Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi (15 de Maio de 1567 (baptizado) – 29 de Novembro de 1643) foi um compositor, violinista e cantor italiano considerado uma figura crucial na história da música. A sua obra fez a ponte entre a “velha prática” e a “nova prática” e, assim, permitiu a transição da música renascentista para a barroca. Durante a sua longa vida, produziu oito livros de madrigais e quarenta óperas, que podem ser classificados tanto na antiga como na nova categoria, e foi bem versado em ambas.

Abandonou a ópera da “camerata” florentina e introduziu o método barroco de declamação com acompanhamento contínuo, enriqueceu-a com uma expressividade sem precedentes, e passou do conjunto renascentista de diversos instrumentos em La Favola d’Orfeo, para uma versão inicial do conjunto barroco, onde categorias específicas de instrumentos eram utilizadas para pintura de humor.

Monteverdi foi um dos inovadores mais significativos que provocou a mudança de estilo. Os seus madrigais posteriores foram revolucionários, na medida em que foram dispostos em partes para vozes ou instrumentos (estilo concertado); La Favola d’Orfeo é considerada a mais antiga ópera dramaticamente viável.

Fortunado o suficiente para gozar a fama durante a sua vida, a vida pessoal de Monteverdi foi marcada por uma curta duração de felicidade no amor, tanto em criança como em marido, por ter vivido as tragédias tanto da sua mãe como da sua esposa morrendo em tenra idade.

Vida Pessoal

Claudio Monteverdi (“Monteverdi” significa “montanha verde” em italiano) nasceu em Cremona, no norte de Itália. A sua mãe, Maddalena, morreu quando ele tinha nove anos de idade. O seu pai tomou então uma segunda esposa, que morreu quando Monteverdi tinha 16 anos de idade. No ano seguinte, o seu pai casou pela terceira vez. O pai de Monteverdi era um químico que na realidade praticava medicina secretamente numa época em que era considerada uma actividade ilegal (nessa altura, a medicina era um acto ilegal geralmente praticado sub-repticiamente a partir de pequenas lojas ou bancas). Logo após o seu terceiro casamento, as autoridades finalmente endossaram o seu trabalho médico.

Como criança, serviu como corista e estudou música com Marc Antonio Ingegneri, que era maestro di cappella na catedral de Cremona. Uma vez que não há registo dele a cantar no coro da catedral, assume-se que as aulas de música foram privadas.

Uma criança prodígio, Monteverdi produziu a sua primeira música para publicação – alguns motets (uma composição polifónica geralmente em três partes, cada uma cantada a uma velocidade diferente e utilizando palavras diferentes) e madrigais sagrados – o principal género de música secular italiana no século XVI, por volta dos quinze anos de idade. Aos vinte anos, compôs o seu primeiro livro de madrigais seculares, e pouco depois começou a procurar trabalho fora da sua cidade natal.

Uma oferta de emprego veio em 1590 da corte do Duque Vincenzo I de Gonzaga em Mântua, onde Monteverdi começou a trabalhar como vocalista e tocador de viola, e por volta de 1602, foi promovido a maestro. A família Gonzaga estava sob a orientação musical de um compositor flamengo, e Monteverdi rapidamente se tornou reconhecido ao ponto de fazer parte da corte itinerante do Duque nas suas expedições militares na Europa, o que levou o compositor às regiões do rio Danúbio e à Flandres.

Works

Madrigals

Até ao seu quadragésimo aniversário, Monteverdi concentrou-se nos madrigalistas, compondo nove livros dos mesmos. O Quinto Livro, publicado em 1605, esteve no centro da controvérsia entre Monteverdi e o famoso reaccionário da história musical, Giovanni Artusi, onde este último atacou os “crudismos” e a “licença” do estilo moderno de composição, centrando os seus ataques aos madrigais (incluindo Cruda Amarilli) a partir do quarto livro. Monteverdi fez a sua resposta na introdução ao quinto livro, com uma proposta de divisão da prática musical em duas correntes: O que ele chamou “prima pratica”, e “seconda pratica”. “Prima pratica” representa o ideal polifónico anterior do século XVI, com um contraponto fluente rigoroso, consonância e dissonância preparadas, e igualdade de vozes; “seconda pratica” baseia-se num contraponto muito mais livre com uma hierarquia crescente de vozes, enfatizando o soprano e o baixo. Isto representou um movimento inconsciente em direcção ao novo estilo de monody.

A introdução de uma parte instrumental contínua em muitos dos madrigais do quinto livro é mais uma característica autoconscientemente moderna. Além disso, este livro mostrou os inícios da tonalidade funcional consciente.

O Ottavo Libro (Oitavo Livro), publicado em 1638, inclui Madrigali dei guerrieri ed amorosi que muitos consideram ser a perfeição da forma madrigal. Como um todo, os primeiros oito livros de madrigal mostram o enorme desenvolvimento da música polifónica renascentista ao estilo monódico, com a sua ênfase em linhas melódicas claras, texto inteligível e música placida de acompanhamento, típica da Música Barroca, definida aproximadamente como aquela escrita e popularizada entre os anos 1600 e 1750.

O nono livro de madrigais, publicado postumamente em 1651, contém peças mais leves, tais como canzonettas, provavelmente compostas ao longo da sua vida e representando ambos os estilos.

Operas

Opera foi uma transição natural do monódico (canto a solo), especialmente para o compositor dramaticamente inclinado que também adorava o grande efeito. Em 1607, Monteverdi compôs a sua primeira ópera, La Favola d’Orfeo (ou A Fábula de Orfeu). Era comum nessa altura os compositores criarem obras a pedido para ocasiões especiais, e esta peça destinava-se a acrescentar algum brilho ao carnaval anual de Mântua. Não só foi um grande sucesso, captando eloquentemente o espírito da época, como cunhou um novo estilo de música, o “dramma per musica” (drama musical). É por isso que as óperas de Monteverdi são normalmente rotuladas de “pré-Baroque” ou “early-Baroque”

La Favola d’Orfeo é marcada pelo seu poder dramático e orquestração viva, e é sem dúvida o primeiro exemplo de um compositor que atribui instrumentos específicos a peças. A orquestra contava com cerca de quarenta instrumentos, nunca tendo utilizado todos de uma só vez. Em muitos lugares, especificou quais os instrumentos musicais que deveria tocar. Esta foi também uma das primeiras grandes composições em que a instrumentação exacta da estreia foi transmitida ao longo dos anos. A partitura inclui uma “toccata” introdutória (um pequeno movimento tipo fanfarra duas vezes repetido).

A trama é descrita em quadros musicais vívidos, e as melodias são lineares e claras. O título não inclui o nome de Eurydice, algo que a maioria dos compositores que vieram depois dele fizeram de acordo com a lenda de Orfeu. Eurydice na interpretação de Monteverdi é apenas um personagem secundário.

A sua próxima ópera, L’Arianna, seguida em 1608, mas apenas alguns fragmentos e um número, o “Lamento” (Lamento), foram preservados. O “Lamento”, escrito num estilo recitativo, foi admirado no século XVII como o principal exemplo de monódia expressiva, e quando bem cantado, moveu o público às lágrimas. Mais tarde Monteverdi arranjou-o como um madrigal de cinco partes e depois reformulou a versão original num texto sagrado.

Vespro della Beata Vergine 1610, (The Vespers of the Blessed Virgin 1610) é elogiado como a maior peça de Monteverdi. Esta foi uma das suas poucas obras sagradas de qualquer escala, mas continua a ser até hoje um dos melhores exemplos de música devocional, igualada apenas por obras como Missa Papae Marcelli de Palestrina, Messias de George Frideric Handel, e Paixão de São Mateus de Johann Sebastian Bach. O âmbito da obra como um todo é de cortar a respiração – cada uma das 25 partes está totalmente desenvolvida tanto no sentido musical como dramático, utilizando texturas instrumentais para expressar um efeito dramático e emocional de uma forma sem precedentes.

As Vésperas são também um dos melhores exemplos de repetição e contraste precoce, com muitas das partes a terem um ritornello claro (um par de linhas adicionais após o fim da estrofe). O ritornello era algo inteiramente novo para o público da época e tornou-se uma sensação imediata.

Opera antes de Monteverdi

Durante a segunda metade do século XVI, muitos músicos e poetas reuniram-se nas casas de dois nobres florentinos, Giovanni de Bardi e Jacopo Corsi, e foram apelidados de “camerata”, que significa clube, ou coterie.

Não havia casas de ópera naquela época. Os artistas esforçavam-se por reavivar as antigas tragédias gregas e interpretá-las o mais próximo possível do estilo original. Sabiam que os coros tinham sido cantados, mas não que tipo de música os gregos tinham empregado. Foram assistidos por Jacopo Peri, cujo Dafne (1597) é considerado a primeira ópera, embora não tenha sobrevivido. Peri concebeu uma estrutura que permitia uma “canção-fala”, um intermediário entre a contínua mudança de tom no discurso e o movimento na canção, que respondia às exigências da poesia dramática. A influência da ‘camerata é discernível na obra de Monteverdi.

Monteverdi adoptou esta abordagem rudimentar e virou-a de cabeça com, sem dúvida, a primeira ópera verdadeira, “L’Orfeo”. A sua estreia revolucionária desafiou todas as convenções musicais existentes.

Para enfatizar as emoções abrangentes das suas personagens, Monteverdi subjugou a estrutura polifónica tradicional da Renascença, na qual todos os elementos vocais foram projectados igualmente. Em vez disso, colocou as palavras e as emoções em primeiro plano. Neste sentido, a abordagem lírica de Monteverdi também se assemelha à canção moderna, com a sua utilização de uma linha melódica única proeminente e acompanhamento acordeal para cor e fundo. Explorou a dinâmica e dissonância para transmitir a emoção humana de formas que deslumbraram o público e confundiram os críticos conservadores. Monteverdi tem sido descrito como o primeiro a “criar ópera a partir de personagens que vivem, respiram, amam e odeiam”

No início do século XVII, vários estilos de monódia fizeram o seu caminho tanto para a música secular como para a sagrada. Monody tornou possível o teatro musical, sendo um meio que podia transmitir tanto o diálogo como a expressão dramática na música.

Anos mais recentes

Em 1613, Monteverdi foi nomeado para o cargo de maestro em San Marco em Veneza (San Marco di Venezia), onde rapidamente restaurou os padrões musicais tanto do coro como dos instrumentistas, que tinham murchado sob a má gestão financeira do seu antecessor, Giulio Cesare Martinengo. Os gestores da basílica ficaram aliviados por ter um músico tão distinto para assumir o cargo, onde a música tinha estado em declínio desde a morte de um dos seus antecessores, Giovanni Croce, em 1609.

enquanto em Veneza, Monteverdi também terminou os seus sexto, sétimo e oitavo livros de madrigais. O oitavo é o maior, contendo obras escritas durante um período de trinta anos, incluindo a cena dramática “Tancredi e Clorinda” (1624), na qual a orquestra e as vozes formam duas entidades separadas, actuando como contrapartes. É provável que Monteverdi tenha sido inspirado a tentar este arranjo devido às duas varandas opostas em San Marco, que tinham inspirado música muito semelhante de compositores locais, por exemplo, Gabrieli. Esta composição marcou o primeiro uso de cordas “tremolo” (repetição rápida do mesmo tom) e “pizzicato” (arrancar cordas com os dedos) para efeitos especiais em cenas dramáticas.

Após a morte da sua esposa, Monteverdi, sofrendo de pobreza, excesso de trabalho e doença, recebeu ordens sagradas e foi ordenado sacerdote católico em 1632. Algumas fontes atribuem este passo ao surto de peste do ano anterior, do qual emergiu ileso. Teria provavelmente desviado a atenção do público se não fosse a abertura em Veneza da primeira ópera pública em 1637, o que despertou mais uma vez o seu interesse por este género. Assim, no final da sua vida, compôs a sua primeira ópera em quase uma década, Adone.

p>As duas últimas obras foram a ópera Il ritorno d’Ulisse in patria (O regresso de Ulisses), e a histórica ópera L’incoronazione di Poppea (A Coroação de Poppea), baseada na vida do imperador romano Nero. L’incoronazione, especialmente, é considerada um ponto culminante da obra de Monteverdi e uma obra-prima da ópera. Distingue-se por cenas trágicas, românticas e cómicas, que foram um elemento inovador na ópera, um retrato mais realista das personagens, paixões, e uma melodia mais quente do que era característico da época. Requeria uma orquestra mais pequena e tinha um papel menos proeminente para o coro. Desenvolveu ainda mais as técnicas utilizadas em La Favola d’Orfeo e apresentou personagens que eram reconhecidamente humanas e não simbólicas.

Monteverdi morreu em Veneza e foi enterrado numa vasta basílica gótica, o Frari, num túmulo no centro da igreja perto do pintor veneziano Titian.

Legacy

Até ao século XVII, duas abordagens distintas, “stile antico” (estilo antigo), exemplificado por Palestrina, e “stile moderno” (estilo moderno), estavam em confronto. No entanto, Monteverdi escreveu em ambas com igual mestria. Viveu e trabalhou num período de mudança, pois o final da Renascença estava a dar lugar ao Barroco, e encorajou esta transição desenvolvendo e transformando todos os aspectos da música com que entrou em contacto.

Foi o primeiro compositor que escreveu óperas plenamente consciente do potencial artístico deste género musico-dramático, que um público moderno pode ouvir com apreço. Pegou nos meios primitivos concebidos pela “camerata” e Peri e enriqueceu-os com imaginação, força dramática, e riqueza criativa. Transformou o “rappresentativo de stile”, ou recitativo, em melodia rica, fluida e variada, com uma linha mais longa e mais continuidade. Em comparação com o vocabulário e métodos arcaicos de Peri, que dificilmente poderiam ser revolucionados, as suas óperas representaram uma nova arte. Utilizou ritmo, discórdias, cores instrumentais, e mudanças fundamentais para projectar acção dramática, interpretar personagens ou projectar humores e emoções de uma forma desconhecida antes ou durante o seu tempo. Concebeu técnicas instrumentais para criar o tipo de agitação, paixão ou intensidade emocional (“stile concitato”) que os seus dramas necessitavam, tais como pizzicato e tremolo. Foi o primeiro a compreender o papel da orquestra numa ópera, percebendo que os instrumentos de sopro e percussão eram bons para projectar humores militares, flautas para cenas pastorais, e violas e alaúdes para episódios sentimentais. Nenhum compositor antes dele tinha utilizado estes instrumentos para pintura e caracterização do humor, pelo que ficou conhecido como “profeta da ópera” (Hale Publishing, 1966, 36).

Em madrigais, Monteverdi introduziu acompanhamentos instrumentais e explorou ao máximo as possibilidades dramáticas do meio. Utilizou a música como uma característica integral da obra, em vez de mera decoração.

Monteverdi provou ser um inventor e um compositor ousado. A sua música seguiu as tendências modernas, e, tal como o seu colega em Veneza, Dario Castello, seguiu uma abordagem inventiva à composição musical. Embora as suas invenções e tratamento de harmonia e contraponto fossem aceites e até elogiadas pelo público, nem sempre foi elogiado pelos seus colegas.

Known como tendo um temperamento forte e excitante, tendo “fogo no seu sangue”, a sua música, cheia de excitação, harmonias pródigas, e tempos exuberantes reflectiam tal. Considerado um compositor “moderno”, soube ao mesmo tempo “respeitar” a geração mais velha e os seus princípios tradicionais. Publicou duas peças completamente diferentes na mesma colecção – Missa in illo tempore e Vespro della Beata Vergine, provando mais uma vez ser o “verdadeiro maestro” – o mestre da música, utilizando uma combinação de estilos muito diferentes e empregando a sua feitiçaria na sua unificação, mantendo ao mesmo tempo as suas características individuais. Tantas ideias combinadas harmoniosamente, só poderiam ser feitas por um génio como ele – uma pessoa de audácia e visão.

Composições

Monteverdi compôs cerca de 40 óperas, das quais apenas L’Orfeo, L’incoronazione di Poppea, Il ritorno, e a famosa ária “Lamento” da sua segunda ópera L’Arianna sobreviveram:

• La Favola d’Orfeo, 1607
• L’Arianna (Lamento d’Arianna), 1608
• Il ritorno d’Ulisse in patria, 1641
• L’incoronazione di Poppea, 1642

p> Outras obras incluem madrigais, composições seculares e sagradas:

• Vespro della Beata Vergine, 1610
• Selva Morale e Spirituale, 1640
• Madrigali Guirreri et Amorosi
• Scherzi musicali, 1607

Il Combattimento di Tancredi e Clorinda, 1624li>Lagrime d’amante al sepolcro dell’amata

• Lamento della Ninfa “Amor”

Notas

Todos os links recuperados a 24 de Fevereiro de 2017.

• Partituras gratuitas de Claudio Monteverdi no Arquivo Musical Werner Icking.
• Claudio Monteverdi Short Bio.
• Marcos da Rádio Pública Nacional do Milénio.

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Créditos

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