnie „oddać szacunek” starszemu pokoleniu i jego tradycyjnym zasadom. Wydając dwa zupełnie różne utwory w tym samym zbiorze -issa in illo tempore i Vespro della Beata Vergine, po raz kolejny udowodnił, że jest „prawdziwym maestro” – mistrzem muzyki, wykorzystując połączenie skrajnie różnych stylów i wykazując się kunsztem w ich ujednolicaniu, przy zachowaniu ich indywidualnych cech. Tak wiele pomysłów połączonych harmonijnie razem mógł dokonać tylko taki geniusz jak on – człowiek odważny i z wizją.

Kompozycje

Monteverdi skomponował około 40 oper, z których zachowały się jedynie Orfeusz, Koronacja Poppei, Il ritorno oraz słynna aria „Lamento” z drugiej opery L’Arianna:

• La Favola d’Orfeo, 1607
• L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
• Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
• L’incoronazione di Poppea, 1642

Inne dzieła to madrygały, kompozycje świeckie i sakralne:

• Vespro della Beata Vergine, 1610
• Selva Morale e Spirituale, 1640
• Madrigali Guirreri et Amorosi
• Scherzi musicali, 1607
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624
• Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata
• Lamento della Ninfa „Amor”

Notes

Wszystkie linki pobrane 24 lutego 2017.

• Darmowe partytury Claudio Monteverdiego w Archiwum Muzycznym Wernera Ickinga.
• Krótka biografia Claudio Monteverdiego.
• Kamienie milowe tysiąclecia National Public Radio.